Gerard Butler spielt in Greenland einen etwas anderen Charakter als sonst. Wir verraten euch, ob das dem Film guttut oder nicht.

Gerard Butler spielt in Greenland einen etwas anderen Charakter als sonst. Wir verraten euch, ob das dem Film gut tut oder nicht.

In der vergangenen Jahren hat der schottische Schauspieler Gerard Butler in Sachen Rollenauswahl nicht unbedingt ein glückliches Händchen bewiesen. Zu Beginn seiner Karriere eher der romantische Liebhaber, begann er später mit Macho-Rollen in Comedys und harten Actionfilmen um. Das hat den bald 51-jährigen Schotten in seiner Karriere allerdings nicht unbedingt nach vorne gebracht, die meisten Filme der vergangenen zehn Jahre blieben an der Kinokasse hinter den Erwartungen zurück. Mit Greenland zeigt Butler nun eine Seite von sich, die schon länger nicht mehr auf der Leinwand zu sehen war - die des Normalos. Kann er damit überzeugen?
<h2>Die Handlung</h2>
Bauingenieur John Garrity (Gerard Butler) hat keine einfache Zeit. Durch einen Fehltritt scheint seine Ehe mit Allison (Morena Bacarin) vor dem Aus zu stehen, nur selten darf er eine Nacht im eigenen Haus verbringen, worunter auch Sohn Nathan (Roger Dale Floyd) leidet. Ein Gartenfest mit den Nachbarn soll zumindest den Schein wahren. Doch während John letzte Besorgugnen macht, erhält er auf sein Smartphone eine befremdliche Nachricht der Regierung. Offenbar ist der vorbeiziehende Komet doch nicht so harmlos wie gedacht, denn John und seine Familie sollen sich auf einer Militär-Flugbasis einfinden und mit unbekanntem Ziel ausgeflogen werden.
Die Nachbarn sind erst belustigt, etwas später entsetzt und schließlich in nackter Panik. Als John und Allison sich mit Nathan auf den Weg machen, flehen ihre Feunde um Hilfe, doch John ist klar, dass er nichts für sie tun kann. Bald tritt das ganze Ausmaß der Katastrophe zutage: laut den Experten wird ein riesiges Stück des Kometen in wenigen Tagen in der Nähe Eurpoas einschlagen - es hat die Ausmaße eines so genannten Planetenkillers, der alles Leben auf der Erde auslöschen wird. Der Flug zu einem unterirdischen Bunkersystem in Grönland ist die letzte Rettung für ausgewählte Menschen, die für einen Wiederaufbau gebraucht werden. Doch bei Ankunft der Garritys am Flughafen wartet eine böse Überraschung ...

Greenland

Greenland: Das Ende der Welt im Kino

<h2>Drama statt Action</h2>
Eine Katastrophe mit globalen Ausmaßen und Gerard Butler mittendrin - da dürften nicht wenige Filmfans eine weitere Version von Geostorm erwarten, den Roland Emmerichs langjähriger Partner Dean Deviln 2017 drehte - mit Butler in der Hauptrolle. Doch der Vergleich hinkt. Denn während Bulter in Goestorm in leitender Position gegen die Katastrophe kämpfte und dabei fast Superkräfte an den Tag legte, ist er in Greenland ein ganz normaler Familienvater, der mit seiner Frau und seinem Sohn lediglich nach einer Chance aufs Überleben sucht. Das ist deutlich mehr Drama als Special-Effects-Orgie - und auch deutlich besser als der mäßige Geostorm.
Denn Gerard Butler kann tatsächlich schauspielern, wenn ihm ein Regisseur die Chance gibt mehr zu tun, als grimmig in die die Gegend zu starren. Interessanterweise ist der Regisseur hier Ric Roman Wuagh, der Butler bereits in Angel has Fallen inszenierte - und dabei mehr auf Action als auf Schauspiel achtete. Hier macht er es besser, auch dank des soliden Drehbuches von Chris Sparling (Buried), der die dramtischen Aspekte des Szenarios in den Vordergrund stellt, statt sich auf die Zerstörung von Großstädten zu beschränken. So ist der Überlebenskampf, den Sparling allegorisch mit den Garritys erzählt, trotz einiger vorhersehbarer Wendungen durchgehend spannend.
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Und das liegt auch an Gerard Butler, dem man den treusorgenden Familienvater jederzeit abnimmt. Und dessen Odyssee mit und ohne seine Lieben so glaubwürdig gerät, dass ein böses Ende ähnlich wahrscheinlich wirkt wie ein Happy-End. Allerdings ist auch Morena Baccarin in ihrer Rolle als kämpfende Löwenmutter stark und Rogar Dale Floyd geht dem Zuschauer als Sohn der Familie zumindest nicht auf die Nerven. Dazu sind einige kleine Rollen stark besetzt und gespielt und sorgen dafür, dass auch andere Figuren im Film als Menschen wirken, und nicht bloß als Opfer oder Schurken.
Natürlich kommt auch Greenland nicht ohne genretypische Klischees aus, doch Sparling und Waugh beschränken das auf ein erfreuliches Mindestmaß oder präsentieren Twists, die tatsächlich überraschen. So gibt es eine im ersten Moment vermeintlich ärgerlich dumme Szene mit einem verlorenen Gegenstand, die den erfahrenen Kinogänger innerlich aufjaulen lässt. Nur um wenig später auf eine völlig andere Art aufgelöst zu werden, die wohl kaum jemand kommen sieht. Die Stärken des Films liegen darin, dass die Familie von glaubhaften Schicksalsschlägen und Ereignissen getroffen wird, die vor allem Eltern garantiert schmerzlich gut nachfühlen können.
Das alles macht Butler natürlich noch nicht zum Oscar-Kandidaten und den Film nicht zum unverzichtbaren Kino-Event. aber Greenland macht vieles richtig und überrascht immer wieder mit emotionalen Momenten, die das Publikum in einem Gerard Butler-Film nicht unbedingt erwarten würde.

In den vergangenen Jahren hat der schottische Schauspieler Gerard Butler in Sachen Rollenauswahl nicht unbedingt ein glückliches Händchen bewiesen. Zu Beginn seiner Karriere eher der romantische Liebhaber, begann er später mit Macho-Rollen in Comedys und harten Actionfilmen um. Das hat den bald 51-jährigen Schotten in seiner Karriere allerdings nicht unbedingt nach vorne gebracht, die meisten Filme der vergangenen zehn Jahre blieben an der Kinokasse hinter den Erwartungen zurück. Mit Greenland zeigt Butler nun eine Seite von sich, die schon länger nicht mehr auf der Leinwand zu sehen war - die des Normalos. Kann er damit überzeugen?

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<h2>Die Handlung</h2>
Bauingenieur John Garrity (Gerard Butler) hat keine einfache Zeit. Durch einen Fehltritt scheint seine Ehe mit Allison (Morena Baccarin) vor dem Aus zu stehen, nur selten darf er eine Nacht im eigenen Haus verbringen, worunter auch Sohn Nathan (Roger Dale Floyd) leidet. Ein Gartenfest mit den Nachbarn soll zumindest den Schein wahren. Doch während John letzte Besorgungen macht, erhält er auf sein Smartphone eine befremdliche Nachricht der Regierung. Offenbar ist der vorbeiziehende Komet doch nicht so harmlos wie gedacht, denn John und seine Familie sollen sich auf einer Militär-Flugbasis einfinden und mit unbekanntem Ziel ausgeflogen werden.
Die Nachbarn sind erst belustigt, etwas später entsetzt und schließlich in nackter Panik. Als John und Allison sich mit Nathan auf den Weg machen, flehen ihre Freunde um Hilfe, doch John ist klar, dass er nichts für sie tun kann. Bald tritt das ganze Ausmaß der Katastrophe zutage: laut den Experten wird ein riesiges Stück des Kometen in wenigen Tagen in der Nähe Europas einschlagen - es hat die Ausmaße eines so genannten Planetenkillers, der alles Leben auf der Erde auslöschen wird. Der Flug zu einem unterirdischen Bunkersystem in Grönland ist die letzte Rettung für ausgewählte Menschen, die für einen Wiederaufbau gebraucht werden. Doch bei Ankunft der Garritys am Flughafen wartet eine böse Überraschung ...

Die Corona-Krise macht vielen Menschen nicht nur Angst, sie sorgen auch für Hochkonjunktur kleiner Horrorfilme in den Kinos - wie The Beach House! 

<h2>Überzeugendes Debüt</h2>
Regisseur und Drehbuchautor Jeffrey A. Brown legt mit The Beach House hier seinen ersten langen Spielfilm vor - und das macht er erstaunlich gut. Dass er bisher hauptsächlich als Scout für passende Drehorte fungierte, sieht man seinem Film ebenso an wie die Tatsache, dass Brown schon einige andere Aufgaben hinter den Kulissen übernahm. Denn trotz sichtbar geringen finanziellen Möglichkeiten ist The Beach House überall dort überzeugend, wo es wirklich darauf ankommt. Das fängt mit der Location an, einem fast menschenleeren Küstenort irgendwo im Osten der USA, der durch grauen Himmel und eine große Stille schon von Beginn an für eine düstere Atmosphäre sorgt.
Und geht mit überzeugender Kamera-Arbeit, einem guten Tempo der Story und nicht zuletzt starken Schauspielern weiter. The Beach House zieht von Beginn an in eine Richtung, die dem Zuschauer aber erst später wirklich bewusst wird. Daher wirken viele Szenen überraschend, ergeben aber im Rückblick ein stimmiges Gesamtbild. Vor allem die Größe des Plots, die sich erst im letzten Drittel offenbart, hätte man diesem kleinen, aber feinen Horrofilm zu Beginn nicht unbedingt zugetraut. Zudem spielt Brown gekonnt mit Urängsten, die so gut wie jeder Zuschauer nachvollziehen kann. Und der Lovecraft-Touch, der The Beach House im Vorfeld bescheinigt wurde, ist ebenfalls nachvollziehbar.


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<h2>Lovecraft-Feeling für Fans</h2>
Denn wie bei vielen Storys des berühmten Schriftstellers kommt auch hier das Grauen von einem Ort, der von jeher Angst im Menschen auslöst - aus dem Meer. Und das fängt Brown in Details stark und zum Teil auch ganz schön eklig ein. Wie aus dem Nichts erscheinen die Bedrohungen und wirken so fremdartig und kalt, dass es einen schaudert. Brown fängt viel von dem Gefühl kosmischen Horrors ein, den Lovecraft erfand, um die Ohnmacht und Hilflosigkeit angesichts der Ereignisse zu verdeutlichen. Und weil Brown nicht mit Millionen um sich werfen konnte, nutzt der Filmemacher für seine Schockmomente Bilder, die in ihrer Einfachheit so gut wie jeden Zuschauer durchschütteln.
In den wenigen Momenten, wo die Spezialeffekte dann aber überzeugen müssen um die Wirkung nicht zu ruinieren, funktioniert auch das. Allerdings nur bei einem Publikum, das auch Antennen für den subtilen schleichenden Horror hat, den Brown hier erschafft. Für Fans von konventionellen Teenie-Slashern oder Splatter-Film hat The Beach House wenig zu bieten. Zudem entstehen viele der gruseligsten Bilder in Browns Film im eigenen Kopf, da er sie nicht zeigen wollte oder mangels Budget nicht zeigen konnte. Das gilt auch für die Grundregel "Show, don't tell". Nicht alles, was der Zuschauer zum Verständnis der Story braucht, kann Brown zeigen, manches muss er deshalb erzählen (lassen).
Vor allem im dritten Akt lässt The Beach House immer dann Federn, wenn apokalyptische Bilder der Story gut tun würden. Brown bleibt bis zum Ende auf einer kleinen und persönlichen Ebene, auf der er seine Helden agieren lässt. Damit steht er zwar in den Fußstapfen regional überschaubarer Lovecraft-Storys wie Die Farbe aus dem All, aber er kann im Finale nicht mehr zulegen. Dafür verzichtet der Film weitgehend auf Jump-Scares und verlässt sich völlig auf seine Atmosphäre und die Qualität der Geschichte. So dürfte The Beach House ein Film sein, der garantiert nicht jedem Horrorfan gefällt, der dafür aber echte Liebhaber finden dürfte.

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<h2>Fazit:</h2>
Mit The Beach House liefert Jeffrey A. Brown ein gelungenes Langfilm-Debüt ab, dass mit guten Schauspielern und einer stetig wachsenden, unheimlichen Atmosphäre aufwarten kann. Zwar erfindet der Low-Budget-Horror, der wegen der fehlenden Blockbuster den Weg ins Kino geschafft hat, das Genre keinesfalls neu und bedient sich bekannter Versatzstücke. Aber das macht er so gut, dass er zumindest Fans etwas abseitigerer Horrorfilme durchaus erreichen könnte. Kein Hochglanz-Horror von der Stange, aber ein Film, der durchaus nachhallt. Und für Fans von Frank Schätzings Erfolg Der Schwarm eine echte Empfehlung ist.
The Beach House startet am 22. Oktober 2020 in den deutschen Kinos.

Vom Kleinen ins Große: Viele Horrorfilme schildern anhand einer kleinen Gruppe von Menschen ein weitaus größere Bedrohung. So wie George A. Romero, der die globale Zombieplage 1968 in seinem Night of the Living Dead in einem einzigen Haus kumulierte und dennoch das ganze Ausmaß der Verwüstung deutlich machte. Das brachte der damals junge Filmemacher mit vergleichsweise winzigem Budget von etwa 114000 Dollar auf die Leinwand, der Film spielte mehr als 30 Millionen Dollar ein. Wesentlich teurer dürfte auch The Beach House von Regisseur und Drehbuchautor Jeffrey A. Brown nicht gewesen sein. Doch auch er erzählt eine kleine Geschichte mit großen Auswirkungen. Wie gut ist er?
<h2>Die Handlung</h2>
Emily (Liana Liberato) und Randall (Noah Le Gros) fahren heimlich zum Strandhaus von Randalls Vater, um dort zu entspannen und sich einige Tage vom Alltag zurückzuziehen. Denn Randall hat gerade die Uni geschmissen und versucht nun auch Emily zu überreden, auf eine Karriere zu verzichten. Doch die angehende Chemikerin hat zu hohe Ziel, um sie aufzugeben. So herrscht zwischen den beiden eine gespannte Atmosphäre. Die noch verstärkt wird, als Emily am nächsten Morgen bemerkt, dass sie nicht allein im Haus sind. Schnell klärt sich auf, dass Mitch (Jake Weber) und Jane (Maryann Nagel), Freunde von Randalls Vater, hier für eine Weile wohnen.
Denn Jane ist todkrank und Mitch möchte ihr die letzten Woche so schön wie möglich machen. Nach anfänglichen Irritationen verbringen die Paare einen netten Abend miteinander, der schließlich mit Alkohol und Drogen endet - und dem Verschwinden von Jane in einem merkwürdigen Nebel, der vom Ozean her über das Land zieht. Als Mitch sie nach Stunden findet, scheint sie merkwürdig orientierungslos und bekommt kaum Luft. Am nächsten Morgen ist von Mitch und Jane nichts zu sehen und so gehen Emily und Randall zum Strand hinunter. Doch dort wartet das Grauen ...

The Beach House

The Beach House: Horror am Strand

Alle Kostüme im Überblick; Infos und Indizien, kompakt gesammelt: Wir von 'spiele.de' sind im „The Masked Singer“-Fieber!

Es ist die verrückteste Mischung aus Musikshow und flauschigem Rätsel, die die Fernsehwelt zu bieten hat: „The Masked Singer“! Die Show ist beliebt, viel diskutiert und überaus erfolgreich: In der zweiten Staffel kam das von Matthias Opdenhövel moderierte Format auf bis zu sensationelle 36,9 Prozent Marktanteil in der Zielgruppe der 14- bis 49-Jährigen, die Gesamtreichweite lag beim überaus gefragten Finale bei 5,34 Millionen Showfans.

Die ProSieben-Show geht nunmehr in ihre bereits dritte Staffel, und schon wieder ist das Ratefieber exorbitant: Welcher Star steckt hinter der aufwändig gestalteten Maske? Auch wir von 'spiele.de' sind vom „The Masked Singer“-Hype gepackt und stellen euch daher hier alle Kostüme aus der dritten Staffel vor – und sammeln darüber hinaus Woche für Woche die heißesten Indizien über die Identität der verkleideten Stars.

<img src="/api/static/3c39e2ba53b3927a61abd712ff5fdfa2.png" alt="© ProSieben/Marc Rehbeck" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Das Alien</h2>
Das blaue Wesen mit den Kulleraugen, der grünen Knollnase und den Trötohren ist mit über zwei Metern das größte Kostüm der dritten „The Masked Singer“-Staffel. Allein der Kopf bringt drei Kilo Gewicht mit sich, insgesamt wiegt das Alien-Kostüm 18 Kilo und wurde in 500 Stunden Handarbeit erstellt.

Hintergrundgeschichte der Figur: Das Alien ist mit seinem Ufo auf einem Schrottplatz abgestürzt.

Indizien: Werbeplakat für Tanzkurse, ein Commodore 64

Promi-Tipp: Bill Kaulitz, Hape Kerkeling&nbsp;

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<h2>Das Alpaka</h2>
Das Huftier mit dem langen Hals und dem exzentrischen Modegeschmack ist ein leichtes Kostüm: Nur fünf Kilo bringt die Alpaka-Verkleidung auf die Waage. 300 Stunden Arbeit sind in das Kostüm geflossen. Achtung: Das Alpaka besitzt mehr als nur eine Klamotte und wird laut Senderankündigung im Laufe der Staffel mit unterschiedlichen Styles auftrumpfen. Einer der Alpaka-Anzüge wurde beispielsweise per Hand mit mehreren Hundert Swarovski-Steinen versehen. Bonus-Tipp: Der Alpaka-Kopf sitzt auf einem Gerüst im Inneren der Maske – man sollte also nicht von der Kostüm-Größe auf den Promi darin schließen!

Hintergrundgeschichte der Figur: Das Alpaka ist ein erfolgreicher Influencer und immer am Puls der Zeit.

Indizien: liebt Ananas und Burger, mag es bunt, rät uns: „Glaub nicht alles was du siehst“, Flaggen aus Spanien, Deutschland, Frankreich, den USA und Costa Rica

Promi-Tipp: Sylvie Meis, Cathy Hummels, Dagi Bee

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<h2>Der Anubis</h2>
Das zwölf Kilo schwere Anubis-Kostüm hat Ohren, die über einen halben Meter lang sind. Verziert wird das innerhalb von 600 Arbeitsstunden erschaffene Kostüm mit von Hand gegossenen und gestickten Ornamenten

Hintergrundgeschichte der Figur: Der Anubis ist ein ägyptischer Gott, ein Muskelprotz und er liebt die Pop-Art-Ausstellung in seinem Museums-Zuhause.

Indizien: Drum- und DJ-Set sowie eine E-Gitarre, sein ganzes Leben lang wurde den Leuten gesagt, wer er sei, die Zeitspanne „28. Januar bis 8. Juli“ kommt im ersten Indizienfilm vor, er hat den Thron doppelt bestiegen, Davidsstatue, "1002 Jahre 126 Tage 20 Stunden 09 Minuten 12 Sekunden"

Promi-Tipps: Florian David Fitz, Elyas M'Barek, Wincent Weiss, Fabian Hambüchen, Andreas Bourani

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<h2>Die Biene</h2>
Jede einzelne Locke der Biene wurde von Hand geschnitten, gelegt und bemalt. Insgesamt wurden 500 Stunden Arbeit in die Biene gesteckt, die dank spezieller Materialien extrem leichte Flügel hat, obwohl sie eine ordentliche Spannweite mitbringen. Alles in allem wiegt das Kostüm der freundlichen Summsebiene neun Kilogramm.

Hintergrundgeschichte der Figur: Die Biene kümmert sich liebevoll um ihr Baby und macht sich nachhaltig Gedanken um die Umwelt.

Indizien: Gewürzmühlen mit den Buchstaben F und S (Hinweis auf den Film „Salt and Fire“), positive Einstellung ist ihr bester Trick, Kinderwagen, das Thema Nachhaltigkeit, eine Zeichnung der Biene als Superheldin (Hinweis auf den Film „Das Superweib“)&nbsp;

Lösung: Veronica Ferres

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<h2>Das Erdmännchen</h2>
Achtung, das Erdmännchen ist ein Erdmännchen-Weibchen! Frau Erdmann wiegt (natürlich ohne Promi im Kostüm) elf Kilogramm und wurde in 400 Arbeitsstunden erschaffen. Das Fell im Gesicht von Frau Erdmann wurde büschelweise, einzeln von Hand geklebt und mit Airbrush bemalt. Gut zu wissen: Um die Wärmeentwicklung im Kostüm zu reduzieren, sind nur die sichtbaren Teile des Kostüms aus Fell gefertigt. Alle anderen Bestandteile wurden aus speziell angefertigten Füllmaterialien gearbeitet.

Hintergrundgeschichte der Figur: Das Erdmännchen ist im Einzelhandel tätig! In seinem klassischen Kiosk verkauft das Erdmännchen alles, was in einen klassischen Kiosk gehört. Es tritt zudem gern mit Herrn Erdmann auf.

Indizien: Trägt gerne Verantwortung, schaut „Dirty Dancing“ , „Ohne Krimi geht sie nie ins Bett“, „Wir sind gemeinsam niemals einsam“, ihr Radio läuft auf der Frequenz 201,6

Promi-Tipp: Daniela Katzenberger und Lucas Cordalis, Ina Müller und Johannes Oerding, Juju und Bausa, Angelina Kirsch und Alexander Herrmann&nbsp;

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<h2>Der Frosch</h2>
Der Frosch hat zwar mächtige, durchtrainierte Schenkel, aber dafür ist er auf eine andere Art und Weise weniger geschäftig: Das fünf Kilogramm schwere Frosch-Kostüm wurde „nur“ in 300 Arbeitsstunden angefertigt. Der Kopf bringt dank der Verwendung von speziellen, feinporigen Schäumen aus Großbritannien nur ein Kilogramm auf die Waage. Alles in allem sind auf dem Kostüm 5.000, einzeln von Hand aufgebrachte, Swarovski-Steine vorzufinden.

Hintergrundgeschichte der Figur: Der Frosch mag zwar wie ein Bademeister aussehen, und, ja: Der Pool ist sein Revier. Aber aufgepasst, Frosch-Ladys: Der Frosch ist ein liebestoller Club-Animateur.

Indizien: „Ich liebe es, wenn alles nach meiner Pfeife tanzt“, die Zahl 204&nbsp;

Promi-Tipp: Wigald Boning

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<h2>Der Hummer</h2>
Der 13 Kilo schwere Hummer ist ein Rekordtier: Aufgrund ihrer ausladenden, bruchsicheren Fühler ist die Hummer-Maske mit zwei Metern die breiteste dieser „The Masked Singer“-Staffel. Die Hummer-Scheren sind derweil eine Spezialanfertigung, die es dem Star unter der Maske erlauben, mit ihnen zu greifen. Somit ist dem Hummer mehr Gestik möglich als etwa dem Publikumsliebling aus Staffel eins – das Monsterchen, das unflexible Hände hatte. Durchaus wissenswert: Ein ausgeklügeltes, spezielles Stecksystem für den Hummerschwanz macht ihn trotz der enormen Größe besonders leicht und beweglich. Unter anderem daher flossen 600 Arbeitsstunden in dieses Kostüm.

Hintergrundgeschichte der Figur: Auf seiner Yacht lässt er die Seesternchen tanzen: Der Hummer ist ein wahrer Lebe-Lobster und echtes Party-Tier.

Indizien: „Lovster“, die Parodie eines GQ-Magazincovers

Promi-Tipps: Oliver Rohrbeck (der Hummer klingt so, als würde Ben Stiller in der deutschen Synchro einen Partysänger spielen), Manuel Cortez, Daniel Brühl, Steffen Henssler, Jochen Schropp

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<h2>Die Katze</h2>
Eine schlanke Samtpfote: Das Katzenkostüm entstand innerhalb von 300 Stunden und bringt sieben Kilogramm auf die Waage. Eingebaute LED-Lichter verleihen den Augen der Katze ein ganz besonderes Strahlen. Zudem hat der Star im Kostüm aufgrund besonderer Legetechniken und das Vernähen einzelner winziger Schimmer-Pailletten trotz des vielen Fells ein gutes, unauffälliges Sichtfeld. Und das ist womöglich schon ein Hinweis: Die Ärmel des Jacketts zieren ein schmales Band mit den verstecken Botschaften „Love is Life“ und „Life is Love“.

Hintergrundgeschichte der Figur: Die Katze ist eine verschmuste Modedesignerin.

Indizien: Klug und von Natur aus verschmust, sie ist ihr eigenes, unverkennbares Markenzeichen, „Stay Chic“

Promi-Tipps: Martina Hill, Vicky Leandros, Marianne Rosenberg, Paola Felix

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<h2>Das Nilpferd</h2>
Stattlich, stattlich: Das Nilpferd sieht nicht nur mächtig-prächtig aus, es ist mit 16 Kilogramm zudem wahrlich kein Leichtgewicht. Innerhalb von 600 Arbeitsstunden wurden alle Applikationen auf Kostüm und Maske von Hand aufgestickt. Die Ornamente und Steine, die das Nilpferd schmücken, wurden selbst gegossen und ebenfalls händisch aufgetragen. Übrigens: Das Nilpferd trägt echte Ballerina-Schuhe – und der Star im Kostüm muss mit einer eingeschränkten Sicht auftreten: Durch die Größe des Kopfes und das ausladende Maul, war es schwer, eine ausreichende Sicht zu ermöglichen.

Hintergrundgeschichte der Figur: Von der Scheune auf die große Bühne: Das Nilpferd gibt alles und trainiert fleißig für seinen großen Traum, eine echte Ballerina zu sein.

Indizien: Gummistiefel, „Dream Big“, „Carr on“, will es all seinen Zweiflern beweisen

Promi-Tipps: Tetje Mierendorf, Nelson Müller, Jan Sosniok, Ralf Schmitz

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<h2>Das Skelett</h2>
Das nennt man dann wohl „schwere Knochen“: Mit sage und schreibe 25 Kilogramm steckt das Skelett in Sachen Gewicht das Nilpferd locker in die Tasche. Alle 300 Knochen für das Skelett wurden händisch angefertigt, bemalt, beglitzert und jeweils mit jeweils 20 bis 40 Swarovski-Steinen besetzt. Die kleinen Tierschädel des Skeletts kommen aus dem 3D-Drucker. Das war äußerst zeitintensiv: Die Entwicklung des Skeletts war am schwierigsten und nahm mit Abstand die meiste Zeit in Anspruch – nämlich 800 Stunden. Neben diversen Ornamenten, Glassteinen, Stickereien und Swarovski Steinen, befinden sich übrigens auch wertvolle Strass-Applikationen aus den 50er-Jahren auf der Maske.

Hintergrundgeschichte der Figur: Immer in Feierlaune: Das Skelett darf auf keiner angesagten Party fehlen.

Indizien: Der Spaß steht im Vordergrund, die Zahlen 2, 2 und 3 sowie die Uhrzeit 20.13

Promi-Tipp: Sarah Lombardi, Vanessa Mai, Jennifer Haben

Noch sind unsere Promi-Tipps natürlich ins Blaue hinein geraten, doch wir sammeln in den kommenden Wochen emsig Indizien und aktualisieren die Tipps regelmäßig!

„The Masked Singer“ ist ab dem 20. Oktober 2020 immer dienstags ab 20.15 Uhr bei ProSieben zu sehen. Ausnahme: Das Halbfinale läuft schon am Montag, den 16. November 2020. 
Alle Bilder der Masken: © ProSieben/Marc Rehbeck

The Masked Singer: Wer steckt hinter der Maske?

Der 1980er-Werwolfkult von „Blues Brothers“-Regisseur John Landis erscheint im November in einer aufwändigen Liebhaber-Edition.

Nach den beiden Hitkomödien „Animal House“ und „Blues Brothers“ wagte Regisseur John Landis in den frühen 1980er-Jahren einen drastischen Tonfallwechsel: Mit „An American Werewolf in London“ drehte er einen ebenso atmosphärischen wie drastischen Horrorfilm. Es war ein Volltreffer: Der in Deutschland besser als „American Werewolf“ bekannte Film nahm mehr als das Zehnfache seines Budgets von 5,8 Millionen Dollar wieder ein und er wurde für seine imposanten Make-up-Effekte mit einem Academy Award gekrönt.

Der von der Kritik gepriesene Kassenschlager aus dem Jahr 1981 sollte sich in den Folgejahren als Glanzstück im Werwolf-Genre beweisen, dessen Größe viele andere Filme nachzuahmen versuchten – zumeist völlig vergeblich. Nun, kurz vor dem 40-jährigen Jubiläum von „An American Werewolf in London“ bringt Turbine den auch eine kleine, fiese Prise Humor aufweisenden Horrorklassiker in einer neuen Sammeledition heraus. Die lässt den Film in neuer Ton- und Bildpracht erstrahlen.
 
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<h2>Restauriert und voll mit Extras</h2>
Turbine Medien veröffentlicht die neue „An American Werewolf in London“-Edition am 6. November 2020. Die Box erscheint in Zusammenarbeit mit Universal Pictures Home Entertainment, dem Lizenzinhaber des Werwolf-Kultfilms, und umfasst vier Discs. Enthalten sind eine exklusive UHD, die „An American Werewolf in London“ mit einem neuen, aufwändig restaurierten 4K-Transfer zeigt, eine Blu-ray (ebenfalls mit einem neuen Bildmaster), eine Bonus-Blu-ray voller Hintergrundinfos sowie eine Soundtrack-CD. Es ist die weltweit erste offizielle CD mit der original Filmmusik von Elmer Bernstein.

Die rund sechs Stunden Bonusmaterial in der „An American Werewolf in London“-Edition umfassen unter anderem eine 77-minütige Doku über das popkulturelle Vermächtnis des Films, ein 26-minütiges Kollegengespräch zwischen John Landis und den Horror-Regielegenden John Carpenter („Halloween“) &amp; David Cronenberg („Videodrome“) sowie zahlreiche Interviews und natürlich einen detaillierten Blick auf die Effekte des Films.

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<h2>Vollständige Synchro, limitierte Auflage</h2>
Darüber hinaus wurde speziell für diese Edition eine auf bisherigen deutschen Heimkino-Veröffentlichungen entweder komplett geschnittene oder bloß im Original belassene Szene endlich nachsynchronisiert. Dafür wurde der Original-Synchronsprecher zurück ins Studio geordert.

Als weitere Boni befinden sich in der Box zudem ein 100-seitiges Begleitbuch, Bierdeckel, Sticker, ein Wende-Poster und Artcards. Fans von „An American Werewolf in London“ haben die Wahl zwischen zwei inhaltsgleichen Sets mit unterschiedlichen Designs: Es erscheint eine Edition mit Artwork des Illustratoren Grzegorz Domaradzki alias Gabz, eine weitere wurde vom britischen Poster-Künstler Scott Woolston gestaltet. Beide Editionen haben eine Auflage von jeweils 2.626 Stück.

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<h2>Aber worum ging's doch gleich?</h2>
„An American Werewolf in London“ dreht sich eingangs um die US-amerikanischen Studenten David (David Naughton) und Jack (Griffin Dunne), die eine Rucksacktour quer durch Europa machen. Als sie durch das nordenglische Hochmoor wandern und davon träumen, demnächst im sonnigen Italien Zeit zu verbringen, verlaufen sie sich und es bleibt ihnen nur, zähneknirschend im Freien zu übernachten. Auf einmal taucht aus dem Nichts eine wolfsähnliche Kreatur auf und reißt Jack in Stücke. David kommt mit seinem Leben, aber auch mit Blessuren davon und wird von den Bewohnern eines nahegelegenen Dorfes in ein Londoner Krankenhaus verfrachtet.

Alsbald erscheint Davids Freund Jack in seinen Träumen. Er warnt David, er solle sich selbst töten, um den Leiden zu entgehen, die ihn nun erwarten. Nun, da er zum Werwolf geworden ist … David berichtet der Krankenhausbelegschaft davon, doch niemand glaubt ihm, nicht einmal Krankenschwester Alex, auf die David ein Auge geworfen hat. Doch schon beim nächsten Vollmond zeigt sich, dass Traum-Jack den richtigen Riecher hatte …&nbsp;

Der 80er-Werwolfkult von „Blues Brothers“-Regisseur John Landis erscheint im November in einer aufwändigen Liebhaber-Edition.

An American Werewolf in London: Neu als Sammleredition

Bislang hat Disney seine aktuellen Marvel-Filme wie Black Widow immer wieder verschoben. Ein großer Investor erwartet da eine Änderung. 

Mulan wanderte unlängst zu Disneys eigenem Streaming-Dienst Disney+, wenn auch mit happigen Zusatzkosten. Der neue <a href="https://kieks.de/unterhaltung/filme/pixarfilm-soul-kommt-an-weihnachten-zu-disney" target="_self">Pixar-Film Soul </a> kommt zu Weihnachten sogar ohne Mehrkosten direkt zu Disney+ statt ins Kino. Doch bislang lehnte der Konzern ein ähnliches Vorgehen bei seinen größten Schätzen kategorisch ab - die Marvel-Filme sollten unbedingt weltweit in die Kinos, denn jeder Film hat das Potenzial, ein Milliarden-Erfolg zu werden. Doch Dan Loeb, ein Großinvestor in den Disney-Konzern, hat nun einen offenen Brief an den Disney-CEo Bob Chapek geschrieben und ein Umdenken eingefordert.
<h2>Investor wünscht sich Stärkung des Streaming-Dienstes</h2>
Loeb sieht bei den hauseigenen Marken Star Wars, Marvel und Pixar ein enormes Potenzial, Disney+ nach vorn zu bringen. Den sieht er im Unterschied zu Konkurrent Netflix zwar auf einem guten Weg, allerdings fehle Disney+ die enorme Menge an monatlich zahlenden Kunden, über die Netflix bereits verfüge, und die den Konzern dazu befähigten, enorme Summen in neuen Content zu stecken. Loeb ist der Meinung, wenn Disney+ in diesem Bereich nicht schnellstens aufholen könne, sei das ein permanenter Wettbewerbsnachteil für den Streamingdienst gegenüber Netflix.


<img src="/api/static/33fe509f186765eb345c2728b9353cab.png" alt="Black Widow" style="height: auto;width: auto"/>

Der Investor findet, dass die konservativen Führungskräfte bei Disney nicht sehen würden, welchen "Tiger sie da beim Schwanz gepackt" hätten und welche enorme Summe sie durch das monatliche Gebühren-Modell bei mehr Kunden verdienen könnten. Und das würde von Microsoft bis Amazon auch schon jeder nutzen.
Bisher ist keine Antwort des Disney-CEO bekannt geworden und möglicherweise wird es auch gar keine öffentliche Entgegnung geben. Allerdings haben Groß-Aktionäre normalerweise schon eine gewichtige Stimme in einem Konzern. Sollten sich die Corona-Verhältnisse in den USA - und damit die Schließungen der Kinos - nicht bald verändern, könnte Dan Loebs Wunsch wohl in Erfüllung gehen. Den auch Disney selbst ließ vor wenigen Tagen verlauten, die Ausrichtung des Konzerns mehr auf Streaming zu verlegen.
Quelle: <a href="https://variety.com/2020/film/news/dan-loeb-disney-streaming-spending-1234796386/" target="_blank">Variety</a>&nbsp;

Black Widow

Black Widow: Investor erwartet Disney+-Release

Mit La Revolution bringt Netflix eine Historien-Serie heraus, die statt auf Geschichte auf Horror und Fantasy setzt - funktioniert das?

Die Französische Revolution von 1789 gilt als eines der wichtigsten Ereignisse der europäischen Geschichte. Der blutige Sturz von König, Adel und Kirche durch das hungernde Volk läutete auf dem ganzen Kontinent politische Veränderungen ein, selbst wenn Frankreich selbst nur 25 Jahre später durch Napoleon wieder von der Republik zum Kaiserreich wurde. Die neue Netflix-Serie deutet nun in ihrer sehr freien Interpretation an, dass die Revolution gegen die Blaublüter ganz andere Gründe hatte als nur die Freiheit. Passen Fantasy und Historie hier zusammen?


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<h2>Die Handlung</h2>
Frankreich im Jahr 1787. Die Grafschaft des Geschlechts der Montargis erzittert unter einer Verbrechens-Serie: Junge Mädchen verschwinden und werden später tot aufgefunden - angefressen, wie von einem Tier. Doch der junge Arzt Joseph Guillotin (Amir El Kacem) sieht bei der heimlichen Obduktion eines Opfers, dass die Gebisspuren von Menschen stammen. Bald wird ein schwarzer Landstreicher verhaftet und unter der Folter zum Geständnis gezwungen. Nach dem Wunsch von Charles de Montargis (Laurent Lucas) soll der Mann möglichst schnell sterben, um die Lage zu beruhigen. Die Comtesse Elise (Marilou Aussilloux), Tochter des rechtmäßigen Grafen, ist mit der Regentschaft ihres Onkels aber nicht glücklich.
Denn die junge Frau war nicht nur vor Jahren unglücklich in einen Mann niederen Standes verliebt, was ihr Vater brutal unterband, sondern sieht auch das Brodeln im einfachen Volk, das Tag für Tag unzufriedener wird. Und so sympathisiert Elise heimlich mit der Bruderschaft, einer Rebellengruppe aus Bauern und Arbeitern, die immer wieder gegen den Adel aufbegehren. Sorge macht ihr auch ihre kleine Schwester Madeleine (Amelia Lacquemant), die zwar stumm ist, dafür aber offenbar über hellseherische Fähigkeiten verfügt. Denn sie sieht für unzählige Menschen einen schrecklichen Tod voraus, Elise eingeschlossen ...


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<h2>Wunderschöne Mogelpackung</h2>
An La Revolution werden sich wohl die Geister scheiden. Denn auch wenn der Trailer durchaus andeutet, worum es in der Serie geht, so werden wahrscheinlich dennoch viele Zuschauer einschalten, weil sie auf ein historisch halbwegs korrektes Nacherzählen der Französischen Revolution von 1789 hoffen. Darum geht es hier aber nicht. Stattdessen präsentiert die Serie eine Mischung aus der koreanischen Zombie-Serie Kingdom und dem Klassiker Pakt der Wölfe sowie einem halben Dutzend anderer Vorbilder. Dementsprechend wenig hat die von Horror- und Fantasyelementen durchsetzte Serie mit historischen Fakten zu tun. Wer sich darauf versteift, ist bei La Revolution falsch.
Weniger Geschmackssache ist hingegen die handwerkliche Qualität der Serie. Was das Team hinter der Kamera hier auf den Bildschirm zaubert, kann sich nicht nur sehen lassen, es ist ganz hohes TV-Niveau. Schon die erste Szene, wenn eine vermummte Gestalt auf einem blutverschmierten Pferd einen Adeligen verfolgt, setzt einen sehr hohen Standard, den La Revolution mühelos hält. Selbst wenn einem der Inhalt der Serie nicht wirklich zusagt, so kann man sich der Ästhetik und Schönheit der Bilder kaum entziehen. Dazu liefert die Serie auch noch einen satten Klangteppich und einen sehr gelungenen Soundtrack ab, der die Bilder großartig unterstreicht.


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<h2>Klischee-Charaktere</h2>
Was die Autoren abliefern, ist dagegen schon diskussionswürdiger. Denn auf den wilden Mix muss man sich als Zuschauer schon einlassen, um Spaß zu haben. Obwohl die Story grundsätzlich eher düster ausfällt, ist sie nie wirklich unheimlich und der Hintergrund des ganzen Plots ist auch nicht eben originell. Dazu sind viele Figuren eher Archetypen als wirkliche Charaktere. Der fiese Polizeichef der Grafschaft, der gütige Priester, die wilde, rebellische Tochter aus gutem Hause, der tragische Held - das hat man alles schon so häufig gesehen, dass La Revolution damit nicht punkten kann. Ob es ein würdiger Ersatz ist, dass einige der hübschen Darstellerinnen dafür viel Haut zeigen, muss jeder selbst entscheiden.
Zumindest wird La Revolution aber nie langweilig. Immer wieder finden die Autoren Wendungen und Kniffe, die die Geschichte spannend halten und dafür sorgen, dass man mit seinen Helden mitfiebert, wenn man sich auf die Story einlassen kann. Und wenn es einmal Actionszenen gibt, was nicht sonderlich häufig vorkommt, dann sind die optisch auf ebenso hohem Niveau wie der Rest der Serie. Dafür sind den Regisseuren sowohl Ultra-Zeitlupe wie auch originelle Perspektiven und stimmungsvolles Licht recht. Die Botschaft hingegen, dass der Adel sich buchstäblich vom Volk ernährt, dürfte für gehobene Ansprüche doch ein wenig zu platt erscheinen.
Letztlich merkt man der Serie aber jederzeit an, wie viel Herzblut und Geld hier hineingeflossen ist. Das fängt bei den Schauspielern an, die auch in wenig spannenden Rollen eifrig bei der Sache sind und setzt sich hinter der Kamera mit furiosen Bildern nahtlos fort. Dieses hohe Produktions-Niveau hilft auch über den einen oder anderen Holperer in der Handlung hinweg.&nbsp;


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<h2>Fazit:</h2>
Das Schwächste an La Revolution ist die Story, denn die steht und fällt extrem mit dem persönlichen Geschmack und der Erwartungshaltung. Optisch ist die Serie hingegen wegen exzellenter Kameraarbeit, toller Kostüme, guter Schauspieler und einer extrem wertigen Produktion definitiv ein Hingucker. Wer sich auf den Horror-Fantasy-Historien-Mix einlassen kann, der auch ohne Zombies Parallelen zu Kingdom aufweist, bekommt eine gute Serie zu sehen. Wer es historisch realistisch möchte, wird hier hingegen enttäuscht.
La Revolution startet am 16. Oktober 2020 bei Netflix (8 Folgen)

La Revolution

La Revolution: Blutige Netflix-Serie aus Frankreich

Alles neu bei Star Trek Discovery! Wie gut beginnt der Ausflug ins 32. Jahrhundert, in dem die Föderation nur noch Geschichte ist?

Gleich zwei gute Nachrichten für Fans der Star Trek-Serie: Staffel 3 hat auf Netflix begonnen - und am gleichen Tag bestellte CBS eine vierte Staffel! Der momentan Chef-Trekkie Alex Kurtzman bestätigte im Interview auch, dass der Star Trek-Fahrplan bis 2027 bereits steht, wenn er auch noch nicht in Stein gemeißelt sei. Während die Zeit von Star Trek im Kino also erst einmal vorbei scheint, steht der Marke im TV offenbar eine glänzende Zukunft bevor. Und begonnen nat diese neue Ära mit Star Trek Discovery, die jetzt in die dritte Staffel einfliegt - zumindest in der Theorie. Was das bedeuten soll und was die erste Folge der neuen Staffel sonst noch bietet, erfährst du hier.

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<h2>Die Handlung</h2>
Als der Kurier Book (David Ajala) im Jahr 3188 in der Nähe eines neuen Wurmloches mit einem roten Engel zusammenstößt, während er auf der Flucht vor einem unzufriedenen Kunden ist, ahnt er noch nicht, in welches Abenteuer er gerät. Nach der Notlandung trifft er auf eine seltsame junge Frau, die merkwürdige Fragen stellt, eine uralte Uniform trägt und offenkundig keine Ahnung hat, was in der Galaxis gerade los ist ...
Nach ihrem Flug durch das Wurmloch hat Michael Burnham (Sonequa Martin-Green) einen heftigen Zusammenprall mit einem Raumschiff, muss auf dem nahen Planeten notlanden und vernichtet dann den Anzug, der sie dazu zwang, aus ihrer Zeit zu fliehen. Zwar lernt sie bald den eher feindseligen Book kennen, der ihr Hilfe zusagt, wenn sie ihn bezahlt, aber von ihrem Schiff, der Discovery, fehlt jede Spur. Und während sie sich mit Book einer großen Stadt nähert, in der sie auf eine Verbindungsmöglichkeit zur Discovery hofft, erfährt sie, dass es die Föderation nicht mehr gibt. Ist sie völlig alleine in der für sie neuen Zeit gestrandet?&nbsp;
<h2>Das unentdeckte Land</h2>
Star Trek Discovery hat besonders bei langjährigen Fans keinen leichtend Stand. in Staffel 1 verhunzten die Macher ohne bis heute ersichtlichen Grund die Klingonen und brachten die neben Deep Space Nine kriegerischste Star Trek-Staffel überhaupt heraus. In Staffel 2 hatten sie und sorgten mit großen Rollen für bekannte und beliebte Charaktere wie Captain Christopher Pike und Spock für mehr Trek-Feeling, hatten aber keine wirklich überzeugende Story dazu. Daher haben die Autoren für Staffel 3 und dem Zeitsprung in die Zukunft (wie es in Star Trek VI heißt: das unentdeckte Land) nahezu völlig freie Hand. Und diese Freiheit nutzen sie bereits in der ersten Folge sehr konsequent.

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Denn die Crew der Discovery taucht im Auftakt der Staffel überhaupt nicht auf, der Zuschauer erlebt die komplett neue Situation auch noch ganz allein mit Michael Burnham und dem zunächst eher undurchsichtigen Book. Da die Trailer aber bereits verraten hatten, dass der Charakter wohl eine Hauptrolle spielt, läuft dieser dramaturgische Kniff weitgehend ins Leere. Dennoch präsentiert das Team um Kurtzman und seine Showrunner-Partnerin Michelle Paradise eine starke erste Folge. Die Föderation seit mehr als 100 Jahren zerstört, neue und bekannte Aliens in der Stadt, zum Beispiel die Andorianer, und satte Action durch die gesamte Folge.
<h2>Unendliche Weiten dank Neustart</h2>
Dazu darf Sonequa Martin-Green in einer kurzen Szene so richtig hemmungslos drauflos spielen, was zu den komödiantischen Highlights der Folge gehört. Und schließlich können sich Trekkies freuen, wie sehr die neue Computertechnik auch nicht menschenähnliche Aliens heutzutage sehr glaubhaft lebendig werden lässt. Die erste Folge beweist das eindrucksvoll. Und das Finale macht definitiv Lust auf mehr. Von allen Auftakt-Episoden der Discovery ist diese daher die beste. Zwar fehlt die Wucht der Doppelfolge aus der ersten Staffel, aber dafür vergeht hier die Zeit wie im Fluge, so rasant und vollgepackt mit Handlung darf es gerne weitergehen.
Obwohl ein paar der dramatischen Ereignisse nicht wirklich schocken, so werden wir die Discovery sicher bald wiedersehen, ist doch die Ausgangslage erfrischend. Was ist mit den Klingonen und Romulanern? Wird die Besatzung der Discovery auf Fakten stoßen, die Fans schon aus anderen Serien kennen? Wer hat jetzt die Macht in der Galaxis inne? Und was ist mit Erde und Menschheit passiert? Angesichts solcher Möglichkeiten muss für das Autorenteam eigentlich ein Traum in Erfüllung gegangen sein.

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Nun hat Alex Kurtzman unter Trekkies nicht nur Freunde, viele mögen seine früheren Arbeiten zur Franchise nicht, auch seine lockere Auslegung des vorhandenen Kanons finden etliche Fans alles andere als gut. Aber hier haben er und sein Team nun die Chance, mit nur wenig Ballast an Bord in frische unbekannte Gewässer zu segeln. Man darf gespannt sein, was die Serie aus dieser Chance in den kommenden zwölf Wochen macht. Der Auftakt ist absolut vielversprechend.
<h2>Fazit:</h2>
Star Trek, wie es einmal war und wie es sein sollte: Dieses Versprechen gibt die erste Folge von Star Trek Discovery Staffel 3 ab - und unterstreicht diesen Neustart auch mit einem neuen Vorspann. Actionreich, spannend, witzig und mit vielen tollen Effekten und Kreaturen ausgestattet, ist der Auftakt der Staffel sehr gelungen und macht fast augenblicklich Lust auf mehr. Das ist zwar noch keine Garantie für eine bessere Staffel als die letzten beiden, aber in jedem Fall eine gute Chance. Stärker war der Aufbruch der Menschheit ins Unbekannte jedenfalls lange nicht zu sehen.&nbsp;
Star Trek Discovery Staffel 3 startet am 16. Oktober 2020 auf Netflix, jeden Freitag mit einer neuen Folge.

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Star Trek Discovery Staffel 3

Star Trek Discovery: Starker Start von Staffel 3

Nach wilden Partynächten sind Kopfschmerzen vorprogrammiert. Wir haben Tipps und Tricks gegen Kater und sagen, wie man ihm vorbeugen kann.

Mal ehrlich: Wer kennt es nicht? Was anfangs als gemütlicher Abend mit ein paar Kumpels beginnt, endet in einer wilden und (zu) feucht-fröhlichen Party. Bis die Sonne wieder aufgeht, sind unzählige Flaschen entkorkt und Trinksprüche ausgestoßen. Und am nächsten Morgen (oder manchmal auch erst Nachmittag) kommt das böse Erwachen. Der Kopf fühlt sich an, als werde er in den nächsten Minuten zerbersten. Was Fachleute als Alkoholintoxikation bezeichnen, ist im Volksmund schlicht als Kater bekannt.
Der Begriff Kater kommt aus dem 19. Jahrhundert; damals, so ist überliefert, sei er vor allem von Studenten gebraucht worden und lässt sich von Katarrh ableiten – das ist eine eher schmerzhafte Schleimhaut-Entzündung. Wer an einem Kater leidet, der leidet im Grunde an einer Dehydration des Körpers, dem Blut werden Stoffe entzogen und Acetaldehyd, das beim Abbau von Ethanol im Körper entsteht, tut sein Übriges.
<h2>Hoch die Pulle!</h2>
Dehydration ist eines der wesentlichen Probleme, mit denen sich der Körper am Tag nach einer wilden Feier herumschlagen muss. Daher ist es ratsam, viel zu trinken. Das in manchen Kreisen als Heilmittel beschworene „Konterbier“ hilft dabei nur wenig – durch die erneute Alkoholzufuhr können zwar Kopfschmerzen in der Tat gelindert werden; letztlich verschiebt es die Symptome aber nur um einige Stunden. Von daher ist vor allem Wasser an Katertagen ratsam. Wem das zu fad schmeckt, der kann eine Scheibe Zitrone, etwas Ingwer oder auch ein Stuck Salatgurke in das Wasser legen. Wem wirklich sehr schlecht ist, der kann auch auf magenschonende Tees zurückgreifen. Tee gibt es inzwischen in vielen Sorten, <a href="https://spiele.de/essen-trinken/ernahrung/und-was-ist-mit-tee" target="_self">spiele.de hat darüber schon ausführlich berichtet</a> .
Verzichten sollte man auf Getränke, die Bitterstoffe enthalten. Finger weg also von Cola, Spezi, Limo oder auch Kaffee.
<h2>Wenn der Schädel brummt</h2>
Auch stetige und umfangreiche Wasserzufuhr wird aber im Extrem-Fall die massiven Kopfschmerzen nicht bekämpfen. Die Einnahme einer Schmerztablette hingegen schon. Weil die aber den Magen zusätzlich reizt, wird Professor Helmut Seitz vom Salem Medical Center in Heidelberg und Leiter des Alkoholforschungszentrums der Universität Heidelberg, in Fachartikeln davon eher abgeraten. Es gibt ohnehin einige Tipps und Tricks gegen das Kopfweh. Knabbern von Salzstangen oder allgemein die Zunahme von salziger Nahrung hat einen positiven Effekt. Ärzte berichten zudem davon, dass es Erfolge gibt, wenn man sich ätherische Öle, etwa Lavendel, auf die Schläfen tropft und das dann vorsichtig einmassiert.

<img src="/api/static/b03251baa7885d847f75d198c2c88239.png" alt="Yantra - stock.adobe.com" style="height: auto;width: auto"/>

Nahrungszunahme ist auch nach durchfeierten Nächten wichtig. Ganz klassisches Bild eines Katerfrühstücks: Ordentlich Rollmops auf den Tisch. Das muss aber gar nicht sein. Auch ein Müsli mit Obst oder ein lecker belegtes Vollkornbrot hilft, verriet Isabelle Keller von der Deutschen Gesellschaft für Ernährung (DGE) in der „Apotheken Umschau“.
Auch der Kreislauf ist wegen des anhaltenden Entgiftungsprozesses angeschlagen; daher kann dann auch Schwindel kommen. Eine vorsichtige Jogging-Runde um den Block hilft hier, wenn man dabei tief ein- und ausatmet. Vorsichtig sollte man deshalb sein, weil man den Kreislauf nicht direkt überfordern darf und in manchen Fällen auch der Gleichgewichtssinn noch gestört sein kann…
<h2>Die Mythen um das Vorbeugen</h2>
Ein Kater ist nun wahrlich nicht angenehm. Daher gibt es auch zahlreiche Mythen darüber, wie man ihn von vornherein verhindern kann. Dazu zählt zu allererst natürlich: Weniger Alkohol zu sich nehmen. Das ist selbsterklärend. Aber es kommt auch ein bisschen auf die Art des Getränkes an. In der Tat ist es erwiesen, dass hochwertige alkoholische Getränke weniger Kopfweh am nächsten Tag machen als Gesöff. Weil man auch aufpassen sollte, nicht zu viele Begleitalkohole zu sich zu nehmen, ist es obendrein ratsam, bei einem Getränk zu bleiben.
„Wein auf Bier, das rat‘ ich dir“, „Bier auf Wein, das lass‘ sein“ ist daher wirklich nur ein Mythos. Grundsätzlich aber gilt: Jedes alkoholische Getränk, das entweder warm getrunken wird oder viel Zucker enthält – Glühwein ist hier der Klassiker – geht schneller ins Blut und ist somit folgenreicher.
Vor der Party ist eine deftige Mahlzeit empfohlen. Weil fettreiche Speisen länger im Magen bleiben, wird die Alkoholaufnahme dadurch verzögert. Dieser Trick hilft aber auch nur, wenn man es später mit den Alkoholika nicht allzu sehr übertreibt. Genauso wichtig wie die Mahlzeit vor der Feier, ist aber auch, dass man während des Abends immer wieder kleine Häppchen zu sich nimmt. Da reichen schon ein paar Chips oder eine saure Gurke.

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Ein echter Hit ist zudem der Trick, vor einer wilden Feier einen Esslöffel (hochwertiges) Öl zu sich zu nehmen. Tatsächlich legt das Öl zunächst einen dünnen Film über die Zellmembrane und verhindert so, dass der Alkohol schnell in die Organe vordringt. Entscheidender ist aber, dass die Leber als Reaktion auf das Öl große Mengen der Enzyme ausschüttet, die den Alkohol zersetzen.
<h2>Kein Qualm!</h2>
Es ist auch erwiesen, dass sich Zigarettenkonsum und Alkohol schlecht vertragen. Das liegt daran, dass Nikotin den Alkoholspiegel im Blut senkt – so hat der Körper also das trügerische Gefühl noch gar nicht so betrunken zu sein. Ein Irrtum.
Statt der Zigarette während der Party ist es zudem ratsam, vor dem Ins-Bett-Gehen ein bis zwei Gläser stilles Wasser zu trinken. Das ist quasi die erste Feuerwehr für die beginnende Dehydrierung. Obendrein ein weiteres Glas Wasser direkt neben dem Bett zu haben, das schnell getrunken werden kann, schadet nicht.
Wer all das vermeiden will, kann auch allen Freunden einer wilden Partynacht einen echten Gefallen tun: Denn wer gar nichts trinkt, ist am nächsten Tag vielleicht müde, aber nicht verkatert, kann den ein oder anderen Kumpel aber am Ende einer Nacht sogar noch sicher nach Hause fahren.&nbsp;

Das hilft gegen Kater

Sport ist so viel mehr als Leistungsabruf: Er stimmt uns fröhlich, stärkt das Immunsystem und unsere Gesellschaft – was er jetzt für uns tun kann!

Erst sollte dieser Artikel einer werden, der belegt, welche Sportarten* möglicherweise gerade Wachstum erfahren, und zwar durch das Virus, dessen Namen – wie Lord Voldemort in Harry Potter – jetzt einfach `mal nicht genannt werden soll. Das wird er nicht. Warum auch? Es gibt genug zu tun, die sportlichen Strukturen 2.0 gerade mit Kreativität und Sportsgeist aufrecht zu halten. Und schließlich stehen gerade Herbst und Winter vor der Tür. Sportmuffel lassen sich mit Finsternis, Regen und Kälte per se nicht so gern aus dem warmen Wohnzimmer locken. Und bei allem Verständnis für virtuelle Wettkämpfe, von ambitionierten Sportlern, die durch das Virus entstanden: Allein und mit Social Distancing ist eben weniger zusammen. Es bestimmt gerade die Regeln, wie gesamtgesellschaftlich gespielt wird, hält uns in Atem und als neuer – voher noch nicht dagewesener Lord – verbreitet er Angst.&nbsp;
Ein halbes Jahr, nachdem der<a href="https://teamgesundheit.de/blog/corona-and-me-teil-2-mit-blog-autorin-wibke-roth/" target="_blank"> Lockdown uns nahezu weltweit wirtschaftlich und sportlich zum Stillstand</a> gebracht hatte, möchte ich mit diesem Artikel beim erneuten Aufflackern einfach erreichen, dass wir uns durch den guten Sportsgeist weiterhin verbunden und gestärkt fühlen können. Als ich heute Früh meinen freitäglichen Wirbelsäulenkurs im Fitnessstudio gegeben habe und meine Teilnehmer bei der Abschlussumarmung mit sich selbst – ja das gibt es und ist nicht nur zur Schulterdehnung gut – habe ich beschlossen, dass dieser einer wird, der zeigt, welche positive Macht Sport hat:&nbsp;
In diesem Fall bewirkte er nach 55 MInuten Gesundheitstraining ein breites Grinsen in den Gesichtern von zehn Kursteilnehmern – und Wärme im Herzen der Kursleiterin. Man stelle sich vor: elf Mal Bewegung, Leidenschaft und Endorphine – einfach, weil sich elf Personen in einem auf den Lord zugeschnittenen Raum mit genügend Abstand, offenen Fenstern und selbst mitgebrachten Matten, einfach zu Musik, Innenkehr und Krafteinsatz bewegt haben. Bleiben wir also in der Vorstellung, Sport wäre <a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Liste_von_Sportarten" target="_blank">vielfältig</a> hätte zauberhafte Kräfte und die Wirkung ließe sich mit einer Bevölkerung von 83 Millionen Menschen eines Landes potenzieren. Das Virus hieße jetzt einfach `mal Lord. Sport hieße <a href="https://harrypotter.fandom.com/de/wiki/Patronuszauber" target="_blank">Patronus</a> : ein mächtiges Schutztier in der Gestalt von hellem Licht, mit dem Harry Potter mehrere Hundert Dementoren vertreibt – und damit auch nachweislich den Lord schwächt. Wo kann man diesen Schutzzauber üben?
<h2>Was ist in der Bundesrepublik sportlich gerade möglich?</h2>
Jeder von uns hat in der Hand, wie viel Phantasie er für die Bedeutung von Sport aufbringt. Die Bundesrepublik beschreibt das natürlich nüchterner. Auf der stets aktualisierten Seite der <a href="Das Virus erhält jetzt einfach 'mal den Namen Lord; und" target="_blank">Webseite der Bundesregierung</a> zu Schutzmaßnahmen heißt es: „Der Sportbetrieb, insbesondere von Sportvereinen, wurde in den vergangenen Monaten schrittweise wieder aufgenommen. Die konkreten Schritte und aktuellen Verordnungen zum Sport regeln die <a href="https://www.bundesregierung.de/breg-de/themen/coronavirus/corona-bundeslaender-1745198" target="_blank">Länder</a>. Grundlage dabei sind unter anderem die Leitplanken des Deutschen Olympischen Sportbunds (DOSB) sowie die sportartspezifischen Übergangsregeln der Spitzenverbände."

<img src="/api/static/39eea91fca15929b888729faa51910e2.png" alt="Senioren dehnen sich" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Sportliche Regelungen sind Ländersache – Beispiel Nordrhein-Westfalen (NRW)</h2>
Jedes Bundesland hat eigene Auflagen. Das Land NRW hat neben der <a href="https://www.land.nrw/sites/default/files/asset/document/2020-10-13_coronaschvo_ab_14.10.2020_lesefassung.pdf" target="_blank">Verordnung zum Schutz vor Neuinfizierungen</a> (CoronaSchVO NRW/Aktualisierung am 14. Oktober 2020) wichtige <a href="https://www.land.nrw/de/wichtige-fragen-und-antworten-zum-corona-virus#52eff6ab" target="_blank">Fragen und Antworten</a> so gebündelt:
<ol>
<li>Regelungen im Breiten- und Freizeitsport</li>
</ol>
Der Sport- und Trainingsbetrieb auf und in öffentlichen oder privaten Sportanlagen sowie im öffentlichen Raum ist unter Auflagen möglich. Dazu gehören geeignete Vorkehrungen zur Hygiene, zur Steuerung des Zutritts und zur Gewährleistung eines Mindestabstands von 1,5 Metern – auch in Dusch-, Wasch- und Umkleideräumen. Beim Sport in geschlossenen Räumen ist zudem eine gute Durchlüftung sicherzustellen.
&nbsp;2. Regeln für Kontaktsport
Kontaktsportarten, und zwar sowohl im Training oder im Wettbewerb, dürfen ohne Mindestabstand und ohne zahlenmäßige Beschränkung ausgeübt werden, wenn die Rückverfolgbarkeit sichergestellt ist.

<img src="/api/static/5f0b640adc498fd2e3b56d4ba6eb0315.png" alt="Sportunterricht" style="height: auto;width: auto"/>

3. Welche Regeln gelten für den Sportunterricht?
Auch im Sportunterricht dürfen Kontaktsportarten ausgeübt werden. Schwimmunterricht ist ebenfalls möglich.
4. Unter welchen Voraussetzungen sind sportliche Wettbewerbe möglich?
Vorausgesetzt wird die Einhaltung von Vorkehrungen zur Hygiene, zum Infektionsschutz, zur Steuerung des Zutritts und zur Gewährleistung eines Mindestabstands von 1,5 Metern. Für den Berufssport gelten Sonderregelungen, die Profiligen sowie Wettbewerbe von Berufsreitenden (...) zulassen.&nbsp;&nbsp;
<h2>Zurück ins Fitnessstudio</h2>
Neben der CoronaSchVO NRW gibt es hierzulande auch noch die <a href="https://www.land.nrw/sites/default/files/asset/document/2020-10-13_anlage_zur_coronaschvo_ab_14.10.2020_lesefassung.pdf" target="_self">Anlage Hygiene- und Infektionsschutzstandards</a> . Das ist für Betreiber von Fitnessstudios, wie für andere sportunabhänige Sektoren, längst ein Standardwerk. Stefanie Muckermann ist geschäftsführende Gesellschafterin des Fitnessstudiso MYGYM Lady in Gladbeck, aktuell als Kreisstadt Risikogebiet im Land. Sie spricht von einer angespannten Situation, denn sie weiß, dass sich die Sorge um potenzielle Ansteckung eben auch auf den Besuch des Fitnessstudios ausbreitet. Konkret kämen deswegen einige Mitglieder momentan auch nicht mehr. Muckermann: „Zehn bis 20 Prozent der Mitglider kommen aufgrund der aktuellen Situation nicht mehr ins Studio. Erstaunlich ist auch, dass einige Ehemänner ihren Frauen verbieten, nicht mehr ins Studio zu gehen, weil sie Sorge haben, dass sie ihnen das Virus nach Hause bringt." Erfreulich sei hingegen diese Entwicklung: „Andere Mitglieder, die sich zu Beginn der Öffnung** der Studios nicht getraut haben zu kommen, lassen sich jetzt wieder blicken. Das sind Frauen zwischen 50 und 60 Jahren, deren Motto ist: ,Ich kann mich ja nicht ewig verstecken`," verrät sie. Das Desinfektionsmittelpensum habe sich mit den Verordnungen natürlich vervielfacht. Über eine Hygieneschutzabgabe habe sie im Gegensatz zu anderen Betreibern und Branchen noch nicht nachgedacht. Nachdem Lockdown sei sie vor allem über diese Entwicklung froh: „Dass Fitnessstudios sich nicht als Hotspots*** herausgestellt haben freut mich sehr. Besonders, da mehrfach wissenschaftlich bewiesen ist, dass Training mit einem überschwelligen Trainingsreiz das Immunsystem stärkt und darüber hinaus noch viele weitere Vorteile für die Gesundheit micht sich bringt!"
<h2>Fazit</h2>
Abstand halten, Hygiene beachten, beim Reinkommen die Hygienemaske tragen: Das sind die Regeln – auch im Sport . Im MYGYM Lady-Fitnessstudio müssen die Teilnehmerinnen zusätzlich zur gültigen Coronaschutzverordnung ihre eigenen Matten mitbringen. Sicherheit ist letztendlich ein subjektives Gefühl. So wie das eben mit Gefühlen ist. Und Sport verschafft uns eben auch das Gegenteil von Angst: Wohlbefinden, Lebensfreude und Freiheit. Und das Gute ist, dass man dafür keine Zauberkräfte benötigt. Es gilt hier nur die Formel für die eigene Fürsorge: Tun.&nbsp;

<img src="/api/static/dd1c5e21f3feb815ec83be262acef61c.png" alt="Just do it: Sport" style="height: auto;width: auto"/>
*Anm. der Redaktion: Der Deutsche Tennisbund erhält einmal jährlich in dieser Jahreszeit verlässliche Zahlen aller Tennisvereine der Rebublik, unter anderem auch mit Mitgliedszahlen. Verlässliche Zahlen, die überhaupt Rückschlüsse einen etwaigen Tennis-Trends durch seine Art per se mehr Abstand als bei anderen Sportarten, draußen und in großen Hallen, erst im Oktober 2021.
**Anm. der Redatkion: Die Fitnessstudios durften nach dem Lockdown in NRW am 11. Mai 2020 wieder öffnen.&nbsp;
***Anm. der Redaktion: In vielen Ländern blieben die Fitnessstudios wegen der Corona-Pandemie monatelang geschlossen. Die Angst vor Infektionsherden ließ viele Sportler daheim bleiben. Die daraus womöglich resultierenden Folgen für die Gesundheit und das Wohlbefinden der Menschen veranlasste die Forscherin Lise Helsingen und ihrem Team der Universität Oslo zu einer Studie über das Infektionsrisiko in Fitnessstudios. Die Ergebnisse sind im <a href="https://www.medrxiv.org/content/10.1101/2020.06.24.20138768v2" target="_blank">MedRXiv</a> veröffentlicht.&nbsp;

Sportliche Kinder stehen auf einem Hügel und wollen loslegen. Sie tragen Sportkleidung und Equipment, die sie für ihre Sportart brauchen.

Sport macht mutig! 

Der Sport und seine Chancen: mit oder wegen Lord Corona

Regisseur Paul Anderson schnappt sich nach Resident Evil mit Monster Hunter den nächsten Games-Hit und bringt ihn auf die große Leinwand.

Bereits am 3. Dezember (Stand 16.10.) wird der neue Fantasy-Actionfilm von Regisseur und Drehbuch-Autor Paul Anderson in die Kinos kommen - nun ist auch endlich der erste lange Trailer da! Darin erfahren wir ein wenig mehr über die Story, die vom Game abweicht. Denn die Helden des Films stammen eindeutig von der Erde und nicht von der Welt, in der die Spiele zuhause sind. Milla Jovovich, Ehefrau von Anderson und in fast jedem seiner Filme der Star, spielt hier die Kommandantin eines Trupps von Soldaten, der in der Fantasy-Welt landet und dort gegen riesige Kreaturen ums Überleben kämpfen muss.

Monster Hunter

Monster Hunter: Trailer zur Games-Verfilmung da!

Monsterhunter Trailer

Dank Formaten wie „Das Sommerhaus der Stars“ oder „Love Island“ hat das gemeinhin als „Trash TV“ verschriene Reality-Genre Hochkonjunktur. Aber warum?

Vor wenigen Wochen gab es in den sozialen Netzwerken kaum ein anderes Thema als die Staffelauftaktsepisode des RTL-Trash-Formats „Das Sommerhaus der Stars“. Du hast nichts davon mitbekommen? Dann hast du mit Reality-TV vermutlich nichts am Hut, das Internet für ein paar Tage gemieden und hältst von Boulevardblättern am besten Abstand. Denn wo normalerweise eher die Yellow Press oder drittklassige Promiseiten über die Geschehnisse in Promi-Sommerhäusern, im Dschungelcamp oder auf Nackedei-Inseln berichten, erreichte der „Sommerhaus-Skandal 2020“ weitaus höhere Kreise und trat einmal mehr eine Debatte darüber los, was im Fernsehen zeigbar ist – zu Unterhaltungszwecken wohlgemerkt!&nbsp;
Was war geschehen? Nachdem sich gleich eine ganze Handvoll weniger oder noch viel weniger prominenter Sommerhaus-Bewohner über mehrere Stunden ordentlich hatte volllaufen lassen, war die ohnehin angespannte Situation eskaliert. Einer – früher mal RTL-„Bachelor“ – wurde bespuckt, ein anderer fast gewalttätig. Und wieder andere sahen der Situation mit mehr Alkohol als Blut im Körper zu, versuchten zu schlichten, ließen es dann aber doch lieber bleiben – man weiß ja nie, wozu die Herrschaften unter Schnapseinfluss so imstande sind. Die Folge: Noch am selben Abend mussten „der Spucker“ Kubilay Özdemir und seine On-Off-Freundin Georgina Fleur das Sommerhaus verlassen. „Der Bespuckte“ Andrej Mangold dagegen konnte sich fortan auf genau diesen Status berufen – und darauf, wie besonnen und erwachsen er doch in dieser Situation gehandelt habe. Nur um sich in den darauffolgenden Episoden auf andere Art und Weise ins Abseits zu schießen. Doch dazu später mehr.
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<h2>Reality-TV: Alles braucht einen Anfang</h2>
Die Frage, was im Fernsehen zur besten Sendezeit zur Belustigung des Publikums gezeigt werden darf und was nicht, ist so alt wie das Privatfernsehen selbst. Den ersten Tabubruch im Genre beging vor nunmehr 20 Jahren der TV-Sender RTL ZWEI mit der Ausstrahlung der aller ersten Staffel von „Big Brother“. Das 1999 erstmals in den Niederlanden aufgeführte Showkonzept sprach von der totalen Überwachung: Ein paar ganz normale Menschen werden 24 Stunden rund um die Uhr von Kameras beobachtet. Keine Privatsphäre, jedes Wort, jede Handlung wird aufgezeichnet. Am Ende gewinnt der, der sich mit seinem „vor laufenden Kameras Leben“ die meisten Sympathien vom Publikum sichern konnte. Übrigens zur Erinnerung: In der ersten Staffel gelang dies dem Kandidaten John Milz, der sich nach einem anschließenden Stelldichein bei der RTL-Soap „Unter uns“ wieder komplett aus der Öffentlichkeit zurückzog.&nbsp;&nbsp;&nbsp;
Zwischen diesen beiden Ereignissen – der fünften Staffel von „Das Sommerhaus der Stars“ und der ersten Staffel von „Big Brother“ – liegen satte zwanzig Jahre. Zwanzig Jahre, in denen sich die moralischen Grenzen des Zeigbaren immer weiter verschoben haben. Früher genügte die Vorstellung von der Kamera-Dauerüberwachung für einen Aufschrei der Sittenwächter. Heute dagegen muss erst ein völlig alkoholisierter Gewalttäter auf seinen Konkurrenten niederspucken, damit in den Medien einmal mehr die Debatte darüber hochkocht, „ob das denn noch Unterhaltung ist“.&nbsp;&nbsp;&nbsp;
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<h2>Reality-TV: Die Sender und die liebe Quote</h2>
Die Frage, was Unterhaltung ist und was nicht, lässt sich je nach Standpunkt ganz unterschiedlich auslegen. Auf der einen Seite stehen die TV-Sender, die mit Formaten wie „Das Sommerhaus der Stars“, „Ich bin ein Star, holt mich hier raus“, „Love Island“, „Der Bachelor“, „Kampf der Reality Stars“ und „Promi Big Brother“ – um nur eine Auswahl aktueller Formate zu nennen – Staffel um Staffel hohe Quoten einfahren. Und wenn sich eine Sendung mal nicht im Hauptprogramm trägt, dann lagert man sie eben in die hauseigene Streamingplattform aus. „Temptation Island – Versuchung im Paradies“ wurde so zur ersten RTL-Eigenproduktion für TV Now. Die Sender wissen ganz genau darum, dass jede Publicity – und sei sie noch so negativ – Auswirkungen auf die Quoten hat. Nach der skandalumwitterten Auftaktfolge von „Das Sommerhaus der Stars“ konnten sich die Einschaltquoten von Folge zwei im Vergleich zur ersten sogar noch einmal steigern. So laut die von Medienwächtern angeschobene Debatte um Sittenverfall und die öffentliche Zur-Schau-Stellung von Alkoholismus und Gewalt auch ist, so sehr appellieren solche Diskussionen an die Neugier des Zuschauers. Je größer der Aufschrei, desto höher die Quote – für den Sender zahlt sich ein solcher Skandal in jedem Fall aus.&nbsp;&nbsp;
Denn auf der anderen Seite stehen eben wir, die Zuschauer. Wenn wir hören, dass sich im Fernsehen jemand so sehr daneben benommen hat, dass es heute, im Jahr 2020, noch einen Aufschrei wert ist, dann ist natürlich in erster Linie Neugier ein Impuls, auch mal in jenes Programm reinzuschauen, über das gerade jeder spricht. Außerdem können wir mitreden, wenn sich auf der Arbeit gerade alle darüber unterhalten, wie asozial der Kubilay den Andrej bespuckt hat. Doch die „Faszination Trash-TV“ einzig und allein mit Neugier zu erklären, würde dem Phänomen nicht gerecht werden.&nbsp;&nbsp;&nbsp;
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<h2>Reality-TV: Vom Ausnutzen niederer Instinkte</h2>
Die wohl am weitesten verbreitete These über die Motivation, sich an den televisionären Peinlichkeiten semipopulärer Show-Nasen zu erfreuen, behandelt die innere Genugtuung, die es uns bereitet, Menschen dabei zuzusehen, wie es ihnen schlechter ergeht als uns selbst. Insbesondere solch hochstreitbare (Kuppel-)Formate wie „Schwiegertochter gesucht“ oder „Bauer sucht Frau“, in denen mit dem Fernsehgeschäft unerfahrene, im Extremfall gesundheitlich eingeschränkte Kandidaten zur Belustigung der Zuschauer auf ihre Spleens und Eigenheiten reduziert und anschließend mutwillig vorgeführt werden, stehen in der Kritik, die Zuschauerneigung zum Voyeurismus auf dem Rücken der ahnungslosen Kandidaten auszutragen. An dieser Stelle ist die Frage danach, „ob das noch Unterhaltung ist“ genauso angebracht wie jene, ob es moralisch vertretbar ist, sich solche Shows überhaupt anzusehen. Die Bewohner von Dschungelcamp, Sommerhaus und Co. dagegen sind in der Regel bereits mit dem Showbusiness vertraut und nutzen derartige Formate gern, „um mal zu zeigen, wie man wirklich ist“. Da wird man dann ja wohl zugucken dürfen, oder?&nbsp;&nbsp;
Um die Frage nach dem „Dürfen“ soll es an dieser Stelle gar nicht gehen. Sobald sich ein TV-Sender dazu entschließt, ein Format zu zeigen, erfüllt es in der Regel sämtliche notwendigen Auflagen an ein frei empfangbares Unterhaltungsprogramm. Wesentlich schwieriger wiegt da die Sache mit der Moral. Kann ich daran Spaß empfinden, Menschen dabei zuzusehen, wie diese für Geld (und Aufmerksamkeit!) so ziemlich alles tun? Ekelessen herunterwürgen wie in „Ich bin ein Star, holt mich hier raus!“ zum Beispiel. Vor aller Augen und gegen dutzendweise Konkurrenz um einen heiratswilligen Junggesellen buhlen wie in „Der Bachelor“. Oder nackt auf Partnersuche gehen wie in „Adam sucht Eva“. Alles eine Frage der eigenen Geschmacks- und Schmerzgrenze – und aber auch der Inszenierung. Und die haben die Reality-TV-Produktionsfirmen in den vergangenen Jahren perfektioniert.&nbsp;
<img src="/api/static/9ab920c546f8853c5068ba67ff5fc6cb.png" alt="Die Bachelorette" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Reality-TV: Große Dramen vor tollen Kulissen</h2>
TV-Shows wie „Ich bin ein Star, holt mich hier raus“ und „Der Bachelor“ sind seit jeher für ihren hohen Produktionsaufwand bekannt. RTL karrt seine Prominenten einmal im Jahr in den australischen Dschungel und datingaffine Singles nach Afrika oder Mexiko. Die überlieferten Bilder wecken Urlaubsgefühle und verhelfen der simplen Prämisse zu einem exotischen Anstrich. Und im normalerweise in einer Luxusvilla nahe Lissabon aufgezeichneten „Sommerhaus der Stars“ entsteht der Reiz aus dem Clash des geballten Möchtegern-Promitums mit den vorherrschenden Drehbedingungen. Dass in diesem Jahr Corona-bedingt in Bocholt-Barlo gedreht werden musste, nimmt dem Format einen Großteil seiner Faszination.
Für die waren dafür diesmal umso mehr die Kandidaten selbst zuständig. In Kooperation mit der vom Sender vorgegebenen Formatsstruktur, die sich klar auf die zwischenmenschlichen Hierarchien und Entwicklungen unter den Bewohnern konzentriert, und vor allem den ungeschriebenen Gesetzen einer jeden Reality-Show. Zu diesen gehört nämlich unter anderem die eigenverantwortliche Selbstdemaskierung aller Beteiligten, was uns auf den Kandidaten Andrej Mangold zurückführt. Wurde dieser zu Beginn der Show noch als „der Bespuckte“ und damit als eine Art Opfer positioniert, verselbstständigte sich sein Selbstverständnis vom Moralapostel mit der Zeit. Zunächst wies er nur ein bisschen zu penetrant darauf hin, wie reif und erwachsen er die Situation mit Kubilay ja geregelt habe. Doch mit jedem Tag rückten sich er und seine Freundin Jennifer Lange kontinuierlich weiter in den Bereich der Intriganten und Mobber. Das ging so weit, dass heute nicht etwa Kubi und Georgina von wegbrechenden Werbekunden und Kooperationspartnern zu berichten haben, sondern Andrej und Jenni damit die Schlagzeilen füllen. Zugegebenermaßen sind das zwar nur wieder die Schlagzeilen drittklassiger Promiportale, aber für die beiden ist das sicher besser als nichts.

Szene aus der RTL-Show "Das Sommerhaus der Stars - Kampf der Promipaare"

Das Sommerhaus der Stars

Faszination Trash TV - EIne Frage der Moral?

Muss man wirklich satte 6 Euro für einen Becher Eis ausgeben, um qualitativ hochwertig zu schlemmen? Spiele.de hat den Test gemacht.

Knapp 9 Liter Eiscreme vertilgt jeder Deutsche pro Jahr. Es gibt zahlreiche Sorten mit unzähligen Inhaltsstoffen. Manche kosten ein kleines Vermögen, andere wiederum sind eher preiswert zu haben. Doch wie rechtfertigen Markenhersteller wie Häagen-Dazs Preise von satten 15 Euro pro Kilo? Sind die Zutaten im Ben &amp; Jerrys-Eis wirklich fair gehandelt? Und können Discounter-Varianten von Mode-Sorten wie „Cookie Dough“ und „Strawberry Cheesecake“ mit ihren großen Vorbildern mithalten? Spiele.de hat sich für Euch durch die Tiefkühltruhen gewühlt.&nbsp;
<h2>Häagen-Dazs – Der Testsieger aus… den USA!?&nbsp;</h2>
Ja, richtig gelesen! Der hochpreisige Speiseeishersteller Häagen-Dazs ist ein US-amerikanisches Unternehmen, das 1961 vom polnischstämmigen Ehepaar Rose und Reuben Mattus in New York City gegründet wurde. Der Markenname ist ein Kunstwort, das dem Konsumenten ursprünglich ein europäisches, im Speziellen dänisches Produkt suggerieren sollte. In frühen Firmenjahren zierte sogar der Umriss der dänischen Landkarte die Eisbecher der Firma.&nbsp;&nbsp;
<img src="/api/static/de0c6bd26aff600272bc18bcef97406c.png" alt="Häagen Dazs" style="height: auto;width: auto"/>
Mittlerweile hat sich die Marke zu einem der Frontrunner im hochklassigen Speiseeis-Segment etabliert und führte in den vergangen Jahren häufig die dazugehörigen Stiftung-Warentest-Testreihen an. Aktuell bietet die Firma 19 verschiedene Milcheissorten an. Neben Klassikern wie Vanille oder Schokolade finden sich auch solch Exoten wie „Weißer Pfirsich/Himbeere“ oder „Karamell-Spekulatius“ im Sortiment. Die Firma variiert ihr Sortiment saisonal und gibt mehrmals im Jahr neue Sorten in den Handel. Manche bleiben dauerhaft, andere nur für kurze Zeit. Darüber hinaus bietet Häagen-Dazs die Geschmacksrichtungen Zitrone, Himbeere und Mango in der milchfreien Sorbet-Variante an. Ein großer Pluspunkt für den Hersteller, denn nicht jeder Eisfabrikant berücksichtigt seine laktoseintolerante Kundschaft auf diese Art und Weise.&nbsp;
Häagen-Dazs wirbt mit einer übersichtlichen Anzahl an Zutaten. So enthält etwa der Vanilleeis-Testsieger 2019 gerade einmal fünf Zutaten: Frische Sahne, Milch, Zucker und Eigelb und echten Bourbon Vanilleextrakt. Auch bei den anderen Sorten setzt der Hersteller auf natürliche Zutaten und verzichtet auf künstliche Geschmackszusätze. Genauso wie darauf, das Eisvolumen künstlich mit Luft aufzufüllen. Das hat zwar den Vorteil, dass bei ausgewiesenen 460ml auch wirklich 460ml Eis im Becher enthalten sind. Wer seine Eiscreme allerdings besonders cremig mag, der beißt sich an Häagen-Dazs schon mal – im wahrsten Sinne des Wortes – die Zähne aus. Das muss nämlich erst ordentlich antauen, eh man es genüsslich löffeln kann. Und seinen Preis haben die hochwertigen Zutaten außerdem: 15 Euro kostet der Liter Häagen-Dazs-Eis im Durchschnitt. Wir finden: Die Inhaltsstoffe und die große Sortenauswahl sind diesen Preis auf jeden Fall wert. Nur wie schnell manche Geschmacksrichtungen wieder aus dem Sortiment verschwinden, ist schon schade. Unsere Geschmackstipps: „Schokolade/Kokos“ und „Zesty Lemon und Mandarine“. 
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<h2>Ben &amp; Jerry’s – Ja, Eis ist da auch drin!&nbsp;&nbsp;</h2>
Die Eiskreationen aus dem Hause Ben &amp; Jerry’s gibt es seit den späten Siebzigerjahren und sind aufgrund ihrer auffälligen Werbekampagnen besonders bei jungen Leuten populär. Seit 2002 vertreibt der US-amerikanische Konzern seine Produkte auch hierzulande. Die in auffällig-grellen Farben designten Eisbecher sind in Supermärkten, an Tankstellen, in Kinos und Fast-Food-Restaurants erhältlich. In ausgewählten deutschen Städten gibt es zudem die sogenannten „Scoop Shops“, also Franchise-Geschäfte, in denen ausschließlich Ben &amp; Jerry’s-Produkte verkauft werden.&nbsp;
Weltweit gibt es derzeit 53 verschiedene Eissorten von Ben &amp; Jerry’s. In Deutschland sind gerade einmal 17 davon käuflich zu erwerben. Der Klassiker: Cookie Dough. Die Vanille-Eiscreme mit Riesenstücken aus Plätzchenteig und Schokoladenbits ist der weltweite Verkaufsschlager des Unternehmens und ist nicht nur ein vegetarisches Produkt, sondern auch als halal ausgewiesen.&nbsp;&nbsp;

<img src="/api/static/824415f42e70089c3badd4b47401fbf8.png" alt="Ben & Jerry's" style="height: auto;width: auto"/>

Ben &amp; Jerry’s wirbt jedoch nicht bloß mit seinem breiten Angebot an exotischen Eissorten (wahlweise mit Gebäck- oder Obststücken versehen, mit einem Soßenstrudel durchsetzt oder mit Schoko-Topping obendrauf), sondern setzt sich zudem stark für Umweltschutz, Geschlechtergleichberechtigung und eine faire Bezahlung seiner Mitarbeiter ein. Die vom Konzern verarbeiteten Eier stammen allesamt aus Freilandhaltung, die Firma verzichtet auf genmanipulierte Zutaten und die Verpackungen bestehen aus nachhaltigem Material, das sich nach dem Verbrauch hervorragend recyclen lässt. Ebenfalls wichtig – nicht nur um den hohen Preis für die Eiscreme zu erklären: Ben &amp; Jerry’s kooperiert mit Fairtrade International, einer weltweiten Organisation, die sich darum bemüht, Arbeitern und Bauern in der Landwirtschaft einen besseren Lebensstandard zu bieten. Preislich liegen die Ben &amp; Jerry’s-Pints auf einem Niveau mit der Konkurrenz von Häagen-Dazs. Allerdings finden sich in diversen Sorten der Firma künstliche Geschmacksverstärker. Seit September 2010 verzichtet der Konzern daher auf den irreführenden Slogan „All natural Ben &amp; Jerry's“. Daran, dass man sich an den unzähligen Sorten dennoch nicht satt essen kann, ändert das allerdings nichts. Unsere Geschmackstipps: Der Klassiker „Cookie Dough“ und „Chocolate Cherry Garcia“ aus der kalorienarmen „Moophoria“-Kollektion. 
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<h2>Mövenpick – Jetzt wird’s cremig!&nbsp;</h2>
Die Mövenpick Holding AG mit Sitz im Schweizerischen Baar ist nicht ausschließlich für die Herstellung von Speiseeis bekannt. In jüngsten Speiseeistests ist die Firma mit der goldenen Möwe über dem N aber immer weit vorn mit dabei. 1948 eröffnete in Zürich das erste Mövenpick-Restaurant. Mittlerweile bietet der Konzern über den Einzelhandel unter anderem Kaffee, Fruchtaufstriche, Joghurt und eben auch Eis an.&nbsp;
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19 verschiedene Sorten führt Mövenpick aktuell im Programm. Darunter verschiedene Fruchtkreationen wie „Panna Cotta Himbeere“ und „Amarena Kirsch“, aber auch eine eigene „Cookie Dough“-Variation. Mit rund sieben Euro pro Kilo liegt Mövenpick im preislichen Mittelfeld namhafter Eishersteller. Dafür arbeitet der Konzern mit künstlichen Farbstoffen, um seinen Eiskreationen zu ihrer spektakulären Farbe zu verhelfen und pumpt für eine bessere Cremigkeit ordentlich Luft ins Eis. Wer sein Eis aber besonders fluffig mag, ist mit den Mövenpick-Sorten gut bedient. Dafür muss er im Vergleich zur Konkurrenz auf allzu viel „Innenleben“ verzichten. Während man bei Häagen-Dazs und Ben &amp; Jerry’s oft das Eis vor Lauter Schnickschnack nicht sieht, sind die Frucht- und Kekszusätze im Mövenpick-Eis wohldosiert. Unsere Geschmackstipps: „Coconut Crisp“ und „NussNougat“. 
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<h2>Die Günstigen vom Discounter&nbsp;</h2>
Jedes Markenprodukt hat mindestens einen Trittbrettfahrer in den Discounterregalen. Das gilt auch für Eis. Aldi, Lidl, Edeka, Rewe – sie alle haben ihre eigene Variation von „Cookie Dough“ und anderen In-Eissorten im Regal stehen. Die Hersteller hören auf Namen wie Gelatelli (Lidl), Grandessa (Aldi Süd) oder Beste Wahl (Rewe).&nbsp;&nbsp;

<img src="/api/static/c3c5413361a0061d15503a22d638620d.png" alt="Rewe" style="height: auto;width: auto"/>

Auf dem Markt etabliert haben sich 500ml-Becher, die allesamt optisch ansprechend aufgemacht sind und mit jeder Menge „Mehr“ werben – heutzutage ist Eiscreme nicht einfach nur Eiscreme. Stattdessen kommen Keksstücke, Kuchenteig, verschiedene Soßen, Früchte und anderweitig exotische Zusatzstoffe zum Einsatz. Und je mehr das sind, desto aufregender wird es! Das „Cookie Dough“ Eis der Aldi-Marke Grandessa punktet zwar mit einem hohen Sahne-Gehalt und entsprechend cremiger Konsistenz sowie einer ansprechenden Farbe aus natürlichem Karottenkonzentrat. Doch im Vergleich zu den Markenprodukten fallen die Keksteigstückchen mit gerade einmal 5 Prozent winzig aus. Außerdem enthält es mit Emulgatoren (Sojalecithine), Stabilisatoren (Johannisbrotkernmehl, Guakernmehl), Backtriebmittel (Natriumcabonate) und Aromen diverse Zusatzstoffe, die wir anderswo nicht haben und auch nicht zwingend sein müssten. Das Lidl-Eis von Gelatelli enthält satte 16 Prozent Keksteigstücke und damit mehr als dreimal mehr als der Aldi-Konkurrent. Leider enthält auch das Eis dieses Herstellers künstliche Zusatzstoffe und greift darüber hinaus auf Eipulver aus Bodenhaltung zurück. Das „Beste Wahl“-Eis von Rewe punktet mit 12% Schokoladensplits-Plätzchenteigstückchen, irritiert allerdings durch seinen arg künstlichen Vanillegeschmack. Auch der wenig umweltbewusste Inhaltsstoff „Palmfett“ stößt negativ auf. Bleibt zu guter Letzt noch das „Cookie Dough“-Eis von Edeka: Mit 19 Prozent Keksteig kann das nicht bloß quantitativ mit den Markenprodukten mithalten, sondern punktet auch mit seinem hohen Sahnegehalt und seinem herben Schokoladengeschmack. Sämtliche Eissorten sind im 500ml-Becher für einen Preis von 2,49€ erhältlich und damit eine preisgünstige Alternative zu den Markenprodukten.&nbsp;&nbsp;

Eiscreme

Heiß auf Eis? Die cremige Versuchung im Vergleich

Während Tequila in aller Munde ist, ist sein enger Verwandter, der Mezcal, in Deutschland noch recht unbekannt. Wir wollen Abhilfe schaffen.

Ob pur, in der Frozen Margarita, oder gar im Bier: Tequila kennt man. Mexikos flüssiger Exportschlager wird in deutschen Supermarktregalen zwar hauptsächlich in den Flaschen mit Sombrero verkauft, über die Tequila-Liebhaberinnen und -Liebhaber die Nase rümpfen. Aber: Er wird wenigstens angeboten. Eine andere, traditionsreiche mexikanische Spirituose führt in Deutschland dagegen weiterhin ein Schattendasein: der Mezcal.

Mezcal-Kenner und -Händler Markus Nikowitsch bringt das Leid des Mezcals auf den Punkt: „Viele wissen gar nicht was Mezcal überhaupt ist. Ich würde mal sagen, die Spirituosen-Gattung ist noch so unbekannt, dass sie sich noch nicht einmal die Frage leisten kann, was der größte Irrtum über sie ist. Wir stecken noch mitten in der Aufklärungsphase.“ Nun, da wollen wir von 'spiele.de' doch gerne helfen! ¡Salud!


<img src="/api/static/fd75a797eebbeb6f5e4a9c0cc9c46548.png" alt="Spirituosen aus Agaven: Tequila und Mezcal" style="height: auto;width: auto"/>
<h2>Ein Gewächs, zwei Brände</h2>
Ähnlich, wie aus Wasser, Hopfen und Malz unzählige verschiedene Getränke gewonnen werden können, die allesamt als Bier bekannt sind und sich dennoch enorm unterscheiden, so ist auch die Agave ungeheuerlich vielseitig. Das auch als Jahrhundertpflanze bekannte Gewächs ist Grundlage für zwei eng verwandte, und doch für die geübte Geschmackspalette sehr unterschiedliche Brände: Für den weltweit berühmten Tequila, der zu den wichtigsten Wirtschaftsstandbeinen Mexikos zählt, und sein hierzulande weniger bekannten Bruder Mezcal. Obwohl: Hier begehen wir schon den ersten Fehler.

Streng genommen wird der Tequila nämlich als Unterart des Mezcals betrachtet, was bedeutet, dass jeder Tequila ein Mezcal ist, aber nicht jeder Mezcal ein Tequila. Weil das aber für uns in die mexikanische Trinkkultur weniger eingeweihten Europäer etwas verwirrend sein kann, wollen wir diesen Stammbaum bei Seite schieben und einfach direkt auf die Unterschiede dieser Agavenschnäpse eingehen.


<img src="/api/static/ed42ab6936bfe80259b678dc8f929a52.png" alt="Mexikos Exportschlager" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Tequila: Streng abgesteckt</h2>
Was als Tequila gilt, ist sehr streng reguliert. So ist Tequila, ähnlich wie Champagner oder Parma-Schinken, eine geschützte Herkunftsbezeichnung: Nur Sorten, die der Region rund um das Dorf Tequila entstammen und dort destilliert werden, dürfen so genannt werden. Zu dieser Herkunftsregelung kommt außerdem, dass für Tequila ausschließlich blaue Agaven verwendet werden dürfen. Des Weiteren wird Tequila in einem kurzen Verfahren in geschlossenen Stahlkesseln fermentiert, oftmals unter Einsatz von Zuchthefen.

Der Mezcal wird dagegen gemeinhin rustikaler hergestellt und unterliegt geringeren Beschränkungen, was ihm zugleich ein oft „ruppigeres“ geschmackliches Auftreten gibt, ihn aber auch vielseitiger macht als den Tequila.

<img src="/api/static/6d6f478234bced12b84220c123afc1ba.png" alt="Mezcal wird zumeist rustikaler hergestellt als Tequila" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Mezcal: Rustikal und vielseitig</h2>
Es gibt mehr als 30 Agavensorten, die verwendet werden können, um Mezcal zu gewinnen. Die Agaveherzen werden für Mezcal traditionellerweise von Hand zerkleinert und in Erdöfen erhitzt, die von Palmblättern und Erde abgedeckt werden. Nach drei bis fünf Tagen des Köchelns, das dem Mezcal schlussendlich seinen erdigen, rauchigen oder sogar speckigen Geschmack gibt, der sich vom gemeinhin klareren, „sauberen“ Tequila abhebt, ruhen die Agaven.

Wie lange die Ruhephase ist, unterscheidet sich von Herkunftsregion zu Herkunftsregion, weil die meisten Mezcal-Hersteller nach alten Familienrezepten vorgehen, die sich halt von Ort zu Ort und aufgrund familiärer Vorlieben unterscheiden. Gemeinhin dauert die Ruhephase aber bis zu einer Woche. Daraufhin werden die Agaven zu einem Brei zerkleinert (oftmals noch von Hand) und in großen, offenen Holzbottichen an der freien Luft fermentiert.

Die Fermentierung wird von Hefe und Sargasse, einem Nebenprodukt aus der Rum-Herstellung, unterstützt und dauert mehrere Wochen. Bei industriell hergestelltem Mezcal können aber auch Zucker und Zuchthefen eingesetzt werden – diese können aber nicht mehr die Kennzeichnung „100% Agave“ tragen. So oder so: Anschließend wird der Agavenbrand bis zu drei Mal destilliert – bei vielen Herstellern unter Verwendung von Destillierkolben aus Kupfer, Ton oder Schilf, um den rustikalen Charakter des Produkts zu unterstützen – jedoch sind modernere Destillationsanlagen in der Mezcalherstellung nicht verpönt.

Während der Destillation werden mitunter Früchte, Gemüse oder gar tierische Erzeugnisse eingebracht, um dem Mezcal zusätzliche Aromen mitzugeben – dies wird aber auf dem Etikett deutlich gemacht. So tragen Mezcals, bei denen weitere Produkte eingesetzt wurden, die Kennzeichnung „Destilado Con Pechuga“. Übrigens: Auch der Mezcal steht unter Gebietsschutz, wenngleich unter einem weniger eng gesteckten als Tequila, Cognac oder Champagner. Mezcal darf in ganz Mexiko gewonnen werden – aber auch nur in Mexiko.
 
<img src="/api/static/071f6ccf52827bfd6ee45b2b6b36a3ff.png" alt="Mezcal: Nur selten mit Wurm" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Da ist doch der Wurm drin?</h2>
Die kurze Antwort lautet: Nein. Im Mezcal ist niemals ein Wurm drin. Was aber in manchen Mezcals drin steckt, ist eine Raupenlarve. Und selbst das ist eher eine Seltenheit – zu sagen „Mezcal, das ist doch der Schnaps mit dem Wurm“ ist so, als würde man sagen „Bier? Das ist doch dieses Getränk, das in Flaschen mit Bügelverschluss verkauft wird“: Auf manche Marken mag das zutreffen, aber halt nur auf manche.

Wie genau dieser Mythos entstanden ist, lässt sich nicht mehr exakt zurückverfolgen, doch es ist auf jeden Fall eine vergleichsweise junge Entwicklung: Während die ersten schriftlichen Erwähnungen von Mezcal über 3.000 Jahre zurückgehen, ist der Mezcal mit Wurm eine Nachkriegserfindung, die aus Marketinggründen gemacht wurde. Es lässt sich bloß nicht mehr rekonstruieren, wer zuerst darauf kam:

Die einen sagen, den Anfang habe Mezcal-Produzent Jacobo Lozano Páez gemacht, der ein Gimmick gesucht hat, um seine Flaschenimporte in die USA anzukurbeln, und sich für eine Larve in der Flasche entschieden hat. Daraufhin sind ein paar Marken auf den Zug aufgesprungen. Die anderen sagen, dass der Inhaber von Gusano Rojo in Mexiko-Stadt den Anfang gemacht hat, um vor Ort Touristen mit einer neuen, aufregenden Erfahrung anzulocken. Woraufhin sich der Trend entwickelte, das Tierchen auch in Importflaschen zu stecken.

Ganz egal, wer damit anfing: Nach dem Zweiten Weltkrieg machte eine Handvoll Mezcal-Hersteller diesen Trend mit, woraufhin es zur urbanen Legende wurde, dass Mezcal immer mit „Wurm“ daherkäme. Oder dass der „Wurm“ in besonders guten Sorten steckt. Oder in besonders Hochprozentigen … Man merkt: Selbst die Gerüchteküche war sich nicht einig, was das überhaupt soll.

Kurzzeitig hat es dennoch Erfolg gebracht: Es sind ganze Rituale um den „Wurm“ entstanden – aber es hat auch potentielle Käuferinnen und Käufer abgeschreckt, weshalb 1995 eine Gruppe von Mezcal-Produzenten versucht hat, den Verkauf von Mezcal mit Raupe zu verbieten. Diese Bewegung fruchtete zwar nicht, jedoch ist der „Wurm-Trend“ auf dem Rückzug. Und generell: Niemand muss einen Überraschungswurm fürchten. Hersteller, die eine Raupe in ihre Flasche packen, werben auch offensiv damit. Denn, nicht vergessen: Es ist nur ein Marketinggag!
 
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<h2>Wie trinken?</h2>
Will man seinen Mezcal so genießen wie es in seinem Heimatland üblich ist, so gibt es nur eine Option: Pur – bestmöglich aus niedrigen, breiten Gläsern. Markus Nikowitsch erklärt: „Der Mezcal muss erst einmal ein bisschen atmen.“ Will man es ganz urig und klassisch, trinkt man ihn aus traditionellen Tonschälchen, die „haben aber den Nachteil, dass die den Geschmack verfälschen können.“ Wer es klassisch, aber weniger urig mag, ordert sich extra für seinen Mezcal die sogenannten Vasos Veladoras. „Diese sind etwas breiter als Shotgläser und erlauben die Aromenentfaltung“, so Nikowitsch.

Zum Mezcal kann aber durchaus etwas gereicht werden – beispielsweise Orangenviertel, um mit deren Süße den rauchigen, salzigen Geschmack des Mezcals zu unterstreichen. Analog zum (touristenhaften) Kult, beim Tequila-Genuss in eine Zitrone zu beißen und Salz zu lecken, hat sich beim Mezcal ein Pendant mit Limette und Chilisalz verbreitet. Und allem Traditionsbewusstsein zum Trotz: Natürlich kann der Mezcal auch für Longdrinks (etwa zusammen mit Tonics) oder für Cocktails genutzt werden. Erfindet doch mal eure Tequila-Lieblinge etwas rauchiger, pfeffriger neu!
 
<img src="/api/static/72f103668133e5b39b7d75178f986299.png" alt="Mezcal Local: Ein Mezcal (nicht nur) für Einsteiger" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Was trinken? Einsteiger-Edition</h2>
Was aber ist denn nun ein guter Mezcal für all jene, die nun Lust bekommen haben, aber nicht wissen, welche Flasche sie aus dem großen Meer an Angeboten ziehen sollen? Mezcal-Kenner Markus Nikowitsch hat uns aus dem Portfolio seines Tequila-Mezcal-Shops zwei Einsteigerempfehlungen ausgesucht.

Da wäre zunächst der <a href="https://tequila-mezcal.shop/mezcal-local-destilado-con-corazon-de-agave-pechuga-42-1-x-0.7-l-118" target="_blank">Mezcal Local Destilado con Corazón de Agave Pechuga</a> , der „durch seinen eher zurückhaltenden Geschmack auch für Einsteiger geeignet ist.“ Der zu 100% aus zehnjährigen Agaven der Sorte Espadin gewonnene Mezcal bringt durch seine vegane Pechuga-Destillation mit Äpfeln, Pfirsischen, Bananen und Orangen einen mild-fruchtigen Geschmack mit.

Alternativ schlägt Nikowitsch den <a href="https://tequila-mezcal.shop/san-cosme-mezcal-miniatur-40-1-x-0.7-l-1-x-0.05-l-330?number=SW10320" target="_blank">San Cosme</a> vor – dies ist sein Tipp für die ganz Vorsichtigen. „Er ist nicht so spannend, sondern eher das Becks unter den Mezcals“, so der Mezcal-Experte.

<img src="/api/static/6bd5a48a2ea5c1d44c4f7a640caafa22.png" alt="Mezcal für Kenner" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Was trinken? Profi-Edition</h2>
Wenn ihr schon mit Mezcal Erfahrungen gemacht und durch unseren Artikel Lust bekommen habt, weiter auf Entdeckungsreise zu gehen, oder direkt vom Anfänger-Level zu den Fortgeschrittenen springen wollt, sollt ihr nicht ins leere Glas schauen. Auch für euch sei gesorgt – auch wenn nach dem Novizen-Niveau erwartungsgemäß die Meinungen weit auseinandergehen, welche Mezcals denn nun besonders gut sind und welche überschätzt.

Markus Nikowitsch scherzt: „Das Aroma- und Geschmacksspektrum geht von 'kalter Aschenbecher mit Autoreifenabrieb und Klebstoff' bis zu 'Kirsche, süss, rauchig, mit Käse und scharf'.“ Aber wir haben ihm dennoch einen Kennertipp entlockt: Die Underdog-Marke Mezcalosfera by Mezcaloteca, von deren Sorten pro Abfüllung nur 30 bis 100 Liter entstehen. Das lässt sich die Destillerie jedoch auch kosten:

Über Preise im dreistelligen Eurobereich darf man sich hier nicht wundern. Wen das nicht abschreckt: Nikowitschs Favoriten dieser Destillere sind der <a href="https://tequila-mezcal.shop/mezcalosfera-pechuga-mezcal-mango-chili-2018-46-6-1-x-0.7-l-304" target="_blank">Mezcalosfera Pechuga Mezcal Mango Chili</a> , dessen Aroma präsent, aber unaufdringlich Holz, Pfeffer und Kräuter sowie Mango, Chili ausstrahlt, sowie der genauso wie sein Mango-Chili-Bruder ultra-traditionell (ohne Strom und fließend Wasser) hergestellte, reine <a href="https://tequila-mezcal.shop/mezcalosfera-tobala-mezcal-2018-49-16-1-x-0.7-l-306" target="_blank">Mezcalosfera Tobala Mezcal</a> , der quasi die Blaupause ursprünglichen Mezcal-Erlebnisses darstellt.

Und nun bleibt uns nur noch eins: Wir wünschen euch viel Spaß bei eurer eigenen Mezcal-Erkundungsreise!&nbsp;

Mezcal: Tequila, bei dem der Wurm drin ist?

Manche Lebensmittel, insbesondere bestimmte Obst- und Gemüsesorten, können mehr als andere: die Superfoods. Wir erklären, was sie so begehrt macht.

Wahre Schönheit kommt von Innen! Eigentlich soll diese Floskel darauf anspielen, dass nicht das Äußerliche, sondern der Charakter das Wichtigste am Menschen ist. Dabei lässt sich dieser Satz auch hervorragend auf das Wohlbefinden, die Psyche und das eigene Altersempfinden übertragen. Wer sich frisch, gesund und jung fühlt, strahlt das aus und wirkt nicht nur zufriedener, sondern auch schöner auf sein Umfeld. Im Anbetracht von Fältchen, schlaffer Haut und grauen Haaren schauen vor allem Frauen dem hohen Alter mit Missmut entgegen und greifen immer häufiger zu Cremes und Salben, manche legen sich sogar unters Messer. Dabei wissen viele gar nicht, dass sie den Alterungsprozess mit einer zielgenauen Ernährung ein paar Jährchen hinauszögern können. Superfoods lautet das Zauberwort! Dabei handelt es sich um Nahrungsmittel, das eine sehr große Menge eines bestimmten oder mehrerer Nähr-, Wirk- oder Vitalstoffe beinhalten und dadurch bei regelmäßigem Verzehr eine gesundheitsfördernde Wirkung besitzt. Doch um zu verstehen, was die besonders gehaltvollen Obst- und Gemüsesorten zu einem solch wichtigen Bestandteil einer gesundheitsbewussten Ernährung macht, musst du erst einmal wissen, wie genau der Alterungsprozess im Körper vonstatten geht.

<img src="/api/static/d1bc2c86ab5e19e97739ae06a1365999.png" alt="Walnuss" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Superfoods: Der Feind heißt "Freie Radikale"</h2>
Sauerstoffhaltige Moleküle – sogenannte Freie Radikale – sind die Ursache allen Übels. Sie greifen Zellen in unserem Körper an und stehen so am Anfang diverser Gesundheitsbeschwerden. Freie Radikale sind instabil, da ihnen in der chemischen Struktur ein Elektron fehlt. Um sich zu stabilisieren, begeben sie sich auf eine Reise durch den Körper und entreißen einem intakten Molekül das benötigte Elektron, um sich zu vervollständigen. Dieser Vorgang nennt sich Oxidation. Da der bestohlenen Zelle nun ebenfalls ein Elektron fehlt, wird diese wiederum zu einem Freien Radikal. Die Folge: Auch dieses neu gebildete Freie Radikal begibt sich fortan auf die Suche nach einem intakten Molekül. So geht dieser Vorgang immer weiter, bis weite Teile des Körpers geschädigt sind. Dieser sogenannte oxidative Stress bremst verschiedene Vorgänge im Körper. Es kommt zu DNA-Schäden, infolge dessen eine unkontrollierte Zellteilung entsteht (Krebs), Zellen sterben ab, wichtige Enzyme werden deaktiviert, körpereigene Eiweisse können nicht mehr gebildet werden und Rezeptoren an der Telloberfläche werden zerstört. Je mehr dieser Freien Radikale in unserem Körper vorhanden sind, desto schlechter geht es uns. Da die Freien Radikale in ihrer Suche nach einem passenden Elektron sehr genau vorgehen, greifen sie meist gezielt innerhalb eines Organs um sich. Je nachdem, wo dies geschieht, sind Krankheiten der Haut, Augenbeschwerden, Gelenkbeschwerden, Schlaganfälle oder Demenzerkrankungen oder eben Krebs die Folge. Die Entstehung von freien Radikalen zu vermeiden, ist nahezu unmöglich. Die Umstände, in denen wir Leben, der Genuss von ungesunden Nahrungsmitteln, der Konsum von Alkohol und Nikotin, radioaktive Strahlung und sogar Medikamente begünstigen die Entstehung von freien Radikalen.

<img src="/api/static/5429a7414fa48841e570a094a1089a89.png" alt="Himbeere" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Superfoods: Zauberwort Antioxidantien</h2>
Dieser Vorgang klingt ganz schön grausam, oder? Doch schaut man darauf, mit welchen Mitteln diesen freien Radikalen zuleibe gerückt werden kann, sieht das alles schon nicht mehr ganz so schlimm aus. Mit Antioxidantien kann man den Domino-Effekt der freien Radikale verhindern. Daher wird ein Antioxidant umgangssprachlich auch Radikalfänger genannt. Superfoods mit einem besonders hohen Gehalt an Antioxidantien sind
<ul>
<li>Trauben</li>
<li>Blaubeeren</li>
<li>Himbeeren</li>
<li>Nüsse</li>
<li>Spinat</li>
<li>Broccoli</li>
<li>Süßkartoffeln</li>
<li><a href="https://spiele.de/essen-trinken/ernahrung/und-was-ist-mit-tee" target="_blank">Grüner Tee</a>&nbsp;</li>
<li>Bohnen</li>
<li>Fisch</li>
</ul>
Antioxidantien hindern ein freies Radikal daran, ein Elektron an sich zu reißen und so neue freie Radikale zu bilden. Dies geschieht, indem sie freiwillig eines ihrer Elektronen an das freie Radikal abgeben. Das Gute daran: Antioxidantien werden direkt nach der Abgabe ihres Elektrons in die antioxidative Form gebracht, also in ihre Ursprungsform gebracht. Ein neues freies Radikal entsteht nicht und Zellmembranen oder wichtige Proteine können ihre Elektronen behalten, die Körperzellen bleiben geschützt. Das Gute: Mit der richtigen Ernährung und dem Meiden radikalfördernder Genussmittel unterstützt du deinen Körper in der Abwehr freier Radikale. Und das wiederum bewahrt deine Zellen auf die Dauer vor der Alterung. Die Zellen bleiben frisch und intakt, über erste Fältchen oder erschlaffende Haut musst du dir folglich erst später Sorgen machen.&nbsp;

<img src="/api/static/4e6857b28a70beaa6db7ac0e31537767.png" alt="Grüner Tee" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Superfoods: Damit isst du dich jung!</h2>
Die Basis einer gesunden Ernährung besteht aus frischem Obst und Gemüse. Der Grund dafür liegt in den Inhaltsstoffen. Die fünf wichtigsten der wirksamen Antioxidantien sind Vitamine (vor allem C und E), verschiedene Mineralien, Spurenelemente (Selen, Eisen und Zink), Enzyme und sekundäre Pflanzenstoffe (sogenanntes OPC aus Traubenkernen oder Allicin aus Knoblauch). All diese Inhaltsstoffe tragen bei regelmäßigem Genuss zu einer straffen Haut bei, senken den Cholesterinspiegel und können in manchen Fällen sogar Krebs vorbeugen..&nbsp;

Acai Bowl

Superfoods: Iss dich gesund und glücklich!

Cremst du schon oder stinkst du noch? Nuud verspricht mit seinem natürlichen Deo wahre Wunder. Redakteurin Katharina hat den Test gewagt.

<h2>Fazit</h2>
Wer wie viel Nuud in seinem Alltag benötigt ist von Achsel zu Achsel unterschiedlich. Ich für meinen Teil werde nicht mehr zurück zum herkömmlichen Chemie in die Luft pustenden Deo wechseln. Ich bin froh, den Schritt gewagt zu haben, auch wenn er anfangs etwas geruchsintensiver war als gewünscht. Ich creme abends nach dem Duschen, sodass am Morgen alles eingezogen ist. Es sind keine Spuren an schwarzer Kleidung zu finden und auch Hautirritationen oder verwachsene Harre nach der Rasur sind komplett verschwunden. Nach einem langen Tag, an dem mir zwei Kinder mal mehr oder weniger die Nerven rauben, rieche ich abends nach: Nichts. Manchmal ist so eine Instagram-Werbeanzeige gar nicht so schlecht.

<h2>Woher kam der Umschwung?</h2>
Alles fing mit einem Werbepost auf Instagram an. Ich bin kein Spontankäufer, bleibe aber bei guten Posts hängen und gebe einem vielversprechenden Produkt nach einer gewissen Bedenkzeit eine Chance. Nuud hat mich mit direkt gehabt und mit jedem neuen Post, der in meinem Feed auftauchte, wurde ich neugieriger. Und ich habe es gewagt. Es war fast Sommer, der Lockdown noch lange nicht vorbei, wenn nicht jetzt, wann dann? Also habe ich die erste Tube bestellt. Sobald sie da war, sind alle alten Deosprays im Schrank verschwunden. Damit ich auch ja nicht rückfällig werde oder gar aufgebe. Wenn ich schon für 12,95 € ein Deo kaufe, will ich es auch nutzen.&nbsp;

<img src="/api/static/021415ae5f3f33b5c3cd7757a27b6bde.png" alt="Das Smarter Pack Nuud enthält zwei Tuben." style="height: auto;width: auto"/>
Das größere Smarter Pack enthält zwei Tuben Nuud á 20 ml für 24,95 €.
So teuer? Ja, aber das Starter Pack Nuud mit einer 15 ml Tube soll im Schnitt sechs bis sieben Wochen halten. Und jetzt mal ehrlich: Hält dein Spray auch so lang? Egal wie komprimiert sie auch waren, die Sprays in meinem Haushalt pfiffen weit früher auf dem letzten Loch. Und dann kam ein kleiner Schock. Ich soll meine Achseln entgiften? Achsel und entgiften klingt nach einer geruchsintensiven Aktion. Doch die Tube war da und so habe ich statt zu sprühen mit dem Cremen meiner Achseln angefangen.
<h2 style="text-align:left;">Das Nuud-Versprechen</h2>
Um auf ganzer Linie zu überzeugen verspricht das niederländische Produkt die Neutralisierung von Bakterien durch das enthaltene Mikrosilber. So wird Geruch vorgebeugt und nicht einfach nur überlagert. Im Schnitt kann Nuud bis zu sieben Tage mit nur einer Anwendung schützen. Was daran realistisch ist, muss jeder selbst testen. Auch Sport, schweißtreibende Aktivitäten oder zu duschen sollen der Wirkung nichts anhaben. Abseits der subjektiven Erfahrungen punktet die Deocreme durch den Verzicht von unnötigen Chemikalien und Alkohol. Außerdem ist sie durch die Hauptverpackungsanteile Biokunststoff aus Zuckerrohr und Pappe besonders nachhaltig. Nur der Deckel und die kleine Klebefolie zur Abdichtung sind aus gewöhnlichem Kunststoff. Selbstverständlich verzichtet Nuud zu 100 % auf Tierversuche und ist vollständig vegan.&nbsp;
<img src="/api/static/385869525e64c543ef7bfba9530a8f9e.png" alt="Kaum Kunststoff steckt in Nuud. Nur Deckel und Folie." style="height: auto;width: auto"/>
Kaum künstlicher Kunststoff steckt in Nuud. Nur der Deckel und diese kleine Folie.
<h2 style="text-align:start;">Das steckt in Nuud</h2>
Nuud ist nicht irgendeine Creme, die toll duftet und den fiesen Geruch unter deinen Armen übertüncht. Nuud besteht aus nur zehn Inhaltsstoffen, die den körpereigenen natürlichen Geruch wieder zum Vorschein bringen sollen.
<ol>
<li style="margin-left:1.5em;">Mikrosilber - ist antibakteriell und dringt nicht in die Haut ein.</li>
<li>Kokosöl - verhindert das Auflösen des Deos beim Duschen und erleichtert das Auftragen.</li>
<li>Rizinusöl - erleichtert gemeinsam mit dem Kokosöl das Auftragen und pflegt die Haut.</li>
<li>Rizinusöl-Extrakt - verstärkt die Wirkung des Rizinusöls.</li>
<li style="margin-left:1.5em;">Zinkoxid - reinigt und schützt die Haut.</li>
<li style="margin-left:1.5em;">Mandelöl - schützt trockene und empfindliche Haut.</li>
<li style="margin-left:1.5em;">Tonerde - gibt Nuud die besondere Geschmeidigkeit ohne zu schmieren oder zu kleben.</li>
<li style="margin-left:1.5em;">natürlicher Emulgator - sorgt für das gleichmäßige Vermischen der Inhaltsstoffe.</li>
<li style="margin-left:1.5em;">Propylencabonat - fördert die Löslichkeit und macht Nuud homogen.</li>
<li style="margin-left:1.5em;">Carnaubawachs - verleiht der Creme Festigkeit und sorgt dafür, dass sie bei hohen Temperaturen nicht zerfließt.&nbsp;</li>
</ol>

<img src="/api/static/5ae9affacac3e28489e1cabb66746095.png" alt="Nuud ist super ergiebig!" style="height: auto;width: auto"/>
Nuud ist super ergiebig!
<h2>Der Test</h2>
Noch einmal tief durchatmen, altes Deo weg, duschen und los geht's. EIne erbsengroße Menge Deo pro Achsel soll reichen. Dann mache ich das auch und ziehe es durch. Anfangs habe ich die Creme tatsächlich nur alle drei Tage benutzt, um das Entgiften und die Umstellung für den Körper zu erleichtern. Ich singe jetzt keine Loblieder auf natürliche Körpergerüche, aber wie gesagt: Dank Lockdown habe ich die Wohnung sowieso kaum verlassen müssen. Nach und nach hat sich tatsächlich Wirkung gezeigt. Nach knapp zwei Wochen bin ich auf alle zwei Tage cremen umgestiegen, denn Nuud weist ausdrücklich daraufhin, dass sich jeder Körper anders verhält. Und siehe da: Pünktlich zum sommerlichen Temperaturanstieg nach einem knappen Monat hat sich mein Köper soweit angepasst, dass ich natürlich trotzdem geschwitzt habe, aber nicht mehr so stark. Und der Riechtest hat bewiesen: Wenn man sich nicht permament mit künstlichen Düften und Stoffen vollkleistert riecht der Körper ganz gut, selbst wenn man schwitzt. Nach knapp fünf Monaten habe ich erst drei Tuben verbraucht. Das nenne ich ergiebig.&nbsp;&nbsp;
Meine letztendliche Pro &amp; Contra-Liste will ich euch natürlich nicht vorenthalten.

Nuud - natürliches Deo im Test

Nuud - Natürliches Deo im Härtetest

Nummer drei im Viererpack: Die Amazon Prime-Blumhouse-Connection präsentiert mit Nocturne ein unheimliches Künstler-Drama. Wie gut ist es?

Bisher hat Amazon Prime im Vergleich zum Konkurrenten Netflix nur sehr wenige Eigenproduktionen pro Jahr angeboten. Diese Geschäftspraktik scheint sich nun langsam zu ändern. Denn neben einigen Serien hat das weltgrößte Internet-Kaufhaus nun auch die Spielfilm-Produktion hochgefahren. Gleich vier Horrorfilme oder Thriller wurden beispielsweise mit den Grusel-Spezialisten von Blumhouse gedreht. Zwei davon kamen am 6. Oktober 2020 ins Prorgramm, zwei weitere folgen am 13. Oktober 2020. Nocturne ist einer davon - wie gut ist er?
<h2>Die Handlung:</h2>
Die Zwillingsschwestern Julia (Sydney Sweeney, Euphoria) und Vivian (Madison Iseman, Jumanji 2) sind beide begnadete Pianistinnen, die an einer Eliteschule weiter ausgebildet werden. Doch während Vivian das Leben in vollen Zügen genießt, Zeit mit ihrem Freund Max (Jacques Colimon, The Society) verrbingt und Spaß hat, quält sich Julia mit ihren Übungen, hat kaum soziale Kontakte und ist noch Jungfrau. Dennoch ist Vivian die bessere Musikerin. Doch das ändert sich, als Julia durch Zufall eine Kladde von Moria, der durch Selbstmord verstorbenen Star-Geigerin der Schule, in die Hände fällt. Auf den Seiten finden sich neben Noten jede Menge wirre Hyroglyphen und Zeichnungen, die Julia nicht versteht.
Doch nachdem sie die Kladde ein Weile in ihrem Besitz hat, stellt Julia fest, dass nicht nur ihr Ehrgeiz wächst, sondern auch ihr Können. So wechselt sie nicht nur ihr Vorspielstück auf as deutlich anspruchsvollere ihrer Schwester, sondern trennt sich auch von ihrem langjährigen Lehrer, der sie ihrer Meinung nach ausbremsen will. Dumm nur, dass sie auch zunehmd Black-Outs hat und sich an manches Vorspiel gar nicht mehr erinnern kann. So kassiert sie Lob für Leistungen, von denen sie nichts mehr weiß. Immer mehr scheint die geheimnisvolle Kladde Julias Leben zu beeinflussen - oder bildet sich die junge Frau das alles nur ein?


<img src="/api/static/7e988e85b4d7c1f787cc708e05b0f9c8.png" alt="Nocturne" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Kein typischer Teenie-Horror</h2>
Wir beginnen mit einer Entwarnung. Denn was sich möglicherweise ein wenig so liest wie Wish Upon oder Truth or Dare - oder ähnliche Teenie-Horrorfilme, bei dem durch einen Fluch oder ähnliches einer nach dem anderen auf unerfeuliche Art ins Gras beißt, ist in Wahrheit in perfider Psycho-Thriller, bei dem vieles nicht so ist, wie es zu Beginn scheint. Genau daran werden sich bei Nocturne allerdings auch die Geister scheiden. Denn einfache Antowrten gibt der Film ebensowenig wie er sich zum nebenbei Ansehen eignet. Stattdessen lädt Nocturne dazu ein, jedes Detail zu erfassen und sich über jedes Ereignis im Film Gedanken zu machen. Denn der Zuschauer weiß nie genau, was er davon glauben darf.
In ihrem Langfilm-Debüt als Drehuchautorin und Regisseurin zeigt sich Zu Quirke erstaunlich versiert und reif. Mit großer Sicherheit steuert sie ihre Story an platten oder unfreiwllig komischen Momenten vorbei und hält über 90 Minuten die Spannung. Allerdings lässt sich Nocturne auch mit viel gutem Willen nicht als echter Horrorfilm verkaufen. Psychologischer Thriller trifft es besser - und als solcher ist Nocturne auch sehr sehenswert. Die Autorin Quirke erzählt dabei wichtige Plot-Elemente manchmal nur in einem Nebensatz oder einem Blick, die Regisseurin Quirke verpasst der alptraumhaften Geschichte die passenden Bilder und Symbole, um als Zuschauer das Unheil zu ahnen, das auf die Heldin zukommt.


<img src="/api/static/53cd422716b6a40c1339568c46b33d74.png" alt="Nocturne" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Raum für Interpretationen</h2>
So ganz neu ist Quirkes Story allerdings nicht, es finden sich Versatzstücke aus Filmen wie Die neun Pforten, Jacobs Ladder oder Roman Polanskis Klassiker Der Mieter darin. Zudem liefert Quirke ein Finale ab, das für Gesprächsstioff sorgen dürfte, entzieht es sich doch auf den ersten Blick einer klaren Aussage, wie die Story um Julia nun ausgeht. Denn was wirklich passiert und was nur im Kopf Julias geschieht - diese Grenze verabschiedet sich im Verlauf der letzten halben Stunden langsam aber stetig. Die Interpretationen, was die Schlussbilder nun genau zu bedeuten haben, werden daher auch vielfältiger sein als bei den meisten Thrillern.
Wer das als Schwäche sieht, für den dürfte Nocturne nicht der richtige FIlm sein, denn der halbe Spaß besteht genau darin, seine eigene Theorie an den gesehenen Bildern auf Korrektheit zu überprüfen. Hat Julia der Karriere wegen einen faustischen Pakt mit dunklen Mächten geschlossen? Oder ist die junge Frau schlicht dabei, in den Wahnsinn abzugleiten? Oder geschieht etwas ganz anderes? Die Reflektionen um Kunst und Künstler und welchen Preis der Erfolg fordert, sind in jedem Fall sehenswert, wie auch immer man es versteht. Einen großen Anteil an dieser Faszination hat Hauptdarstellerin Sydney Sweeney, die hier stark an Natalie Portmans Figur aus Black Swan erinnert, wenn auch nicht optisch.
Als unscheinbares Entlein, dass sich zumindest innerlich zum kämpferischen bis rücksichtlosen Schwan mausert, liefert Sweeney eine tolle Vorstellung ab. Gegen diese One-Woman-Show haben allerdings alle anderen Figuren keine große Chance sich zu profilieren. Wenn man Quirke etwas vorwerfen möchte, dann sind es die wenig spannenden Nebenfiguren der Handlung. Das schmälert den guten Eindruck des Films aber nur wenig. Nocturne ist ein interessanter Thriller, der nicht von der Stange kommt, sondern schnell eine eigene Note entwickelt, die Fans von spannenden Thrillern sicher anklingen wird.


<img src="/api/static/67f6b3ed208ed049bd8fcc8903fdf086.png" alt="Nocturne" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Fazit:</h2>
Das Debüt von Zu Quirke als Drehbuch-Autorin und Regisseurin eines langen Spielfilms ist geglückt. Mit Mut zu Lücken erzählt sie die Story der Künstlerin, die für Ruhm vielleicht ihre Seele oder ihren Verstand verkauft, immer spannend und düster, auch wenn hier nur wenig Horror zu holen ist. Spannend und auf eine spröde Art faszinierend ist Nocturne aber allemal, zudem spielt Hauptdarstellerin Sydney Sweeney auch noch richtig gut. Wer etwas abseitige Filme mag, die nicht alle Fragen einfach beantworten, sondern absichtlich Platz für die eigenen Ideen und Gedanken lassen, ist hier genau richtig. Wer sich lieber berieseln lässt, während er nebenbei auf das Smartphone schaut, wird hier aber nicht glücklich.

Nocturne

Nocturne: Amazon Primes dritter Blumhouse-Horror

Spuk in Hill House gehört zum Besten, was Netflix in Sachen Horror zu bieten hat. Wie schlägt sich die Nachfolge-Serie Spuk in Bly Manor?

Mike Flanagan erarbeitet sich seit knapp zehn Jahren immer mehr den Ruf als neuer Meister des Horrors. Mit seinen Filmen wie Absentia, Oculus, Hush oder Das Spiel (letztgenannte auch für Netflix) konnte der Amerikaner ebenso überzeugen wie mit Spuk in Hill House, der vielleicht besten Horror-Serie der vergangenen Jahre. Und zuletzt zog er sich sogar bei der eigentlich unmöglichen Aufgabe, Kings Romanfortsetzung und Kubricks Film in Doctor Sleep unter einen Hut zu bringen, zumindest achtbar aus der Affäre. Was hat Flanagan, der all seine Arbeiten nicht nur inszeniert, sondern auch schreibt und schneidet, jetzt aus Henry James' Gothic-Novel-Klassiker The Turn of the Screw gemacht?
<h2>Die Handlung</h2>
Die junge Amerikanerin Dani (Victoria Pedretti) bewirbt sich bei dem englischen Geschäftsmann Henry (Henry Thomas) in London um einen Job als Kindermädchen und Lehrerin für seine Nichte und seinen Neffen, die auf dem Land in einem alten Herrenhaus leben. Zuerst scheint Henry sie nicht zu mögen, doch als sie sich zufällig in einem Pub in der Nähe treffen und ins Gespräche kommen, gibt der verschroben wirkende Mann den Job. Wenig später wird sie von Owen (Rahul Kohli), dem Koch des Anwesens, abgeholt und nach Bly Manor gefahren. Dort lernt sie neben den Kindern Flora (Amelie Bea Smith) und Miles (Benjamin Evan Ainsworth) auch die Haushälterin Hannah (T'Nia MIller), Gärtnerin und die Gärtnerin Jamie (Amelia Eve) kennen.
Schon von Beginn an erscheinen Dani die Kinder ein wenig seltsam. Zuerst glaubt sie daran, dass die Kinder noch immer den Verlust ihrer Eltern verarbeiten, doch bal erfährt sie beunruhigende, andere Dinge. So hat sich ihre Vorgängerin als Kindermädchen, eine junge Juristin namens Rebecca (Tahira Sharif), im nahegelegenen kleinen See das Leben genommen. Denn ihr Liebhaber Peter (Oliver Jackson-Cohen), einst Chauffeur des Haushaltes, hatte Henry bestohlen und sich dann davongemacht, was Rebecca offenbar nicht verkraftet hat. Aber warum wollen die Kinder auf keinen Fall, dass Dani nachts allein im Haus umherstreicht? Und wer ist der Mann, den außer Dani niemand zu sehen scheint?


<img src="/api/static/3fb2d923accff24a162992c20fdfe302.png" alt="Spuk in Bly Manor" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Keine Nacherzählung des Romans</h2>
The Turn of the Screw von Henry James wurde bereits mehrfach adaptiert, die bekannteste Version dürfte noch immer Schloss des Schreckens von 1961 sein, in dem Deborah Kerr die Hauptrolle spielte. Für seine Version des berühmten Stoffes benutzt Flanagan zwar die Grundstory der Novelle, ändert aber vieles ab oder erfindet ganze Erzählstränge komplett neu. Somit ist Spuk in Bly Manor auch für Zuschauer interessant, die den Roman bereits kennen. Wer sich allerdings auf Flanagans zweite Spuk-Staffel wegen des Horrors gefreut hat, den der Regisseur in Hill House meisterhaft verbreitete, wird hier möglicherweise enttäuscht: Bly Manor entpuppt sich als deutlich harmloser und weniger gruselig als der Vorgänger.
Zwar arbeitet Flanagan hier mit ähnlichen Ideen und macht vieles von dem Grauen, das er erzählt, an dramatischen und hochemotionalen Ereignissen fest, aber den Level, den er beim Sezieren der dysfunktionalen Familie aus Hill House an den Tag legte, erreicht er hier nicht wieder. Während er bei allen zehn Folgen von Hill House Regie führte und drei Episoden selbst schrieb, inszenierte und schrieb er für Bly Manor nur die erste Folge - und das merkt man der Serie auch an. Oft kopieren die anderen Regisseure der zweiten Staffel zwar Flanagans Inszenierungs-Ideen, sind aber nicht so virtuos im Umgang mit dem Schrecken wie Flanagan selbst. So dauert es bis zum ersten echten Schock-Moment bis Folge 5.


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<h2>Mehr Drama als Horror</h2>
Immerhin ist das so etwas wie ein Startschuss für Horrorfans, denn die bis dahin eher behäbige Serie gibt ab diesem Zeitpunkt in Sachen Horror ein wenig mehr Gas. Die Intensität und Dunkelheit, die Hill House verströmte, erreicht Bly Manor aber nie. Dennoch wäre es unfair, von einer schlechten Serie zu sprechen, dazu ist sie zu gut geschrieben und gespielt. Nur ist eben die gesamte Story nicht so packend, ziehen sich manche Handlungsstränge trotz der Verkürzung von zehn auf neun Folgen zu lange hin. Zudem fehlen die ganzen großen Twists, die Flanagan in Hill House noch meisterhaft in die Handlung packte. Was in Bly Manor überraschen soll, dürften aufmerksame Zuschauer schon etliche Folgen früher durchschaut haben.
Tatsächlich erinnert Spuk in Bly Manor in einigen Momenten an AHS Murder House, liefert aber im Gegensatz zum Auftakt der Ryan Murphy-Serie eine Erklärung für die Vorkommnisse im Haus. Außerdem gelingt es Flanagan erneut, ein bittersüßes Ende für seine Story zu finden, das durchaus nachwirkt und durch die Klammer einer Erzählerin, mit der die Serie beginnt und endet, eine besondere Note erhält. Staffel 2 der Anthologie-Serie zeigt auch, warum Mike Flanagan immer wieder mit den gleichen Schauspielern arbeitet. Denn die Qualität, die er vor allem aus seinen Spuk-erfahrenen Darstellern herausholt, ist absolut sehenswert.&nbsp;
Henry Thomas, Victoria Pedretti und Oliver Jackson-Cohen sind in ihrem Hauptrollen immer überzeugend und Carlo Gugino und Flanagan-Gattin Kate Siegel glänzen in wichtigen Nebenrollen. Allerdings sind auch die neuen Gesichter in der Serie beeindruckend. Vor allem Benjamin Evan Ainsworth als unheimliches Kind und T'Nia Miller als Hausdame haben etliche starke Szenen zu bieten. Und so ist es auch keine Frage, dass die Spuk-Serie bei Netflix gern weitergehen dürfte. Nur sollte Mike Flanagan dann vielleicht wieder so stark involviert sein wie bei Hill House. Das allerdings ist angesichts seines vollen Terminkalenders leider eher unwahrscheinlich.


<img src="/api/static/7bd6383d9f0bfd95586893959dec8969.png" alt="Spuk in Bly Manor" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Fazit:</h2>
Ganz so gut wie der grandiose Spuk in Hill House ist Spuk in Bly Manor nicht ausgefallen. Zumindest Horrorfans kommen in der deutlich zahmeren Story um Liebe und Tod nicht so auf ihre Kosten wie zuvor. Dennoch gehört auch die zweite Staffel zu den besseren Serien beim Streaming-Dienst und überzeugt mit tollen Schauspielern, guten Drehbüchern und einer spannenden Story, wenn auch die erste Hälfte deutlich schwächer ist als die zweite. Wer mit atmosphärischem Grusel mehr anfangen kann als mit Blutbädern, wird hier immer noch gut bedient.

Spuk in Bly Manor

Spuk in Bly Manor: Neues Horror-Highlight auf Netflix?

Mit Train to Busan glückte dem koreanischen Regisseur Yeon sang-ho ein weltweiter Hit. Nun kommt die Fortsetzung Peninsula - wie gut ist sie?

Vor Train to Busan war Korea Cineasten zwar durchaus schon als interessantes Filmland bekannt, für Zombie-Fans aber weitegehend ein weißer Fleck auf der Landkarte. Doch der nur etwa 9 Millionen Dollar teure Film spielte allein im Kino weltweit knapp 100 Millionen ein - und wurde bei Fans und Kritikern gleichermaßen gefeiert. KeinWunder also, dass sich Yeon sang-ho vier Jahre Zeit ließ, bis er eine Fortsetzung drehte. Wobei Fortsetzung den Kern von Peninsula auch nicht trifft, es ist eher ein weiterer Film, der im gleichen Universum spielt wie Train to Busan. Ist er auch genauso gut?
<h2>Die Handlung</h2>
Nach einem tragischen Vorfall bei Ausbruch der Zombie-Seuche hat der Soldat Jung-seok (Gang Dong-won) alles verloren, was ihm wichtig war. Vier Jahre später arbeitet ein noch immer von Schuld zerfressener Jung als Söldner für die Hongkong-Mafia und bekommt gemeinsam mit seinem Schwager Chul-min (Kim Do-joon) einen offenbar selbstmörderischen Auftrag. Gemeinsam mit zwei anderen Spezialisten sollen sie in eine koreanische Großstadt eindringen, die längst als für die Menschheit verloren gilt. Dort steht auf einem Highway ein prall gefüllter Geldlaster, den das Quartett bergen soll, um danach mit einer immensen Belohnung ein gutes Leben zu führen.&nbsp;
Zu Beginn der Unternehmung scheint alles tatsächlich so einfach zu sein, wie die Auftraggeber behauptet haben. Doch die Stadt ist nicht nur von zigtausenden Zombies bevölkert, die gnadenlos alles Lebendige jagen. Es gibt auch andere Überlebende in verschiedenen Lagern, in dessen Kämpfe Jung und Chul geraten. So wird aus der Bergungsaktion für die Mafia bald nur noch ein Kampf ums Überleben. Denn bald stellt sich heraus, dass die Untoten nicht die einzigen Monster sind, die in der Stadt umherstreunern...&nbsp;

Peninsula

Zombie-Schocker aus Korea: Peninsula

<h2>Mehr Action als Horror</h2>
Mit Train to Busan und dem animierten Prequel Seoul Station hat Yeon Sang-ho in der Horrorgemeinde wirklich Furore gemacht. Das hatte aber auch zur Folge, dass die Erwartungen an eine Fortsetzung immens waren. Ob der Druck zu sehr auf dem Regisseur und Autor lastete, lässt sich nur vermuten. In jedem Fall präsentiert er mit Peninsula eine handwerklich solide Arbeit, die allerdings deutlich konventioneller und unorigieneller geraten ist als der Höllentrip mit dem Zug. Hier finden sich viele Versatzstücke aus früheren Zombiefilmen, unter anderem lässt sich Sang-ho ausgiebig von George A. Romeros Day of the Dead und Land of the Dead inspirieren, wenn er verrohte Soldaten als Antagonisten einführt.&nbsp;
Statt aber eine Handvoll Überlebender gegen Horden von Zombies kämpfen zu lassen, nutzt er diesmal die Untoten eher als Staffage und nützliches Spannungs-Element, stellt aber die menschlichen Charaktere viel stärker in den Fokus und erzählt einen wilden Mix aus Heist-Movie und Gangster-Drama. Und dreht in schicken Bildern eher einen Actionfilm mit Zombies als einen echten Horrorstreifen. Hier zeigt sich, dass Sang-ho als Regisseur überzeugen kann, denn seine furiosen Autoverfolgungsjagden durch die Stadt müssen kaum einen Vergleich zu Hollywood-Blockbustern scheuen. Als Drehbuch-Autor hat er hingegen noch Luft nach oben, denn inhaltlich machen die toll anzusehenden Szenen oft nur wenig Sinn.
<h2>Gute Optik, wenig dahinter</h2>
Und während in Train to Busan der Kampf eines Vaters um das Leben seiner Tochter wirklich zu Herzen ging, sorgt in Peninsula ein Mädchen, das mit der Qualität eines Rallye-Weltmeisters durch die Straßen brettert, eher für ungläubiges Staunen als emotionale Anteilnahme. Sang-ho tappt mit seinem zweiten Ausflug ins zombieversuchte Korea leider in eine Style-over-Substance-Falle und präsentiert seine vorherhsehbare Story zwar in edlem Look, aber ohne echte Spannung. Dazu sorgt das typisch asiatische Over-Acting für Neulinge im Asia-Horrorkino noch zusätzlich für Irritationen.
Ein zentrales Thema des ersten Films wiederholt Sang-ho dann aber doch: die Familie. Er zeigt Jung, der seine zu Beginn verliert, als entwurzelten Charakter ohne Halt. Und die Überlebenden-Familie in der Stadt trotz ständiger Lebensgefahr als intakte Einheit gegen jede Bedrohung. Eine Botschaft, auf die selbst Walt Disney sich wohl hätte einlassen können. Lieder verzichtet der Regisseur auf weitere Seitenhiebe aud gesellschaftliche Themen, wie dasbei den besten Zombiefilmen bisher stets der Fall war. Sang-hos Actionpaket hat über das Offenichtliche hinaus nichts zu sagen.&nbsp;
Wem Optik reicht, der kommt in Peninsula allerdings schon auf seine Kosten. Das Zombie Make-Up hält allen Vergleichen stand, die zum Teil computeranimierten untoten Massen machen einiges her und der farbentsättigte Look des Films hat ebenfalls einen ganz eigenen Charme. Und so ist Peninsula dann auch kein schlechter Film - nur eben nicht so gut wie der Vorgänger.
<h2>Fazit:</h2>
Action statt Emotionen, so lässt sich der Unterschied zwischen Train to Busan und der Quasi-Fortsetzung Peninsula zusammenfassen. Yeon Sang-hos neuer Film ist teurer, opulenter und voller edler gefilmter Actionsequenzen, geht aber lange nicht so zu Herzen wie der erste Film aus dem zombieversuchten Korea. Wer mit einem gut aussehenden, aber recht vorhersehbaren Film zufrieden ist, wird dennoch seinen Spaß haben. Die selbst hoch gehängte Messlatte seines ersten Zombie-Films erreicht der Regisseur und Drehbuchautor aber nicht.
Peninsula startet am 8. Oktober 2020 in den deutschen Kinos.

Vor Train to Busan war Korea Cineasten zwar durchaus schon als interessantes Filmland bekannt, für Zombie-Fans aber weitegehend ein weißer Fleck auf der Landkarte. Doch der nur etwa 9 Millionen Dollar teure Film spielte allein im Kino weltweit knapp 100 Millionen ein - und wurde bei Fans und Kritikern gleichermaßen gefeiert. Kein Wunder also, dass sich Yeon sang-ho vier Jahre Zeit ließ, bis er eine Fortsetzung drehte. Wobei Fortsetzung den Kern von Peninsula auch nicht trifft, es ist eher ein weiterer Film, der im gleichen Universum spielt wie Train to Busan. Ist er auch genauso gut?

<div style="text-align:left;"><img src="/api/static/5437f55ca0a8a3479e2dae2971a6c861.png" alt="Peninsula" style="height: auto;width: auto"/></div>

<h2>Die Handlung</h2>
Nach einem tragischen Vorfall bei Ausbruch der Zombie-Seuche hat der Soldat Jung-seok (Gang Dong-won) alles verloren, was ihm wichtig war. Vier Jahre später arbeitet ein noch immer von Schuld zerfressener Jung als Söldner für die Hongkong-Mafia und bekommt gemeinsam mit seinem Schwager Chul-min (Kim Do-joon) einen offenbar selbstmörderischen Auftrag. Gemeinsam mit zwei anderen Spezialisten sollen sie in eine koreanische Großstadt eindringen, die längst als für die Menschheit verloren gilt. Dort steht auf einem Highway ein prall gefüllter Geldlaster, den das Quartett bergen soll, um danach mit einer immensen Belohnung ein gutes Leben zu führen.&nbsp;
Zu Beginn der Unternehmung scheint alles tatsächlich so einfach zu sein, wie die Auftraggeber behauptet haben. Doch die Stadt ist nicht nur von zigtausenden Zombies bevölkert, die gnadenlos alles Lebendige jagen. Es gibt auch andere Überlebende in verschiedenen Lagern, in dessen Kämpfe Jung und Chul geraten. So wird aus der Bergungsaktion für die Mafia bald nur noch ein Kampf ums Überleben. Denn bald stellt sich heraus, dass die Untoten nicht die einzigen Monster sind, die in der Stadt umherstreunern...&nbsp;

Fortnite hat die Gamer-Welt und Jugendkultur im Sturm erobert. Doch wie funktioniert das farbenfrohe Actionspiel - und was macht es so erfolgreich?

Seit 2018 ist dieser Titel nicht mehr von YouTube, Twitch und Schulhof wegzudenken: Mit einem motivierenden Spielprinzip, coolen Charakteren und jeder Menge Individualität hat "Fortnite" die Gamer-Welt im Sturm erobert und ist Teil der Jugendkultur geworden. Doch wie funktioniert das farbenfrohe Actionspiel, welche Details lohnt es sich zu kennen und was macht es so erfolgreich?&nbsp;


<img src="/api/static/44ed5edf7a37cf397c0836e0d2f652f9.png" alt="Landung auf der Fortnite-Insel" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Einer gegen alle&nbsp;</h2>
Einer der aktuell vier zentralen Modi von Fortnite hat das Spiel berühmt und beliebt gemacht und ist immer noch die bevorzugte Spielvariante: Battle Royale. Der Begriff stammt von einem japanischen Kultfilm aus dem Jahr 2000 und bezeichnet in der modernen Gaming-Welt ein Genre, bei dem es darum geht, die anderen Mitspieler auszuschalten und solange wie möglich zu überleben.&nbsp;
In Fortnite sind es jeweils hundert Spieler, die in das Battle Royale starten: Sie springen aus einem fliegenden Bus über einer Insel mit Seen, Wäldern, Bergen und Siedlungen ab, schnappen sich in der Umgebung verborgene Waffen und bekämpfen ihre Gegner. Die Insel ist groß und sie bietet zahllose Verstecke: Um die Spieler zur Konfrontation zu zwingen, braut sich an den Rändern der Spielumgebung ein todbringender Sturm zusammen, dessen Auge im Lauf der Zeit immer kleiner wird - irgendwann kann sich niemand mehr der Entscheidungsschlacht entziehen.&nbsp;

<img src="/api/static/e3791b52dfae3e8bdbb8a63f020475fe.png" alt="Bei Forntite Battle Royale geht's einer gegen alle" style="height: auto;width: auto"/>
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<h2>Sammler und Jäger&nbsp;</h2>
Neben dem Aufstöbern effektiver Waffen und diverser Hilfsmittel wie Heil- und Schildtränken nutzen die Spieler die Zeit, in der sie gerade nicht in Feuergefechte verwickelt sind, mit dem Sammeln von Materialien: Mittels Spitzhacke werden Inselbauten zu Holz, Stein und Metall zerlegt, die Ressourcen dienen anschließend zur Errichtung eigener Strukturen zum Schutz der Spielfigur oder zur Überwindung von Hindernissen. Wegen der Verunstaltung des Schauplatzes muss man sich übrigens keinen Kopf machen: Ist der Sieger gekürt, beginnt die nächste Runde auf einer frischen Insel. Doch Fortnite ist nicht nur was für Einzelkämpfer: Das Battle Royale kann auch in Teams bestritten werden, zudem gibt es drei weitere Spielvarianten, die am besten gemeinsam bestritten werden: Party Royale, der Kreativmodus und "Rettet die Welt". Bei der Party Royale entspannt man mit seinen Freunden auf einer friedlichen Insel und bestreitet dort beispielsweise einen Hindernisparcours. Im Kreativmodus lassen sich auf eigenen Inseln eigenhändig Spielvarianten entwerfen (und die der Community ausprobieren).&nbsp;&nbsp;
"Rette die Welt" ist schließlich das ursprüngliche Spielprinzip von Fortnite, bevor das Battle Royale den Titel so beliebt machte: In einer Mischung aus Action, Bauen und Strategie werden hier solo oder mit Freunden immer neue Monsterhorden in Schach gehalten. Im Gegensatz zu allen anderen Fortnite-Gratis-Modi muss diese Spielvariante für Geld freigeschaltet werden. Zudem ist sie nicht in der Version des Spiels für Nintendo Switch enthalten.&nbsp;
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<img src="/api/static/2afe7bda6cc8307edf2d8b1ca88059fe.png" alt="Wer stirbt, kann den Fortnite-Überlebenden beim Spielen zusehen" style="height: auto;width: auto"/>
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<h2>Fast überall zuhause&nbsp;</h2>
Neben der Switch beehrt Fortnite so gut wie jede weitere aktuelle Plattform: Das Spiel gibt es als kostenlosen Download für PC, Xbox One, PS4 und Android-Geräte, Umsetzungen für PS5 und Xbox Series X sind angekündigt. Auch auf iPhones und iPads lässt sich Fortnite spielen - wenn es sich bereits auf diesen Geräten befindet. Ein Disput zwischen dem Fortnite-Hersteller Epic Games und Apple hat dafür gesorgt, dass die App momentan nicht im Store erhältlich ist.&nbsp;&nbsp;
Obwohl Fortnite problemlos ohne Geldausgabe gespielt werden kann (was einen Teil seiner Beliebtheit ausmacht), verdient der Hersteller monatlich viele Millionen von Dollar damit. Das Zauberwort heißt Mikrotransaktionen - digitale Verkäufe über einen Shop im Spiel. Dort gibt es neben einem "Battle Pass", der immer neue Belohnungen für fleißiges Spielen verspricht, vielerlei kosmetische Gegenstände zu kaufen, deren Angebot sich stetig ändert: Outfits für die Spielfiguren, Lackierungen für Waffen oder Jubeltänze. Manche davon haben es in den Alltag geschafft, so wie der "Zahnseide"-Tanz, bei dem sich der Tänzer hüftwackelnd ein unsichtbares Handtuch zwischen den Beinen hindurchzieht.&nbsp;

<img src="/api/static/76fdcbd2b2e8bff59b94291dd99c96ed.png" alt="Geld muss in Fornite nicht ausgegeben werden. Kann aber, in Mengen." style="height: auto;width: auto"/>

Die zahllosen Kostüme und Emotes, die vielfach an der Popkultur angelehnt sind, tragen zur großen Popularität des Spiels erheblich bei - sorgen aber auch für Kritik: Durch ihr zeitlich begrenztes Angebot wird ein gewisser psychischer Druck auf die oft jungen Spieler ausgeübt, bares Geld dafür auszugeben, statt sich langsam die dafür notwendige Währung im Spiel zu erarbeiten. Wer sich aber von solchen Mechanismen nicht beeindrucken lässt, erlebt mit Fortnite einen fröhlichen Multiplayer-Spaß, der von den Entwicklern durch immer neue thematische Schwerpunkte, Insellayouts und Optiken frisch gehalten wird.&nbsp;&nbsp;

Fortnite

Alles über Fortnite: Was Battle Royale mit Zahnseide zu tun hat

Mit Hubie Halloween kehrt Sandler nach Ausflügen ins ernste Fach wieder zu seiner Paraderolle zurück - dem Vollidioten. Ist das lustig?

Seit Adam Sandler einen langfristigen Vertrag mit Netflix abgeschlossen hat, dreht der Komiker im Jahrestakt Filme ab. Die Ergebnisse sind dabei höchst unterschiedlich. So wechselten sich echte Gurken wie Die lächerlichen Sechs mit von Kritikern geschätzten Werken wie Die Meyerowitz-Stories oder Der schwarze Diamant ab. Wenn es um ernstere Rollen geht, kann Sandler offenbar durchaus überzeugen, dennoch zieht es ihn immer wieder in die gleiche Rolle zurück - die des Dorftrottels, der von niemandem gemocht wird und doch stets sein Bestes gibt. Ob dahinter möglicherweise ein persönlicher Antrieb steckt, wird nur sein Therapeut wissen, fürs Publikum ohnehin wichtiger: Braucht man das?
<h2>Die Handlung</h2>
Hubie Dubois (Adam Sandler) ist schon seit Kindertagen in Salem der Trottel vom Dienst. Niemand kann ihn leiden, lediglich seine Mum (June Squibb) und sein Jugendschwarm Violet (Julie Bowen, Modern Family) sind nett zu ihm. Der Rest der Stadt macht sich über den schüchternen, aber herzensguten Kerl lustig. Dennoch zieht Hubie jedes Jahr aus, um während der Halloween-Feierlichkeiten in Salem, der Hochburg des Brauches in den USA, für Sicherheit zu sorgen. Und das, obwohl er damit nicht nur Officer Steve (Kevin James) furchtbar auf die Nerven fällt. In seinen Bemühungen, jede Gefahr zu melden, schießt Hubie einfach regelmäßig übers Ziel hinaus.
Dieses Jahr ist es ganz besonders hart. Da ist zum einen der neue Nachbar Walter (Steve Buscemi), der sich offenbar in Vollmondnächten in etwas Nichtmenschliches verwandelt. Dazu meldet die nahe Nervenklinik den Ausbruch eines Patienten, der aus Salem stammt. Und schließlich scheinen während der Halloween-Aktionen auch noch regelmäßig Menschen zu verschwinden, die Hubie allesamt gut kennt. Doch seinen wilden Theorien will natürlich niemand glauben. Also muss der selbst ernannte Sicherheitsbeauftragte für Halloween die Sache selbst in die Hand nehmen und nach den entführten Bürgern Ausschau halten ...


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<h2>Sandler, der Polarisierer</h2>
An Komiker Adam Sandler scheiden sich schon seit Jahrzehnten die Geister. Während die Kritiker seine Komödien regelmäßig in der Luft zerreißen - außer, Drew Barrymore spielt mit - konnte er in den vergangenen Jahren mit ernsteren Rollen durchaus überzeugen, schrammte für Der schwarze Diamant sogar halbwegs dicht an einer Oscar-Nominierung vorbei und gewann einige kleinere FIlmpreise für die Rolle. Man muss dem polarisierenden Comedian also zumindest ein gewisses schauspielerisches Talent zusprechen. Die Frage, die sich dann natürlich aufdrängt, ist klar: Warum nutzt er das nicht häufiger? Eine Antwort darauf finden in Hubie Halloween definitiv nur beinharte Fans.
Denn sein neuester Film schart nicht nur jede Menge Stars um Sandler herum, die ihn schon seit Kindsköpfe regelmäßig begleiten, wie Kevin James, Maya Rudolph, Steve Buscemi, Rob Schneider, Tim Meadows und andere, er ist wohl nach Die lächerlichen Sechs auch der bisher schwächste von allen. Hatte Murder Mystery noch einen gewissen Witz und punktete als Agatha Christie-Parodie auch mit der Anwesenheit von Jennifer Aniston, so fällt er in Hubie Halloween wieder auf das Niveau von Waterboy zurück und gibt den harmlosen, gutherzigen aber dennoch extrem nervtötenden Idioten. Diese Masche hat ihre Fans. Wer Sandler aber deshalb nicht mag, wendet sich auch hier mit Grausen ab.
<h2>Wenig gute Gags, viel Leerlauf</h2>
Eine Totalkatastrophe wird von Regisseur Steve Brill, ebenfalls ein regelmäßiger Weggefährte Sandlers, nur dadurch verhindert, dass einige Running-Gags tatsächlich lustig sind. So hat Hubies Mum sehr günstig eine ganze Wagenladung T-Shirts ergattert, die sie im Film stündlich wechselt - und die allesamt höchst schlüpfrige Sprüche als Aufdrucke verkünden. In jeder neuen Szene mir ihr gibt es ein neues Shirt - und ein paar davon sind wirklich witzig. Ebenso wie die Tatsache, dass Hubie beim Radfahren regelmäßig von allen Seiten mit Gegenständen beworfen wird, die im Verlauf des Films immer skurriler werden. Auch der Running Gag ist nicht ohne Charme, ebenso wie Hubies spektakuläre vielseitige Thermonskanne. Aber dann wird es schon dünn.


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Denn die Flut an Pipi-Kaka-Kotzwitzen spricht nur ein bestimmtes Publikum an, der Rest dürfte darüber nur wenig lachen. Und sonst hat Hubie Halloween eigentlich nichts zu bieten. Wenn man von den wirklich liebevoll gemachten Kulissen einmal absieht. Denn so viel Gespenster und Hexen waren womöglich noch nie in einem Film zu sehen. Hier haben sich die Ausstatter richtig ausgetobt und eine hübsche kleine Halloween-Metropole auf den Bildschirm gezaubert. Aber was nutzt die schönste Umgebung, wenn die auftretenden Figuren keinerlei Profil haben?
Das von Sandler und Tim Herlihy stammende Drehbuch lässt außer Hubie keinen anderen Charakter mehr sein als einen bloßen Stichwortgeber für einen in der Regel schlechten Gag für Sandler selbst. Das macht den Film nicht nur sehr vorhersehbar, sondern auch recht eintönig. Denn das erschreckte Dauerschreien Sandlers, wenn sein Hubie wieder einmal einem Streich auf den Leim gegangen ist, ist wirklich nicht abendfüllend.&nbsp;
<h2>Fazit:</h2>
Hubie Halloween gehört nach dem herausragenden Der schwarze Diamant leider wieder zu den typischen schwachen Komödien, mit denen der Komiker zuerst Hollywood und seit einigen Jahren Netflix-Zuschauer bombardiert. Und hatten Die Woche und Murder Mystery noch hin und wieder ein wenig Charme, ist Sandlers neuester Streich leider nur selten komisch und die meiste Zeit nervtötend. Lediglich Fans genau dieses Humors dürfen sich auf einen weiteren Sandler-Film freuen. Dass Hubie Halloween aber nicht die Klasse von Eine Hochzeit zum Verlieben oder 50 erste Dates hat, dürfte auch ihnen auffallen.


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Hubie Halloween

Neuer Adam Sandler-Film: Hubie Halloween

Metalbands kleckern nicht beim Merchandise, sie klotzen: Von Bier über Rum bis hin zu Sexspielzeug und Särgen – die Auswahl ist gigantisch!

Heavy Metal ist mehr als bloß eine Musikrichtung – für Millionen von Fans ist Metal eine Lebenseinstellung. Kein Wunder, dass sich Metalbands daher in Sachen Merchandise schon längst weit über die klassischen T-Shirts, Aufnäher und Flaggen mit dem Bandlogo hinaus bewegt haben.

Wir von 'spiele.de' haben uns den Kaninchenbau hinunter gewagt und stellen euch hier eine kleine Auswahl an außergewöhnlichen Metal-Fanprodukten vor. Wir wollen erfrischend beginnen – mit einer Reihe von Bieren …

<img src="/api/static/09856dbc8f81a8f81cdc9c10b6974716.png" alt="© Iron Maiden / Robinson Brewery" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Iron-Maiden-Bräu trinken, Gutes tun</h2>
Die britischen Rock- und Metal-Legenden von Iron Maiden sind seit 1975 nicht mehr aus dem Geschäft zu denken – und sie haben ihr Maskottchen Eddie bereits auf unzählige Produkte gedruckt. Seit einigen Jahren ist rund um Iron Maiden und Eddie auch eine ganze Reihe an Bieren entstanden, deren Auswahl unregelmäßig rotiert. Derzeit bietet die in ihren Songs unter anderem auf „Predator“, „Braveheart“ und „Apocalypse Now“ anspielende Band beispielsweise ein Golden Ale an, das als „Iron Maiden Light Brigade“ vermarktet wird.

Mit diesem von Sänger Bruce Dickinson und dem Braumeister Martyn Weeks der Robinson Brewery entwickelten Bier tut man zudem Gutes: Light Brigade wurde erschaffen, um der britischen Wohltätigkeitsorganisation Help for Heroes unter die Arme zu greifen, die einen Anteil des Verkaufserlöses erhält. Help for Heroes setzt sich für Veteranen und deren Hinterbliebene ein, um sie bei ihrem Weg zurück in den Alltag zu unterstützen. Darüber hinaus entwickelte Dickinson zusammen mit der Unicorn Brewery das „Iron Maiden Trooper Beer“, ein Ale, das es sich zum Ziel setzt, süffig, kraftvoll, herb und karamellig zugleich zu sein.

Zudem ist aktuell noch das limitierte „Iron Maiden Trooper Red N Black Porter“ erhältlich, das erste Dunkelbier der rockenden Briten. Es ist an ein 170 Jahre altes Rezept der Robinson Brewery angelegt, das speziell für Iron Maiden abgewandelt wurde. Wie der Name des an einen Song vom Album „The Book Of Souls“ angelehnten Porters bereits verrät, ist es ein rot-schwarz schimmerndes Bier. Die Brauerei verspricht als Aromenerlebnis einen Blend aus Schokolade, karamellisiertem Gerstenmalz, Lakritz und Honig.


<img src="/api/static/4a5a1f056efda47773a703638353daf3.png" alt="© Rammstein" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Hochprozentiges von Rammstein</h2>
Auch Rammstein ist in das Alkoholgeschäft eingestiegen und veredelt mit seinem Namen derzeit eine breite Palette an Getränken: Lindemann, Kruspe, Landers, Riedel, Schneider und Flake bieten in ihrem Fanshop ein „zu 100% auf dem Land gebrautes“ Pilsener namens Rammsteiner an, einen trockenen Rotwein-Cuvée (benannt nach dem „Liebe ist für alle da“-Song „Wiener Blut“), einen halbtrockenen Rosé namens „Rosenrot“, der die Aromen von Kirschen, Himbeere und Karamell vereinen soll, sowie Tequila, Rum, Gin und Wodka.

Der Rammstein-Rum ist ein Blend aus Rums aus Guyana, Jamaika und Trinidad, die bis zu zwölf Jahre in Bourbon-Fässern gereift sind, und wirbt damit, dass er ein breites Aromenspektrum bietet – von Früchte, Holz, Rauch sowie Würze bis hin zu einem Hauch Süße. Der Rammstein-Tequila (die bis dato teuerste Spirituose des Neue-Deutsche-Härte-Acts) ist ein in Mexiko abgefüllter Reposado, der aus der Blauen Weberagave gewonnen und „für ein Minimum von acht Monaten in französischen Eichenfässern“ reift. Geschmacklich verkauft sich der Tequila als Brand mit kräftigen Agaven-Noten sowie mit „Aromen konservierter Früchte, von Vanille und Karamell.“

Der in drei verschiedenen Designs angebotene Rammstein-Wodka derweil wird in Berlin aus deutschem Weizen gewonnen, mehrfach destilliert, und versteht sich trotz des Namens „Feuer und Wasser" (ein „Rosenrot“-Song lässt grüßen) als sehr sanfter Vertreter seiner Gattung. Ebenso positioniert sich der Rammstein Gin als vergleichsweise milder Dry Gin. Beschrieben wird er als „eine lebendige Mischung aus Botanicals wie Wacholder, Koriander, Angelikawurzel und Zitronenschale“.


<img src="/api/static/838ba7f8b51fb0dc61385f150a40229b.png" alt="© Motörhead" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Wein ohne Ende</h2>
Obwohl das Klischeegetränk zum Heavy Metal eine Pulle oder Dose Bier ist, haben sich bereits zahlreiche Bands zum „Konkurrenten“ Wein bekannt. Neben den bereits erwähnten Weinen von Rammstein gibt es beispielsweise zwei Weine von Motörhead. Deren Entstehungsgeschichte ist denkbar simpel: Sänger Lemmy hat sich 2010 bei einem Glas Rotwein die Idee in den Kopf gesetzt, einen eigenen Wein zu entwickeln, der sich ganz seinen Vorlieben fügt. Noch im selben Jahr entschied er sich für die Rebsorte Shiraz aus dem südaustralischen Anbaugebiet Hunter Valley fündig.

Der Motörhead-Rotwein weist auf Band-Anweisungen hin „ein sehr fruchtiges Aroma mit Noten von Vanille, Brombeeren, Pflaumen, Eukalyptus und Lakritze auf“, der aus derselben Rebsorte gewonnene Motörhead-Rosé kommt nach Angaben der Hersteller derweil mit „einem fruchtigen Aroma und Geschmacksnoten von Vanille, Brombeeren, Pflaumen, Eukalyptus, Lakritze und sehr weichem Tannin“ daher.

Auch die Band AC/DC lässt ihren Wein (wenig überraschend) in Australien anbauen. Der „Thunderstruck“ ist ein trockener Chardonnay, der von „weißem Pfirsich und Zitrusfrüchten“ geprägt ist. Slayer dagegen hat einen nach ihrem dritten Album „Reign in Blood“ benannten Wein herausgebracht – der ist naheliegenderweise blutrot. Der kalifornische Wein wird aus der Rebsorte Cabernet Sauvignon gekeltert und wird im Handel als kantiges Aufeinandertreffen von schwarzen Beeren und Vanille positioniert.

<img src="/api/static/1952041131a4230ab3584fd59a98b77f.png" alt="© Alestorm" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Zocken mit Metal-Piraten</h2>
Aber es muss ja nicht immer Alkohol sein – auch ohne Umdrehungen gibt es so Einiges an ungewöhnlichem Merch in der Welt des Metals, wie unter anderem Alestorm beweist. Angesichts ihrer Vielzahl an Trinkliedern ist es zwar äußerst überraschend, dass die Metal-Piraten bislang noch keinen Drink auf den Markt gebracht haben, dafür gibt es immerhin bereits einen Flachmann von Alestorm – veröffentlicht wurde der als Teil der Luxusedition des Albums „Sunset on the Golden Age“.

Das Sammlerset zum fünften Alestorm-Album, „No Grave But the Sea“ kam wiederum unter anderem mit einer Flagge, einer Schallplatte mit gebellten Alestorm-Covern (WTF?) und einem Kartenset daher. Dieses Kartenset ist mit allerhand unvorteilhaften Schnappschüssen der Band bedruckt, so dass sich in diesem Kartendeck unter anderem eine wortwörtliche Arschkarte befindet.

Des Weiteren hat Alestorm bereits eine Kollektion an Kilts herausgebracht – was sich ja nicht so ganz ins Piraten-Thema der Rumpelkombo fügt. Doch die Älteren unter uns erinnern sich: Alestorm begann einst als Band, die ihr Genre selbst als True Scottish Pirate Metal bezeichnete. Die Kilts sind so gesehen ein Relikt aus dieser Zeit. Und ein Rückgriff auf eine ganz andere Zeit ist darüber hinaus der im Fahrwasser von „Curse of the Crystal Coconut“, des sechsten Alestorm-Albums, veröffentlichte Nintendo 64 im Alestorm-Look.

Ein weniger rares Kuriosum aus dem schier unendlichen Fundus an Alestorm-Merch sind derweil die Hoodies und Patches, die Darth Vader mit einem Kapitänshut zeigen – die Macht muss stark in den Alestorm-Anwälten sein, dass sie bisher Ärger aus dem Hause Lucasfilm abwenden konnten …


<img src="/api/static/2aa18f09e02e1b39a67c115d527c7f63.png" alt="© Motörhead / Lovehoney" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Vom Kinderwagen über das Schlafzimmer bis zum Grab</h2>
Diese Übersicht über außergewöhnliches Metal-Band-Merchandise ließe sich nahezu unendlich fortführen. Kein Wunder: Wohletablierte Heavy-Metal-Bands genießen üblicherweise die sehr intensive Begeisterung und langjährige Treue ihrer Fans, statt bloß kleine musikalische Strohfeuer darzustellen. Da lohnt es sich halt, das ganze, breite Spektrum der Lebenswelten von Metal-Fans abzudecken. Die 2003 aufgelöste, texanische Metal-Truppe Pantera etwa lizenzierte ihren Namen zu ihrer Blütezeit etwa für einen Kinder-Buggy – inklusive Bierhalter für Mami oder Papi.

Sowohl Slayer als auch Kiss haben es unterdessen schon mit eigens gestalteten Fahrrädern versucht, wohingegen sich Stillbirth im Badezimmer ihrer Fans breit machen wollen und einen eigenen Klodeckel auf den Markt gebracht haben. Sogleich mehrere Bands fühlten sich dagegen offenbar mit der Vorstellung wohler, im Schlafzimmer ihrer Fans zu landen – weshalb es unter anderem Motörhead-Vibratoren gibt sowie ein ganzes Sex-Toy-Set der ein religiöses Motiv verfolgenden Schweden Ghost. Und ein „Liebe ist für alle da“-Fan-Set kam mit Rammstein-Dildos daher.

Die alten Merch-Meister von Kiss schlussendlich sind willens, ihre Fans bis in den Tod zu begleiten und lizenzierten bereits Särge mit Kiss-Motiven. Ob diese Särge „Hotter Than Hell“ sind, bleibt offen …

Metal-Merch: Saufen, daddeln, Liebe machen

Metal-Merch: Saufen, zocken, Liebe machen

Dass Constantin Film die Horror-Reihe rebooten will, ist schön länger bekannt. Nun gibt es erste Infos zum nächsten Resident Evil-Film.

In einer Pressemitteilung stellte Constantin Film das neue Konzept vor, mit dem die Produktionsfirma nach dem Ende der ersten Filmreihe deren Erfolg nach Möglichkeit noch toppen möchte. Regisseur und Drehbuch-Autor des Reboots wird Johannes Roberts sein, der mit seinen beiden 47 Meters Down-Haifilmen zwar nicht jeden Kritiker begeistern konnte, aber für gute Einspielergebnisse sorgte. Und Roberts geht nach eigener Aussage dorthin zurück, wo alles anfing - zu den ersten Spielen.
<h2>Erste Handlungsinfos</h2>
So wird der neue Resident Evil-Film definitiv in Raccoon City spielen, der US-Kleinstadt also, in der auch die ersten drei Spiele der Serie angesiedelt waren. Roberts outet sich als Fan der ersten beide Teile und will die Handlung unbedingt daran anlehnen, sweil er selbst als Kind dort gruselige Stunden beim Spielen verbracht hat. Also wird auch die Spencer Mansion eine Rolle spielen, die Villa, in der das allererste Spiel Gamer den Adrenalinpegel in die Höhe trieb. Roberts weiß aber auch, dass es ohne die richtigen Charaktere nicht geht. Und so liest sich die Namensliste wie ein Who is Who der frühen Games.&nbsp;


<img src="/api/static/bbe10fddbc67d587657285627e7ac1ce.png" alt="Resident Evil" style="height: auto;width: auto"/>

Kaya Scodelario (Crawl) wird Claire Redfield spielen, Hannah John-Kamen (Ant-Man and the Wasp) ist als Jill Valentine zu sehen. Robbie Amell (Upload) spielt Claires Bruder Chris Redfield und Tom Hopper (The Umbrella Academy) schüpft in die Rolle des schurkischen Albert Wesker. Raccoon Citys neuester Cop Leon S. Kennedy wird von Avan Yogia (Zombieland 2) verkörpert und Neal McDonough, bekannt für viele Schurkenrollen wie besipielsweise in der vierten Staffel von Arrow, spielt den Wissenschaftler William Birkin. Fans der Spiele wissen also jetzt, dass es Roberts mit der Umsetzung der ersten Games ernst ist, denn das sind die wichtigsten Figuren aus Resident Evil 1 und 2.
Ein genaues Datum für die Veröffentlichung gibt es noch nicht, Constantin Film will den neuen Film aber im kommenden Jahr weltweit in die Kinos bringen. Da das Casting offenbar bereits abgeschlossen ist und auch ein Drehbuch zumindestin Arbeit ist, könnten die Dreharbeiten noch 2020 beginnen. Somit ist 2021 als Erscheinungsjahr durchaus realistisch.

Resident Evil

Neuer Resident Evil-Film angekündigt!

Mit Cinecane hat Tastillery eine mit Popcorn destillierte Rum-Spirituose auf den Markt gebracht. Aber ist Cinecane denn auch ganz großes Rum-Kino?

Der Saal verdunkelt sich. Auf der großen Leinwand erzeugen 24 Bilder die Sekunde die Illusion von Bewegung. Eine große Geschichte zieht uns in ihren Bann. Währenddessen füllt der Duft von frischem Popcorn den Raum – knackiges, frisches Popcorn, das wir parallel zum Film genüsslich aus einem großen Pappeimer mampfen.
Das Kinoerlebnis – ein Feeling, das in Flaschen abgefüllt den Spirituosenmarkt erobern will. Und zwar in Form des Cinecane Popcorn Rums. Hinter diesem „Cinema“ und „Sugercane“ kollidieren lassenden Namen verbirgt sich ein deutscher Rum Spirited Drink, also ein mit weiteren Zutaten versetzter Rum. Wir von 'spiele.de' haben mit großer Filmliebe im Herzen beim Cinecane Popcorn Rum zugeschlagen und verraten euch, was dahinter steckt und ob er wirklich ganz großes Kino für den Rumgenuss bedeutet.
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<img src="/api/static/a3cf15c0737420dee6636b264f40f627.png" alt="© Tastillery" style="height: auto;width: auto"/>
<h2> Von Gin-Reisen zur Rum-Herstellung</h2>
Der Cinecane Popcorn Rum stammt aus dem Hamburger Unternehmen Tastillery, das 2017 einem Millionenpublikum in der VOX-Erfolgsshow „Die Höhle der Löwen“ vorgestellt wurde. Damals präsentierten die hinter der Firma stehenden Cousins Waldemar und Andreas Wegelin Tastillery noch als klassischen Spirituosen-Shop, der sich jedoch mit speziell zusammengestellten Tasting-Boxen wie einer „Gin-Reise um die Welt“ von der Konkurrenz abheben wollte. Allerdings hielt es Waldemar und Andreas nicht lange im reinen Geschäft mit dem Verkauf von Hochprozentigem aus existierenden Destillerien.&nbsp;
Bereits Ende 2017 setzten sie sich das Ziel, mit Tastillery auch selbst kreierte Produkte anzubieten – und den Anfang sollte entgegen des seit Jahren boomenden Gin-Trends ein Rum sein. Als Inspiration diente ein Longdrink-Rezept aus der Speakeasy-Bibel des New Yorkers Jim Meehan, dessen alles entscheidende Zutat ein aufwändig mit Popcorn-Aromen versetzter Rum ist. Waldemar und Andreas nahmen sich vor, diese mühselig herzustellende Longdrink-Zutat allen Rum-Vernarrten zugänglich zu machen, indem sie eine ab Werk nach Popcorn schmeckende Rum-Spiritouse auf den Markt bringen. Die Grundidee zum Cinecane Popcorn Rum war geboren – und nach anderthalb Jahren der Testläufe fiel dann auch außerhalb der Tastillery-Testküche die erste Klappe für ihn. Und das sogleich in zwei Varianten!


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<h2>Classic oder Gold?</h2>
Tastillery bietet den Cinecane in zwei Varianten an. Zunächst wäre da der Cinecane Classic, eine Rum-Spirituose, deren Grundlage ein ungereifter weißer Rum darstellt. Dieser wird zusammen mit frischem, gebuttertem Popcorn destilliert – und anschließend wird in das Destillat Butter und noch mehr Popcorn zugefügt, was Tastillery als „Fat-Washing“ bezeichnet. Dieses Gemisch wird nach der Mazeration erneut destilliert. Das Ergebnis wird schlussendlich mit seiner Bais, einem dreijährigen Blend von Rums aus Trinidad, Jamaika und Barbados, verschnitten.

Der Cinecane Gold wiederum wird nicht mit einem Blend weißer Rums hergestellt. Hier kommt stattdessen ein Rum aus Barbados zum Einsatz, der bis zu zwölf Jahre in Eichenfässern lagerte. Das macht sich nicht nur im höheren Preis der Gold-Variante bemerkbar, sondern auch geschmacklich: Während der Classic ein spaßig-gimmickhaftes Rum-Gemisch ist, bringt der Cinecane Gold eine komplexere Palette mit sich.&nbsp;


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<h2>Das Classic-Tasting: Popcorn – und was noch?</h2>
Aber genug der Exposition, kommen wir zum eigentlichen Spektakel – zum Tasting der beiden Cinecane-Varianten. Classic macht den Anfang: Der mit einem dezenten Gelbstich daherkommende, aber weitestgehend klare Cinecane Popcorn Rum Classic duftet stark nach Popcorn, doch schon das erste Schnüffeln verrät, dass sich die Tastillery bei ihrem Spirituosendebüt wahrlich bemüht hat. Denn der Geruch von frisch gepoppten Mais wirkt nicht etwa künstlich oder irritierend, sondern versetzt uns gedanklich sofort in ein Kinofoyer. Hinter der Popcorn-Note verbergen sich aber nur noch wenige weitere Noten – wir haben beim 'spiele.de'-Tasting einen Hauch von Zitrus sowie Bergamotte und einen Spritzer Vanille wahrgenommen.
Im Mund überrascht der eine leichte Viskosität an den Tag legende Cinecane Popcorn Rum Classic damit, dass er zwar sehr mild ist, und dennoch neben dem Geschmack fluffig-leichten Popcorns und dem Butter-Beiklang der weiße Rum herauszuschmecken ist. Wie schon in der Nase, bringt der Cinecane Popcorn Rum Classic auf der Zunge kein nennenswert über diese Bestandteile hinausgehendes Spektrum mit – jedoch gilt für diese Rum-Spirituose dasselbe wie für einen zünftigen Blockbuster aus der Gattung des Popcorn-Kinos: Das will er ja auch gar nicht. Es ist ein Popcorn-Rum, er schmeckt nach Popcorn und Rum, beide Dimensionen harmonieren, und gut ist.


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<h2>Das Gold-Tasting: Rundherum edler</h2>
Der Cinecane Popcorn Rum Gold kommt im Direktvergleich mit seinem Classic-Bruder vollauf edler daher. Sei es die etwas schwerere Viskosität des güldlich-rotbraun schimmernden Rums oder die Aromenwelt, die sich erschnüffeln lässt. Erneut dominiert das Popcorn, aber der Geruch ist schwerer und tiefer, so, als stünde man nicht mehr im Foyer, sondern direkt hinter der Snacktheke, wenige Schritte von der Popcorn-Maschine entfernt. Hinzu kommt ein dunkler Beiklang von zähflüssigem Karamell und bereits leicht angebrannter Butter.
Größter Streitpunkt beim 'spiele.de'-Cinecane-Tasting: Schwingt da nicht auch noch Erdnuss mit, so als würde man sich im Saal während der Trailer zusätzlich zum Popcorn einen berühmten Schoko-Karamell-Erdnuss-Riegel reinpfeifen, weil's mal wieder länger dauert? In unserer Cinecane-Testrunde gab es ein euphorisches „Ja! Genau!“, das vom Rest der Runde mit einem „Nein, wie kommst du bitte auf Erdnuss?“ überstimmt wurde – lasst uns gerne wissen, wie ihr entscheidet!
Aber lassen wir die Nase hinter uns und gehen auf das Abenteuer ein, das der Cinecane Popcorn Rum Gold auf die Geschmacksknospen projiziert: Kräftig karamellisiertes, goldbraun schimmerndes Popcorn (im Gegensatz zu den weißen, leichten Popcorn-Flocken des Classics), braun angebratene Butter und eine Spitze von Tropenfrüchten. Der Gold geht die Kehle runter wie Öl, hinterlässt nahezu gar kein alkoholisches Nachbrennen und bleibt dennoch lange nachklingend im Mund. Als wäre es Popcorn-Melasse!


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<h2>Rezeptideen mit den Cinecanes</h2>
Beide Cinecane Rums haben gemeinsam, dass Tastillery sie mit der Absicht kreiert hat, dass sie sowohl pur, als auch auf Eis oder gemischt getrunken werden können. Wir von 'spiele.de' würden dem zustimmen, tendieren nach einer langen Tasting-Session jedoch auch eindeutig dazu, dass der Cinecane Classic gemischt mehr Spaß am Gaumen verursacht als pur. Als Shot für sich stehend reizt sein Popcorn-Gimmick einfach nicht lang genug, während der komplexere, ungewöhnliche Cinecane Gold pur seine volle aromatische Größe entfalten kann und für simple Longdrinks fast zu schade ist. In Cocktails wiederum glänzen sowohl der Classic als auch der Gold.
Doch egal, ob ihr euch für den Classic oder den Gold entscheidet, wir finden: Cinecane bedeutet zugleich „Film ab!“ für eure Mixology-Kreativität. Erschafft euren Geschmacksknospen ein ganz eigenes Rum-Kinoabenteuer, indem ihr eure favorisierten Rum-Klassiker aus den Welten der Longdrinks und der Cocktails mit dem Cinecane abwandelt. Wichtiger 'Spiele.de'-Tipp dahingehend: Haltet immer im Hinterkopf, dass die Cinecanes süßer sind als die meisten drei- und zwölfjährigen Rums. Unseren Mix-Gehversuchen zufolge schadet es also nicht, etwaige andere süße Zutaten des Drinks eurer Wahl zu reduzieren, wenn ihr den „normalen“ Rum gegen den Popcorn-Rum austauscht.
Aber ganz gleich, was ihr macht – lasst euch doch gern von unseren nachfolgenden Ideen inspirieren!
Cinema Highball
Der Longdrink, mit dem alles begann – in seiner ursprünglichen Form von der New Yorker Barkeeper-Größe Jim Meehan erdacht, dient der Cinema Highball in seiner vereinfachten Form nun als der Rezepttipp der Tastillery-Gründer schlechthin, um die Einsatzmöglichkeiten des Cinecane Popcorn Rums vorzuführen.
Was bei Meehan mühevolle, lange Vorarbeit benötigt, um einen Rumdrink mit Popcorn-Aromen anzureichern, braucht in der Tastillery-Variante wenige Handgriffe! Man nehme ein Glas (vorzugsweise ein Highball-Glas), fülle es mit ein paar Eiswürfeln und dann mit 2,5 Teilen Cola auf einem Teil Cinecane Popcorn Rum.&nbsp;
Liebe im Freiluft-Kino
Eine 'Spiele.de'-Erfindung, basierend auf einem Rum-Tropenfrucht-Kokos-Klassiker:

Zutaten:
3,5cl Cinecane Popcorn Rum&nbsp;
3cl Orangensaft
2,5cl Rum-Kokos-Likör (z.B. Malibu oder Batida)
3cl Mangosaft

Zubereitung:
Die Zutaten auf Eis shaken und in ein Cocktailglas gießen.

Blame Canada!
Eine 'Spiele.de'-Erfindung, inspiriert vom „South Park“-Film und einer Rezeptidee von 'whiskeyrowbooks':

Zutaten:
6cl Cinecane Popcorn Rum
1cl Ahornsirup
2 Striche Angostura Bitter

Zubereitung:
Mehrere Eiswürfel und alle Zutaten in ein Mixglas geben und ordentlich rühren, anschließend in einen gekühlten Tumbler abseihen. (Optional das Glas zuvor mit einer Salzkruste versehen.)


<img src="/api/static/52968342ddd4d3a7100a652d27dd0ab3.png" alt="© Tastillery" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Erst der Rum, dann der Likör</h2>
Obschon der Rum-Boom in den vergangenen Jahren dem Gin-Hype gewichen ist, ist Cinecane ein voller Erfolg für Tastillery: Die erste Fuhre war 2019 innerhalb kürzester Zeit vergriffen, seither gibt es ein nahezu stetes Nachziehen zwischen Nachschub und einer wieder einmal überwältigenden Nachfrage.&nbsp;
Da verwundert es nicht, dass Tastillery kürzlich seine Bemühungen im Geschäft mit den eigenen Produkten vergrößert und drei eigene Liköre unter dem Banner „For the Lovers“ kreiert hat – Tastillery beschreibt sein Trio als einen „flotten Dreier“, der „die Stimmung bei jeder Party so richtig“ aufheizt. Geschmacklich reicht dieses Treiben von Haselnuss über Pfirsich hin zu Chili. Ob wir von 'spiele.de' auch in diese bunte Welt absteigen werden? Nun, um ganz im popcornesken Kinojargon zu bleiben und einen Cliffhanger zu kreieren: Das wird sich zeigen …&nbsp;&nbsp;

Cinecane Popcorn Rum: Der Rum-Blockbuster?

Blumhouse bei Amazon Prime, die zweite: Mit The Lie präsentiert der Streaming-Dienst das US-Remake eines deutschen Films von 2015.

Schon 2018 schrieb und inszenierte die kanadische Krimispezialistin Veena Sud, Schöpferin von The Killing, ihre Version des Thrillers Wir Monster des deutschen Autoren-Duos Sebastion Ko und Marcus Seibert. Ihre Version trägt den Titel The Lie, hält sich aber sonst weitgehend an die Vorlage. Doch warum kommt der Film erst zwei Jahre nach seiner Premiere bei einem Filmfest zu Amazon Prime? Ist er so schlecht? Das klärt die Kritik.
<h2>Die Handlung</h2>
Keyla (Joey King) ist ein unzufriedener Teenager. Ihre Eltern haben sich vor Jahren getrennt, Mutter Rebecca (Mireille Enos, World War Z) ist strenger mit der Tochter als der Vater Jay (Peter Sarsgaard, Green Lantern), ein Musiker. Doch Jay soll Keyla zu einem Ballett-Kurs fahren, zu dem sie eigentlich nicht will. Unterwegs sammeln sie noch Keylas Freundin Brittany (Devery Jacobs) ein, die ebenfalls für den Kurs angemeldet ist. Während einer Rast gehen die Mädchen spazieren, wenig später hört Jay einen Schrei. Brittany ist verschwunden, Keyla sitzt wie versteinert auf der Brüstung einer Brücke. Ihr Vater will die Polizei rufen, weil das Mädchen offensichtlich von der Brücke in den eisigen Fluss gestürzt ist.
Doch Kelya stoppt ihn und gibt zu, ihre Freundin geschubst zu haben. Jay fährt daraufhin mit Keyla zu seiner Ex-Frau und die beiden überlegen, was nun zu tun ist. Um ihrer Tochter die Konsequenzen für ihr Handeln zu ersparen, verständigen sich Jay und Rebecca darauf, Keylas Tat zu vertuschen. Doch das ist einfacher gesagt als getan, denn bald taucht Brittanys Vater auf, um sich nach dem Verbleib seiner Tochter zu erkundigen. In ihrer Verzweiflung verfällt Rebecca auf eine Idee, die sich als fatal erweist ...


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<h2>Starkes Duo aus Regie und Schauspiel</h2>
The Lie macht vieles richtig. Regisseurin und Drehbuch-Autorin Veena Sud ist erfahren darin, abseitige und düstere Geschichten zu erzählen. Und das merkt man dem Film auch an. Die emotionalen Ausbrüche der Charaktere stehen in gut gesetzter Opposition zur eiskalten Umgebung, Sud setzt die Natur in der Story als Kontrapunkt zum Geschehen. Und sorgt nebenbei dafür, dass der Sturz in einen Fluss als Todesursache auch glaubhaft ist. Zudem besetzt sie die weibliche Hauptrolle mit Mireille Ennos, die bereits die Heldin in Suds erfolgreicher Serie The Killing spielte - vier Jahre lang. Diese Vertrautheit zwischen Schauspielerin und Regie merkt man dem Film wohltuend an, Ennos ist extrem überzeugend.
Außerdem seziert Sud sehr säuberlich die Mechanismen innerhalb des Beziehungsgeflechts zwischen den geschiedenen Eltern untereinander und der jeweiligen Sichtweisen auf das gemeinsame Kind. Und hier überzeugt neben Joey King auch Peter Sarsgaard als vermeintliches Weichei, der im Angesicht der Situation ganz neue und sehr dunkle Seiten an sich entdeckt. An den Schauspielern liegt es also gewiss nicht, dass der Film bei seiner ersten Aufführung auch kritische Stimmen hervorrief. Denn das große Problem von The Lie ist seine Glaubwürdigkeit.


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<h2>Wenn der erste Schritt nicht passt ...</h2>
Dabei ist der Ablauf des Geschehens weitgehend makellos. Ist die Sache erst einmal in Bewegung geraten, sind die zunehmend von Verzweiflung und Panik getriebenen Handlungen der Eltern, die ihr Kind schützen wollen, gut nachvollziehbar. Das Problem ist der erste Schritt, der trotz der guten Schauspieler und des sonst ordentlichen Scripts nicht so recht zünden will. Daher ist die erste halbe Stunde des Films auch die mühsamste, denn die Initialzündung, die alles auslöst, bleibt zunächst im Dunkeln und wird erst im Finale zwar passend, aber dennoch wenig befriedigend aufgelöst. Hier erinnert The Lie an Vorbilder wie den Oscar-gekrönten Mystic River, dessen Qualität er aber nie erreicht.
Denn wie man es auch dreht und wendet, Auslöser und Finale wirken bei all den Ereignissen dazwischen nicht stimmig und die eigentlich stark gespielten Emotionen dadurch schal. Sud hält sich dicht an die deutsche Vorlage und macht damit wohl den entscheidenden Fehler: Dass der Plot so nicht funktioniert, hätte sie als derart erfahrene Krimi-Expertin merken müssen. Die Rolle der Keyla bleibt den ganzen Film über zu blass, der Umgang der Eltern mit ihr letztlich zu harmlos, um völlig zu überzeugen. Darn ändert auch die stark spielende Joey King nichts.
Diese Diskrepanz zwischen dem unglaubwürdigen Verhalten von Rebecca und Jay gegenüber ihrem Kind und den sehr nachvollziehbaren Aktionen gegenüber dem Rest der Welt hält The Lie davon ab, von einem durchschnittlichen Thriller zu einem richtig guten Film zu werden. Was allerdings auch wieder passend ist. Denn wie in der Handlung ist es nur ein Detail, das hier über die Qualität des Ganzen entscheidet.


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<h2>Fazit:</h2>
Über weite Teil ist The Lie ein spannendes Thriller-Drama mit ausgezeichneten Darstellern. Anfang und Ende des Plots reißen allerdings die deutliche bessere Mitte des Films mit sich in den Abgrund. Denn an diesen Stellen muss der Zuschauer schon eine große Kröte schlucken, um die Story noch ernst zu nehmen. Das ist auch deshalb schade, weil die sonstige Inszenierung von Veena Sud absolut gelungen ist. Manchmal sind es Kleinigkeiten, die einen guten Film ausmachen. Und die hier leider nicht stimmen.
The Lie ist ab dem 6. Oktober 2020 bei Amazon Prime zu sehen.

The Lie

The Lie: Fieser Thriller auf Amazon Prime

Gemeinsam mit den Horrorspezialisten Blumhouse hat Amazon Prime vier Horrorfilme produziert. Einer davon ist der Horror-Thriller Black Box.

Als Internet-Händler ist Amazon die unbestrittene Nummer eins des Planeten, als Produzent von Serien und Filmen für Amazon Prime hingegen im Vergleich zu Netflix ein kleines Licht. Das soll sich offenbar ändern, denn nicht nur die Serienproduktion nimmt langsam zu, auch Filme werden zukünftig in größerer Zahl als nur einer oder zwei pro Jahr geplant. Los geht es mit einem Horror-Viererpack, die jeweils als Paar am 6. und 13. Oktober 2020 veröffentlicht werden. Spiele.de hat sich Black Box für dich angesehen und verrät dir, ob sich das Einschalten lohnt.
<h2>Die Handlung</h2>
Der junge Familienvater Nolan (Mamoudou Athie) hat vor Monaten bei einem Autounfall seine Frau verloren, er selbst überlebte nur knapp mit schweren Kopfverletzungen. Seitdem hat er Mühe, sich an viele Dinge aus seinem vorigen Leben zu erinnern, worunter ganz besonders seine kleine Tochter Ava (Amanda Christine) zu leiden hat. Mal vergisst er, sie von der Schule abzuholen, mal erinnert er sich nicht mehr an ihr gemeinsames Begrüßungsritual. Weil die Schule bereits droht, das Jugendamt einzuschalten, sucht Nolan Hilfe bei der renommierten Ärztin Lillian (Phylicia Rashad), die auf dem Gebiet der Erinnerungs-Wiederherstellung zu den führenden Wissenschaftlerinnen gehört.
Sie führt Nolan mit einer besonderen Technik, die sie Black Box nennt, zuerst in einen virtuellen Safe-Room, von dem aus sich Nolan seinen Erinnerungen stellen soll. Doch schon bei der allerersten, seiner eigenen Hochzeit, wird er in seinem Kopf von einem seltsam verdrehten Monster attackiert, das wie alle anderen in seiner Umgebung, ein völlig verschwommenes, nicht erkennbares Gesicht besitzt. Nur mit Mühe kann er der Kreatur entkommen, doch Lillian ermutigt ihn, unbedingt weiterzumachen, bis die Personen in seiner Erinnerung endlich bekannte Gesichter entwickeln. Doch das ist für Nolan der größte Schock von allen ...


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<h2>Mehr Twilight Zone als Black Mirror</h2>
Eine unheimliche Story, die in Zusammenhang mit High-Tech steht, da werden Sci-Fi- und Horrorfans sofort an die großartige Serie Black Mirror denken. Auf den ersten Blick könnte Black Box tatsächlich eine lange Episode dieser Serie sein. Doch bei genauerer Betrachtung passt der geistige Vorgänger von Black Mirror deutlich besser. Denn Twilight Zone, erstmals in den 60er Jahren als TV-Serie in den USA zu sehen, stellte sich bei den einzelnen Storys breiter auf und ließ auch starke Horror- und Fantasy-Elemente zu. Zudem beschäftigten sich die meisten Folgen der Serie eher mit moralischen Grundfragen als mit den Folgen neuer Technologien.
Und auch bei Black Box geht es im Kern nicht nur um die neue Technik, mit der Lillian arbeitet, sondern auch um Fragen der Ethik. Was kann ich tun? Was darf ich tun? Was sollte ich lieber lassen? Daher ist Black Box auch eher ein zuweilen recht unheimlicher Sci-Fi-Film als waschechter Horror. Aber Fans des Genres, die nicht unbedingt ein Etikett brauchen, um ein Thema interessant zu finden, dürften hier auf ihre Kosten kommen.
<h2>Nicht ganz neu, aber originell</h2>
Regisseur Emmanuel Osei-Kuffour, der auch am Drehbuch mitarbeitete, erfindet in seinem Langfilm-Debüt keine komplett neue Story. Die Grundidee, sich nach einem traumatischen Ereignis fremd im eigenen Kopf zu fühlen, hat es schon häufiger in Thrillern und Horrorfilmen gegeben. Osei-Kuffour findet aber einen Dreh, der in seiner Auflösung nach etwa einer Stunde zwar etwas guten Willen des Publikums braucht, aber unbeirrt einer inneren Logik folgt, von der Black Box auch bis zum Ende nicht abweicht. Und der vor allem trotz der Auflösung die Spannung erhält. Denn die Enthüllung, was genau sich hinter den Gedächtnislücken Nolans verbirgt, ist eben noch nicht das Ende der Geschichte.


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Außerdem gelingt es Osei-Kuffour, immer wieder unheimliche Szenen zu schaffen, obwohl sein Film kein Horror im engeren Sinne ist. Die Kreatur mit den verdrehten und krachenden Knochen ist zwar in den vergangenen Jahren häufiger im Horror eingesetzt worden, so zum Beispiel in The Posession of Hannah Grace aus dem Jahr 2018, aber es hat nichts von seiner Wirkung verloren. Die Bilder, gemeinsam mit dem unangenehmen Sound, dürften bei zarteren Gemütern für aufgestellte Nackenhaare sorgen.
Auch schauspielerisch kann Black Box überzeugen, dem jungen Mamoudou Athi nimmt der Zuschauer sein Leid jederzeit ab, Phylicia Rashad, zuletzt eher als Schurkin besetzt, glaubt man den ambivalenten, schwer zu durchschauenden Charakter ebenfalls. Und die junge Amanda Christine lässt das Publikum als verstörte Tochter ordentlich mitleiden. So schafft Osei-Kuffor einen ansehnlichen Film, der vermutlich aufgrund seiner fehlenden Schauwerte und der oft wenig spektakulären Bilder im Kino nicht sonderlich gut funktioniert hätte, für eine Streaming-Premiere aber sehr sehenswert ist. Denn hier macht es Spaß, selbst mitzurätseln und die durchaus früh vorhandenen Hinweise zu entdecken, um das Rätsel zu lösen, bevor es der Film tut.
<h2>Fazit:</h2>
Emmanuel Osei-Kuffours Langfilm-Debüt Black Box für Amazon Prime kann sich durchaus sehen lassen. Die originelle Variante eines bekannten Thriller-Themas erzählt der Regisseur mit ebenso viel Talent für unheimliche Bilder wie mit genug Emotion, um das Publikum in die Geschichte hineinzuziehen. Außerdem findet er den Mut, die Story stark enden zu lassen, statt effekthascherisch auf den schnellen Schrecken zu setzen. Blumhouse ist als Produktionsfirma nicht frei von Flops und wirklich schlechten Filmen, hier haben sie aber einen guten Job gemacht. Fans von sanftem Horror und guten Storys bleibt Black Box definitiv in Erinnerung.
Black Box läuft ab dem 6. Oktober 2020 bei Amazon Prime.


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Black Box

Horror der Seele: Black Box bei Amazon Prime

Im Cockpit von X-Wing und Tie-Fighter: Solltest du in die Weltraum-Schlachten von Star Wars: Squadrons ziehen oder dein Geld lieber sparen?  

Als Jedi im Kampf gegen das Imperium wie in "Star Wars Jedi: Fallen Order" oder in großen Schlachten kämpfen wie in "Star Wars Battlefront 2" - das konntest du als Fan des Sci-Fi-Universums in den vergangenen Jahren problemlos tun. Aber dass du selbst in einem X-Wing oder Tie Fighter durch die Weiten des Alls fliegen und deine Gegner in rasante Raumkämpfe verwickeln konntest, ist eine gefühlte Ewigkeit her. Jetzt hat EA, die von Disney momentan die Rechte für Videospiele übernommen haben, endlich wieder eine Flugsimulation entwickelt und am 2. Oktober 2020 für Xbox One, PS 4 und PC in die Läden gestellt. Wie gut ist das neue Spiel der kanadischen Entwickler Motive Studios?


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<h2>Die Story:</h2>
Der Prolog des Spiels beginnt mit der Zerstörung von Alderaan durch den Todesstern des Imperiums. Als Teil eines imperialen Tie-Fighter-Geschwaders sollst du einen Flüchtlings-Konvoi der Rebellen finden und vernichten. Doch dabei lässt dich dein Anführer Lindon Cavas mitten im Gefecht im Stich, weil er nicht auf Wehrlose schießen will. Im zweiten Teil des Prologs sollst du als X-Wing-Pilot den Konvoi verteidigen und den Angriff des Imperiums zurückschlagen. Danach macht die Handlung einen Sprung in die Zukunft. Das Imperium ist geschlagen, Palpatine tot und der neue Todesstern gesprengt. Als Mitglied der Vanguard-Squadron fliegst du unter dem Kommando von Cavas Aufträge, die zu einem neuen Geheimprojekt gehören: Starhawk.&nbsp;
Doch dieses Projekt wollen die Reste des Imperiums, die noch immer gegen die junge neue Republik kämpfen, unbedingt verhindern. Als Teil der Titan-Squadron musst du dich immer wieder mit den X-Wings der Gegner anlegen und versuchst, die Starhawk-Pläne zu vereiteln. Insgesamt fliegst du sieben Missionen als Republik-Pilot und sieben weitere als Tie-Fighter-Ass, allerdings nicht abwechselnd. Oft hängen mehrere Aufträge als Story zusammen, wie zum Beispiel die ersten drei als Republik-Mitglied.&nbsp;
<h2>Der Inhalt:</h2>
Star Wars Squadrons bietet insgesamt drei Spielmodi: die Kampagne, den Multiplayer-Modus mit 5 vs 5 und Flottenschlachten. Während die Kampagne durch insgesamt vier verschiedene Schwierigkeitsstufen einen hohen Wiederspielwert aufweist, sind die Mehrspieler-Modi zwar ansprechend, machen aber nicht dein Eindruck von langem Spielspaß. Dazu sind die Möglichkeiten schlicht nicht groß genug, Kampf-Abläufe wiederholen sich schnell. Zwar kann ein Fight mit vier Freunden gegen eine ebenfalls gut zusammen spielende gegnerische Fünfergruppe viel Spaß machen, dass hier ein dauerhafter Multiplayer-Hit entstanden ist, glaubt die spiele.de-Redaktion aber nicht.
Spannender ist da tatsächlich die Kampagne, deren erste beiden Schwierigkeitsgrade Story und Pilot auch Anfängern eine faire Chance geben, die Story bis zum Ende zu erleben. Auf Veteran oder Ass haben hingegen nur erfahrene Piloten eine Chance. Denn nur wer virtuos mit dem Fluggerät umgeht, vor allem was die Energieverteilung angeht, gehört zu den Siegern. Du musst im richtigen Moment deine Energie in die Antriebe, deine Laserkanonen oder die Schilde transferieren, um die Missionen zu schaffen, das gilt in Maßen sogar schon für die Schwierigkeit Pilot. Denn die schnellen und wendigen Kampfschiffe halten nicht sonderlich viel aus.


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<h2>Das musst du wissen:</h2>
Die Kampagne bietet auf beiden Seiten mehrere Schiffstypen an, die du zum Teil nicht nehmen musst. Die unterscheiden sich auch fühlbar beim Spielen, so sind die flinken Jäger ganz anders steuerbar als die eher behäbigen Bomberklassen. Um gut durch die Aufträge zu kommen, musst du zudem ständig dein Radar im Auge behalten, um zu wissen, wo sich deine Gegner gerade befinden und wer auf dich feuert. Und du solltest die Flugmanöver trainieren, die dich aus gefährlichen Situationen befreien können. Zum Beispiel mehrere feindliche Jäger hinter dir, eine Rakete im Anflug oder schwerer Beschuss naher Großkampfschiffe.&nbsp;
Die Steuerung auf dem PC mit Maus und Tastatur geht recht einfach von der Hand, die wichtige Funktionen auf der Tastatur gut erreichbar sind, wie die Energieverteilung auf den Tasten 1-4. Wer lieber mit Controller spielt, hat aber ebenso schnell den Bogen raus und steuert sein Schiff bald sicher durchs All. Dazu ist die Lernkurve des Spiels fair und überlastet dich zum Start nicht. Nach und nach bekommst du neue Ausrüstung, Raketen und andere, neue Möglichkeiten dazu. Wer allerdings noch nie eine Flugsimulation gespielt hat, muss sich auf ein paar Trainingsflüge einstellen, bis die ersten Abschüsse gelingen.&nbsp;
Auch die Story ist nett, allerdings nicht sonderlich innovativ oder überraschend. Für Fans ist immerhin der Zeitraum nach Star Wars: Die Rückkehr der Jedi-Ritter interessant, da über diese Zeit noch immer nicht viel bekannt ist. Je nach Können fliegst du eine Mission in 20 bis 30 Minuten, kannst dich also auf eine Kampagnen-Spielzeit von etwa sieben bis acht Stunden einstellen. Das ist nicht extrem viel, allerdings füllen die Entwickler die Zeit zumindest mit vielen Ideen innerhalb der Missionen, die zu ein paar wirklich coolen Spielmomenten führen. Dafür bremst dich das Spiel zwischen den Missionen mit Dialogen aus, die gar keine sind, weil du keine Antworten aussuchen kannst, sondern nur zuhörst. Cool: Wer über eine VR-Brille verfügt, kann diese nutzen und eine deutlich intensivere Spiel-Erfahrung machen.


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<h2>Fazit:</h2>
Optisch toll, spielerisch auf Wunsch herausfordernd, allerdings mit einer eher durchschnittlichen Story: Star Wars Squadrons bietet dem Fan eine nette Kampagne, allerdings nur wenige Möglichkeiten im Multiplayer-Bereich. Kein ganz großer Wurf also, aber ein solides Star Wars-Spiel, das für alle verkappten X-Wing- und Tie-Fighter-Piloten nach langer Pause endlich wieder gute Action bietet.&nbsp;

Star Wars Squadrons

Star Wars Squadrons: So gut ist das neue Spiel!

Die Spiele-Redaktion hat einen Blick hinter die Hartplastikhülle der Kaffeegötter geworfen und klärt auf, warum es so gut schmeckt.

Es ist ein <a href="https://amzn.to/34jise1" target="_blank">Philips 5400 LatteGo</a> bisschen wie bei Apple und Google: Jedes Betriebssystem ist für seine Jünger das beste. Apple macht es so und Google so und wer macht's am Ende richtig? Ganz egal, denn scheinbar bestimmen hier soziale Prägung oder Antipathie. Einmal ein Apfelgerät, immer ein Apfelgerät scheint die Devise. Auf der anderen Seite gilt allerdings: Einmal gegen den Apfel entschieden, muss man auch auf Ewig dabei bleiben. Dieser Glaubenskrieg ist abseits der Smartphonewelt in der gleichen Form bei der Wahl für den richtigen Kaffeevollautomaten zu finden. Wahre Genießer wissen genau, dass nur Jura Vollautomaten für vollen vollmundigen Kaffeegenuss herstellen kann.
Und warum schmeckt der Kaffee Crema aus der drei Jahre alten Saeco auch gut? Rümpfen Jura-Jünger hier die Nase, gehen wir mal sachlich an die gute Laune Spender.

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Für Experten: die Siebträgermaschine.
<h2>100 Arten Kaffee zu kochen</h2>
Zugegeben, ganz so viel Möglichkeiten Kaffee zu kochen gibt es nicht. Dennoch sind sie zahlreich. Der Klassiker ist der Filterkaffee aus der Filtermaschine. Hier wird das Kaffeemehl in einen Papierfilter gefüllt und dank des durch ihn hindurchtröpfelnden heißen Wassers gebrüht. Der fertige Kaffee rinnt in die Kaffeekanne – voilá. Der Handfilter ist eine Filterversion, die ohne Stromzufuhr auskommt. Wer's herb mag, brüht seinen Kaffee ungefiltert direkt in der Tasse. Beliebt am Frühstückstisch, weil's auch einfach schön aussieht, ist die French Press. Hier wird in der Kanne gebrüht, dann mit einem Filterstempel der Kaffeesatz an den Boden gedrückt und der Kaffee ist sogut wie frei von Kaffeemehl. Willst du dich wie ein richtiger Barista fühlen, kannst du dir eine Siebträgermaschine anschaffen. Hast du viel Zeit für deinen Kaffee und möchtest die Zubereitung auch ein wenig zelebrieren, ist das deine Kaffeemaschine.

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Das Mahlwerk eines Kaffeevollautomaten.
<h2>Der Bick ins Innere des Kaffeevollautomaten</h2>
Kaffeevollautomaten sind der Kompromiss zwischen Kaffee in Baristaqualität und schneller Zubereitung. Sie vereinen alles, was du für eine leckere aber zeitsparende Tasse brauchst: eine Kaffeemühle, perfekt temperiertes Wasser, individuelle Kaffeeintensität, Milchschaumbereiter und sogar heißes Wasser für Tee, wenn der Hals mal kratzt. Ein weiterer Vorteil gegenüber anderen elektrisch betriebenen Maschinen ist der minimale Reinigungsaufwand bei maximalem Kaffeegenuss.
Kaffevollautomaten setzen sich immer aus folgenden Teilen zusammen:&nbsp;
<ul>
<li>Kaffeebohnenfach (auch mit einem Fach für gemahlenen Kaffee)</li>
<li>Mahlwerk&nbsp;</li>
<li>Brühgruppe&nbsp;</li>
<li>Wassertank&nbsp;</li>
<li>Wasserfilter&nbsp;</li>
<li>Kaffeesatzbehälter&nbsp;</li>
<li>Milchschaumdüse (integriert oder separat)&nbsp;</li>
<li>Bedienfeld</li>
</ul>
Das Herzstück eines Kaffeevollautomaten ist die Brühgruppe. Ihr Prinzip ist einfach: Der frischgemahlende Kaffee wird vom Mahlwerk durch einen Führungstrichter in die offenstehende Brühkammer geleitet. Dann springt eine Motor an, der Brühkammer und Druckkolben zusammenpresst. Anschließend fließt das perfekt temperierte Wasser durch das Pulver und der fertige Kaffee rinnt in deine Kaffeetasse. Das verbrauchte Kaffeemehl sammelt sich im Satzbehälter (Trester). Wie beim klassischen Espressokochen kommt das heiße Wasser nur kurz mit dem Kaffee in Berührung, sodass das Heißgetränk weniger bitter wird.

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<h2>Ohne Pflege kein Geschmack</h2>
Vollautomaten bringen fast immer automatisierte Reinigungsmodi mit. Sie erleichtern die Pflege, nehmen dir aber nicht alles ab. Den Kaffeesatz und Restwasser musst du zwangsweise selbst entleeren. Auch das Milchschaumsystem muss regelmäßig gespült und mit Reninigungsmitteln gesäubert werden. Sonst sammeln sich Bakterien oder Schimmelpilze an und der Kaffee schmeckt nach alten Socken. Wasser allein reicht nicht, du brauchst in jedem Fall spezielle Reiniger, die es vom Hersteller für deinen Vollautomaten gibt. Je nach Wasserhärte in deiner Gegend muss der Wasserfilter in bestimmten Abständen gewechselt werden. Härtgrad 1 ist der niedrigste, nei 2 und 3 hat der Wasserfilter schon mehr zu tun. Auch bei besonders weichem Wasser darfst du auf einen Filter nicht verzichten, um die Lebensdauer deines Vollautomaten zu verlängern.
<h2>Und welcher Vollautomat hat nun die Nase vorn?</h2>
Welche Technik auch immer verbaut ist oder welcher Name den Vollautomaten ziert ist fast egal, am Ende entscheidet der Kaffeetrinker über Qualität und Geschmack des Kaffees. Auch die Kaffeespezialitäten sind ausschlaggebend für Wahl. Nicht jeder Vollautomat verfügt über die Auswahl aller beliebten Getränke. Doch es muss auch nicht für jeden eine Auswahl an mehr als fünf Getränken sein. So überrascht es vielleicht den ein oder anderen, dass nicht Jura im Verbrauchertest überzeugt.&nbsp;

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Sieger "Preis-Leistung": <a href="https://amzn.to/3cOTRlr" target="_blank">De'Longhi Magnifica S</a> * Dank der Aufschäumdüse zaubert dir die Magnifica S den perfekten Milchschaum für Cappuccino oder Latte Macchiato. Außerdem kannst du die Klassiker Espresso und Café Crema genießen. Zum Wählen nimmst du entweder die Direktwahltasten oder passt dein Getränk ganz indivuduell nach deinen Wünschen an. Kaffeestärke oder Milchmenge bei deinem morgendlichen Wachmachen muss du so nur einmal erschmecken und einstellen. Für 279 € holst du dir das Schnäppchen in deine Küche.

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Sieger "Design": <a href="https://amzn.to/34jise1" target="_blank">Melitta Caffeo Solo</a> * Da ist nicht viel dran, aber dieser kleine Vollautomat bietet dir mit Café Crema und Espresso die zwei wichtigsten Getränke zum Wachwerden. Dabei kannst du die Kaffeestärke in drei Stufen anpassen und auch die Wassermenge stufenlos regeln. Natürlich kannst zwei Tassen - für deinen Schatz und dich - gleichzeitig brühen. Für aktuell 307,06 € kannst du dir das puristische Designerstück nach Hause holen.

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Sieger "Kaffeespezialitäten": <a href="https://amzn.to/3cO49SO" target="_blank">Philips 5400 LatteGo </a>* Mit 12 Kaffeespezialitäten überzeugt der Vollautomat von Philips. Egal ob Americano, Macchiato, Cappuccino, Flat White oder Espresso. Hier findest du alles zu einem vernünftigen Preis (629,99 €). Dabei kannst du Kaffee- und Milchmenge sowie Aromastärke und Temperatur perfekt anpassen. Für die zwei leckersten Kaffees speicherst du die Einstellungen einfach über zwei Benutzprofile.
 Na durstig geworden? Dann ab mit der Bohne in deinen Kaffeevollautomaten!

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Kaffeevollautomaten im Test

Kampf der Bohnen: Welcher Kaffee-Vollautomat ist der beste?

Mit Vampire vs The Bronx nimmt Netflix eine Horrorkomödie ins Programm, die sich an großen Vorbildern orientiert. Ist sie gut?

Horror und Comedy geht nur relativ selten eine fruchtbare Verbindung ein. Zwar gibt es immer wieder Versuche, vor allem im Splatter-Bereich, statt Ekel Lacher zu erzeugen, ein gutes Ergebnis kommt dabei meist nicht heraus. Es hat schon seinen Grund, dass Peter Jacksons "Braindead" bis heute so eine Sonderstellung im Genre einnimmt. Die Idee, Vampire mit Komödien-Elementen zu mischen, ist dabei sogar schon recht alt: 1968 schuf Roman Polanski seinen "Tanz der Vampire", aus dem sich Vampires vs The Bronx-Regisseur Osmany Rodriguez sogar eine Szene ausleiht. Reicht das für einen guten Film?
<h2>Die Handlung</h2>
Miguel (Jaden Michael) muss etwas tun: In seiner Nachbarschaft in der New Yorker Bronx werden immer mehr Geschäfte von einer geheimnisvollen Immobilien-Firma namens "Murnau Properties" aufgekauft. Und nicht nur das, die Zahl vermisster Personen ist in den vergangenen Wochen auch angestiegen. Deshalb will Miguela mithilfe seiner besten Freunde Luis (Gregory Diaz) und Bobby (Gerald Jones III) durch ein Straßenfest die Bodega ihres väterlichen Kumpels Tony (Joel Martinez) retten, in der alle drei fast aufgewachsen sind. Dabei laufen sie nicht nur der neuen Nachbarin Vivian (Sarah Gadon) regelmäßig über den Weg, sondern auch dem Immobilienhai Frank (Shea Whigham), der für Murnau arbeitet.
Eines Abends endet ein Zusammenstoß mit der Gang von Henny (Jeremie Harris) für Miguel mit einer Verfolgungsjagd in ein altes Parkhaus, in dem ein seltsam gekleideter, langhaariger Kerl plötzlich Miguels Verfolger locker in die Luft hebt und ihm in den Hals beißt. Es sind Vampire in der Bronx! Natürlich glaubt niemand dem Jungen, nur seine Freunde halten zu ihm. Gemeinsam beginnen sie mit den Recherchen: Wie kann man Vampire töten? Wohin ziehen sie sich tagsüber zurück? Und warum sind sie überhaupt hier? Doch die Nachforschungen über die Blutsauger bringen den Jungs bald mehr Ärger ein, als sie stemmen können. Denn ihre Mütter sind mächtig sauer ...



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<h2>Viele Anspielungen auf Klassiker</h2>
Fan-Service schreibt Regisseur und Comedy-Spezialist Osmany Rodriguez in seinem Film groß. Denn die Anspielungen auf wichtige Namen und Gesichter des Vampir-Mythos sind für Kenner kaum zu übersehen. Friederich Wilhelm Murnau, Namensgeber der Firma im Film, war der Regisseur das Vampir-Klassikers "Nosferatu". Das Logo der Firma zeigt ein Abbild von Vlad Dracul, dem historischen Vorbild für Stokers "Dracula"-Roman. Und Frank Polidoris Namensgeber John Polidori schrieb bereits 1816 die Kurzgeschichte "The Vampyr" und gilt bei vielen Fans als Urvater des Themas in der Literatur. Hier hat Rodriguez, der auch am Drehbuch mitschrieb, seine Hausaufgaben gemacht.
Und auch bei der Handlung leiht sich Rodriguez immer wieder Ideen oder ganze Szenen bei bekannten Vampirfilmen aus. So erinnern die drei Jungs mit ihrer Vampir-Killer-Ausrüstung stark an die Frog Brüder aus "Lost Boys". In einer Szene sehen sich Miguel und seine Freunde "Blade" als Anschauungs-Material an. Und die Story vom Vampir in der Nachbarschaft trägt deutliche Züge von "Fright Night". Leider hat es Rodriguez nicht geschafft, inmitten dieser ganzen Anspielungen, Zitate und Verbeugungen vor den Genre-Größen eine eigene Idee für seinen Film zu entwickeln. Und so wirkt Vampires vs The Bronx weniger wie eine Hommage als vielmehr wie eine uninspirierte Kopie all dieser Filme.
<h2>Nicht blutig, nicht lustig</h2>
Das beginnt bei der Spannung. Nun muss eine Horror-Komödie den Zuschauern nicht unbedingt eine Gänsehaut bescheren, aber etwas Spannung darf schon sein. Und die fehlt hier komplett. So wird selbst unerfahrenem Publikum sehr schnell klar, wer hier der geheimnisvolle Ober-Vampir ist, der den Rest befehligt - es gibt einfach keine Auswahl. Und beim Humor reißt Rodriguez ebenfalls keine Bäume aus. Ein paar witzige Momente hat der Film schon, an seiner extremen Vorhersehbarkeit leiden aber auch die Gags, die der Zuschauer schon von Weitem kommen sieht und deren Pointen daher oft auf dem Weg schon verblassen.
Auch für Fans der härteren Gangart gibt es hier nichts zu holen, Netflix selbst stuft den Film frei ab 12 Jahren ein - und dagegen ist auch nichts zu sagen. Blutleer und harmlos huschen hier die Blutsauger durchs Bild und verbreiten weder Furcht noch Lacher. Immerhin ist die Optik der Vampire recht gelungen, so etwas wie Charakter bekommen sie aber nicht. Selbst der Ober-Blutsauger bleibt nicht nur wegen des fehlenden Sonnenlichts blass, das Drehbuch gibt ihm einfach keinerlei Tiefe. Daher verwundert es auch nicht, dass der Film nach seinem Dreh im Sommer 2018 fast zwei Jahre von der Bildfläche verschwand, bis er jetzt bei Netflix wieder auftauchte.
Lediglich die Schauspieler wären ein Grund, sich Vampires vs The Bronx anzusehen, denn die geben sich wirklich Mühe, aus ihren mäßig geschriebenen Rollen noch etwas herauszuholen. Und ein Cameo von Zoe Saldana gibt es auch. Mit dem offensichtlichsten Vorbild "Attack the Block" kann der Film aber ebensowenig konkurrieren wie mit den zahlreichen Klassikern des Genres, bei denen er sich bedient.



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<h2>Fazit:</h2>
Vampires vs The Bronx bedient sich ausgiebig bei großen Vampir- und Horrorfilmen der Vergangenheit, kann damit aber nicht kaschieren, dass er keine einzige eigene Idee vorweisen kann. Jede Szene, jede Storywendung hat der Fan bereits gesehen - und zwar meist besser. Da helfen die sympathischen Jungdarsteller auch nicht mehr viel. Diese blutarme Möchtegern-Komödie hat der Zuschauer schon fast wieder vergessen, während noch der Abspann läuft.
Vampires vs The Bronx ist ab dem 2. Oktober 2020 bei Netflix zu sehen.

Vampires vs The Bronx

Vampires vs The Bronx: Horrorkomödie bei Netflix

Die deutschen Privatsender setzten auf eine neue Art der Primetime-Show. Wir erklären, was es mit dem neuen Show-Hype auf sich hat.

Zweifelsfrei: Mit teilweise mehr als 5,3 Millionen Zuschauern hat die ProSieben-Show „The Masked Singer“ in Deutschland eingeschlagen wie eine Bombe. Kein Showformat der zurückliegenden Dekade war auch nur ansatzweise ähnlich erfolgreich wie das Format, in dem sich Prominente maskieren und dann als Wuschel, Engel, Faultier oder als Monsterchen auf die Bühne gehen und bekannte Songs neu interpretieren.
<h2>„The Masked Singer“ – Staffel 3 – ab 20. Oktober</h2>
Ab dem 20. Oktober moderiert Matthias Opdenhövel bei ProSieben die wieder sechs Episoden umfassende Live-Musikshow, die dann in ihre dritte Runde geht. Max Mutzke hatte die erste Staffel im Hochsommer 2019 als „Astronaut“ gewonnen, Tom Beck als „Faultier“ die zweite Runde, die während des Corona-Lockdowns im Frühjahr 2020 über die Bildschirme flimmerte.
Insgesamt singen zehn maskierte Promis um die Wette – wer die wenigsten Anrufe erhält, scheidet am Ende einer jeden Sendung aus und gibt seine wahre Identität preis. Das Original dieser Show kommt aus Südkorea, heißt dort „King of Mask Singer“ und ist dort seit 2015 zu sehen. Anders als in Deutschland läuft die Show dort nicht als Event, sondern als normales Wochenendprogramm und bringt es daher auch schon auf über 200 Folgen.
Deutschland war schließlich das erste Land, das die Show durch den Umstand sie live zu senden, nochmals verbessert hat. Selbst in den USA, wo das Format bei einem der größten Sender läuft, werden die Episoden vorab aufgezeichnet, was natürlich die Gefahr leicht erhöht, dass vorab – etwa über soziale Netzwerke – herauskommt, wer am Ende der Show enttarnt wird.
Andererseits hat Deutschland einen kleinen Nachteil, etwa gegenüber den USA: Die Promi-Dichte ist hierzulande nicht ganz so groß. Während in den Staaten schon Namen wie Drew Carey, Bella Thorne oder Lil Wayne mitmachten, standen in Staffel zwei bei ProSieben Sonja Zietlow, Mike Singer, Stefanie Heinzmann oder Franziska Knuppe auf der Bühne.
Nichts desto trotz – ProSiebens Maskenshow und der damit einhergehende Erfolg hat gleich mehrere Steine zum Rollen gebracht.
<h2>Das neue „FameMaker“ von ProSieben</h2>
Da wäre in etwa eine neue Musikshow-Idee, die Stefan Raab in den vergangenen Wochen bei ProSieben auf den Sender brachte. Wann immer der ehemalige Mister „TV total“ eine neue Showidee auf den Markt bringt, horcht bekanntlich das komplette fernseh-interessierte Deutschland auf. So war das auch bei „FameMaker“, das mit einer überdimensionalen Glaskuppel arbeitet. Unter dieser Kuppel singen Entertainer – doch weder das Studiopublikum, noch drei Prominente auf der Bühne, noch die Fernsehzuschauer hören ihn. Somit stellt sich die Frage: Ist das wirklich ein guter Sänger? Oder nur ein genialer Entertainer?
Genau dieser Frage müssen auch Carolin Kebekus, Luke Mockridge und Tedros Teclebrhan, besser bekannt als Komiker „Teddy“, nachgehen. Sie wählen die Künstler in ihr Team – doch liegen sie wirklich richtig oder müssen sie letztlich schlechte Sänger bis ins Finale schleppen? Für ProSieben war die am Donnerstag zu Ende gegangene Show mit passablen Marktanteilen bei Weitem kein Überflieger, aber auch kein Flop. „Talk of the Town“ wurde das Format aber keinesfalls.
<img src="/api/static/6de8a11f8875f826486334be852b0ac0.png" alt="Bildquelle: obs/ProSieben/Willi Weber" style="height: auto;width: auto"/>
Das lag vermutlich auch an der ein oder anderen inhaltlichen Schwäche. Da wäre etwa zu nennen, dass es während des ersten Teil des Gesangsparts, also dem, bei dem man nichts hört, im Fernsehen logischerweise still blieb. Und Fernsehen und Stille – das passt eben nur bedingt zusammen. Mit Tom Neuwirth, auch bekannt als Kunstfigur Conchita Wurst, mischte zudem noch ein Moderator mit, den man sich mangels echtem Auftrag eigentlich hätte schenken können. So war „FameMaker“, das fünf Mal in diesem Herbst lief, eine nette Idee, die aber spätestens nach drei Stunden am ersten Abend ausgelutscht war.
<h2>„I can See your Voice“ von RTL</h2>
Gewisse Ähnlichkeiten gab es bei einem Show-Versuch, den RTL im August startete. „I can See your Voice“ ist – genau wie „The Masked Singer“ – eine Adaption eines südkoreanischen Formats. Hier singen ebenfalls gute und sehr schlechte Sänger – allerdings zunächst im Vollplayback. Bei den schlechten Sängern ist vom Band die Stimme eines guten Sängers zu hören und die Jury muss abwägen: Fake oder Nicht? Auch dieses Format geriet allenfalls zu passablem Erfolg; letztlich dürften die unterschiedlichen Spielrunden und die damit einhergehenden jeweiligen Regeln schlicht zu kompliziert gewesen sein.
Interessant besetzt war derweil die Jury des Formats; unter anderem rätselten Evelyn Burdecki und Thomas Herrmanns mit. Ob es von der Show im nächsten Jahr wirklich eine Fortsetzung geben wird, ist absolut unklar.
<h2>„The Big Performance“ – die zweite Masken-Show</h2>
Am ehesten kommt man dem „The Masked Singer“-Gefühl noch beim RTL-Samstags-Format „The Big Performance“ nahe. Am 3. Oktober läuft hiervon das Finale. Auch in dieser Sendung stehen bekannte Musiker auf der Bühne – bleiben aber unerkannt, da sie maskiert sind. Schon demaskiert wurden zuletzt Prince Damian und Vanessa Mai. Anders als beim ProSieben-Format aber sind sie nicht als kuschelige Tiere zu sehen, sondern tragen Masken ihrer Musiker-Idole, sehen diesen auf der Bühne also zum Verwechseln ähnlich.
Kleine Änderung, große Wirkung: Dadurch geht der RTL-Show das spielerische Element, das Witzige und Erstaunliche, das die ProSieben-Show so einmalig macht, verloren.
Bleibt festzuhalten: Das Privatfernsehen hat in diesen Tagen jede Menge neue Show-Ideen bereit gehalten – nicht alle waren absolut ausgegoren, keine von ihnen kam an den Mega-Hit „The Masked Singer“ heran. Dass totaler Stillstand herrscht, so wie man es manchen Sendern noch 2015 oder 2016 vorwarf, ist aber definitiv falsch. Das ist doch schon einmal etwas.

Das Alien, die Biene und das Nilpferd sind die ersten drei Masken, die ganz Deutschland bei "The Masked Singer" auf ProSieben ab Oktober  vor das große Rätsel stellen: Welcher Star verbirgt sich unter der Maske? 

The Masked Singer

„The Masked Singer“ und „Big Performance“: Die neue Show-Welle

Du willst Filme in voller Pracht genießen? Dann brauchst Du ein Heimkino. Das musst Du bei der Planung beachten.

Der Zweck eines Heimkinos ist es, abhängig von den Gegebenheiten des Raums ein bestmögliches Seh- und Hörerlebnis zu schaffen. Ein einfaches Setup kann etwa aus einem Fernseher und einer Soundbar bestehen, wenn Du aber nach mehr verlangst, gibt es abhängig von Budget und Vorlieben eine Menge Möglichkeiten. In diesem Ratgeber erfährst Du alles, was Du bei der Planung eines Heimkinosystems berücksichtigen solltest.&nbsp;
<h2>Größe des Raums&nbsp;</h2>
Die Größe des Zimmers ist maßgeblich für die Komponenten, aus denen Dein Heimkino bestehen sollte. Vor allem spielt er für die Wahl der richtigen Bildschirmdiagonale die entscheidende Rolle. Früher hieß es gerne: Multipliziere die Bildschirmdiagonale mal 2,5, ergebe sich die optimale Bildschirmdiagonale. Bei einem 55“-Fernseher (139,7cm) wären das demnach rund 3,5 Meter. Da aber Fernseher und Beamer immer schärfere Bilder erzeugen, kannst du bei etwa bei 4K deutlich näher an an den Bildschirm heranrücken als bei einem Gerät mit Full-HD. Aus diesem Grund lautet die neue Faustformel:&nbsp;
(Bilddiagonale in cm) x 2 für Full-HD; (Bilddiagonale in cm) x 1,2 für UHD-Auflösung 
Hast Du die ideale Größe ermittelt, weißt Du auch oder besser ein Fernseher oder ein Projektor zum Einsatz kommt.&nbsp;&nbsp;
LED- oder OLED-Fernseher: OLED-Geräte sind immer gefragter. Bei diesen Geräten bestehen die Panels wie bei LEDs nicht aus Metallen und Halbleitern, sondern aus organischen Materialien wie Plastik oder PET. Vorteile: Enormer Kontrast, bessere Farbbrillanz, größere Effizienz und schnellere Schaltgeschwindigkeit als LED – fürs Heimkino also ideal. Inzwischen sind die Preise von 55-Zoll-Modellen mit dieser Technik unter 1.000 Euro gefallen, was die Verkäufe weiter ankurbelt.&nbsp;
4K-Modelle gehören dabei weiter zum Standard. Die Hersteller versuchen zwar weiter kräftig das noch schärfere 8K voranzutreiben, diesen Plänen machte aber COVID 19 einen Strich durch die echnung. Schließlich fielen Veranstaltungen wie die Fußball EM und Olympia ins Wasser, die einige Sender erstmals in 8K produzieren und ausstrahlen wollten. Das Interesse an entsprechenden Geräten bleibt aber nicht nur aufgrund fehlender Inhalte gering, auch Preis und Energieverbrauch liegen immer noch deutlich über denen gleich großer 4K-Modelle.&nbsp;
Projektoren: Beamer haben ihre Stärken, wenn es auf besonders große Bilddiagonalen größer als 2 Meter ankommt. Vor allem Laserbeamer mit Ultrakurzdistanz-Projektion bieten sich fürs Heimkino an. Das aber nur, wenn sich der Raum gut abdunkeln lässt. Achte auf jeden Fall darauf, dass Du ein Heimkino- und kein Office-Modell kaufst. VGA-, Audio- und Composite-Video-Ein- und Ausgängen interessieren Dich nicht, Du brauchst nur HDMI.&nbsp;&nbsp;

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Unabhängig davon, ob der Raum groß oder klein ist, solltest Du Dir zudem folgende Fragen stellen:&nbsp;
<ul>
<li>&nbsp;Wie viel Umgebungslicht ist vorhanden? Bei Fernsehgeräten kann Sonnenlicht für Reflexionen sorgen, bei Beamern zu einem blassen Bild.&nbsp;</li>
<li>Wo willst Du sitzen? Dadurch ergibt sich die optimale Bildschirmgröße für das beste visuelle Erlebnis.&nbsp;</li>
<li>Ist Teppich verlegt? Dieser Faktor wirkt sich auf die Verteilung des Schalls aus, insbesondere der Bässe. Teppichböden helfen dagegen bei der Absorption unerwünschter Audio-Artefakte.&nbsp;</li>
<li>Positionierung der Lautsprecher: Willst Du die Lautsprecher im Raum, an der Wand oder an der Decke platzieren? Ob Decken- oder Wandeinbaulautsprecher praktischer sind, hängt von der Raumakustik ab und davon, welche Surround-Sound-Formate am häufigsten verwendet werden.&nbsp;</li>
</ul>
<h2>Weitere wichtige Komponenten fürs Heimkino&nbsp;</h2>
Receiver: Ein wesentlicher Bestandteil von Surround-Sound-Systemen ist ein Heimkino-Receiver, der folgende Funktionen in einem Gerät vereint:&nbsp;
<ul>
<li>Radiotuner für AM/FM, HD und Satellitenradio&nbsp;</li>
<li>Vorverstärker, der steuert, welche Audio- und Videoquelle ausgewählt wird. Er verarbeitet dann die eingehenden Tonsignale und verteilt sie an die richtigen Verstärkerkanäle und den Subwoofer-Ausgang. Der Vorverstärker in einem AV-Receiver kann auch Videosignale von Quellkomponenten weiterleiten, etwa das Videosignal vom Blu-ray-Player zum Fernseher.&nbsp;</li>
<li>Mehrkanalverstärker (5.1, 6.1, 7.1 oder mehr Kanäle), der die Surround-Sound-Signale an das Lautsprechersystem sendet.&nbsp;</li>
</ul>
In besonders hochwertigen Heimkinosystemen werden die Funktionen eines Receivers auf separate Komponenten verteilt. Eine Vorverstärker/Verstärker-Kombination bietet etwa mehr Flexibilität und hilft, Störungen zu vermeiden, die durch den Umstand entstehen können, dass alle Funktionen in einem Gerät vereint sind. Im Normalfall ist eine Heimkino-Receiver jedoch die beste Wahl.&nbsp;&nbsp;
Lautsprecher: Eine Soundbar oder Stereolautsprecher bieten kein Heimkino-Feeling, ganz gleich, welche "Virtual Surround"-Versprechen die Hersteller machen. Für echten Raumklang brauchst Du fünf, sieben oder neun Lautsprechern plus einen Subwoofer. Für ein 5-Kanal-Setup benötigst Du beispielsweise jeweils zwei Front-, zwei Rück- und einen Center-Lautsprecher. Höre Dir vor dem Kauf am besten verschiedene Marken und Setups an und entscheide dann. Dazu kommt dann noch der für die tiefen Frequenzen zuständige Subwoofer, den Du frei im Raum positionieren kannst.&nbsp;&nbsp;

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Zuspieler 
<ul>
<li>Ultra HD-Blu-ray-Disc-Spieler: Spielt Filme in echter 4k-Auflösung und daneben auch DVDs und Audio-CDs ab.&nbsp;</li>
<li>Streaming: Sofern Du eine schnellen Internet-Anschluss anzapfen kannst, sind Streaming-Dienst wie Netflix und Amazon-Video als Quelle ideal. Hier gibt’s Filme und Serien satt, immer mehr davon gibt’s in superscharfer 4K-Auflösung. Moderne Fernseher bieten direkten Zugriff, alternativ geht’s auch über netzwerkfähige Blu-ray-Player.&nbsp;</li>
</ul>
Verkabelung 
Das wichtigste Kabel im Heimkino ist eindeutig HDMI. Im Heimkino übertragen HDMI-Kabel Ton und Bild etwa vom Blu-ray-Player und Spielkonsole zum AV-Receiver, der dann die Signale an Beamer oder Fernseher weiterleitet. Wenn Du Dich für 4K entscheidest, sollten alle Kabel den Standard HDMI 2.0 oder noch besser 2.1 unterstützen.&nbsp;&nbsp;
Selbst installieren oder Fachmann fragen? 
Falls Du Dir bei Aufbau und Installation nicht sicher bist, oder sogar ein individuelles Heimkino der Spitzenklasse planst, solltest Du die Hilfe eines professionellen Heimkino-Installateurs in Betracht ziehen. Der Installateur kann nützliche Vorschläge zu Komponenten oder Installationsoptionen machen, die in Deinen vier Wänden am besten funktionieren. Teurer wird es dadurch aber allemal.&nbsp;&nbsp;&nbsp;

Popcorn

Der Weg zum eigenen Heimkino

Ein neuer Spiele-PC soll her? Dann beachte unbedingt die 5 folgenden Tipps.

Der Bau eines Gaming-PCs kann Spaß machen aber auch frustrierend sein. Möglicherweise verfügst Du über ein knappes Budget und hast Schwierigkeiten, die richtigen Teile zu finden, um das Maximum herauszuholen. Das ist angesichts der nahezu unbegrenzten Möglichkeiten vollkommen normal. Egal, für welche Konfiguration Du Dich letztlich entscheidest, die folgenden Ratschläge solltest Du stets im Hinterkopf behalten.&nbsp;
<h2>Die Auflösung entscheidet&nbsp;</h2>
Die wichtigste Frage, die Du Dir vor dem Kauf oder Bau eines Gaming-PCs stellen musst? In welcher Auflösung will ich spielen? Denn davon hängt maßgeblich ab, was Deine künftige Maschine unter der Haube haben muss. Standard ist aktuell 1080p (Full-HD), also 1.920 x 1.280 Bildpunkte. Höhere Auflösungen wie 1440p (WQHD / 2.560 x 1.440 Pixel) und 4K (Ultra-HD / 3.840 x 2.160 Pixel) werden aber immer beliebter.&nbsp;&nbsp;
Zum Verständnis: Ein auf 1080p ausgelegter PC muss rund 2,5 Millionen Bildpunkte berechnen, ein 4K-PC dagegen rund 8,3 Millionen. Unterm Strich müsste der 4K-PC also über dreimal schneller sein, um ein Spiel flüssig darzustellen. Das betrifft vor allem die Leistung der Grafikkarte. Wenn Du Dich also beim Monitor für eine moderate Auflösung entscheidest, kannst Du allein bei der Grafikkarte Hunderte Euro sparen und zu einem Mittelklasse-Modell mit ansprechendem Preis/Leistungsverhältnis greifen. Der Spielspaß leidet darunter kaum, 1080p auf einem Bildschirm mit 24 Zoll Bildschirmdiagonale sieht ebenfalls klasse aus.&nbsp;&nbsp;

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<h2>Bauen oder kaufen?&nbsp;</h2>
Ob Du einen fertig gebauten Komplett-PC beim Händler kaufst oder Dir die einzelnen Bauteile einzeln bestellst und zusammenschraubst, ist Geschmackssache. Beide Varianten haben Ihre Vor- und Nachteile. Entscheidend sind vor allem Zeit und Budget. Ein Eigenbau kann einige Euro sparen und bietet Dir mehr Freiheiten.&nbsp;&nbsp;
Dagegen ist der Kauf eines vorgefertigten Spiele-PCs schneller, einfacher und im Allgemeinen zuverlässiger. Letzten Endes liegt die Entscheidung allein bei Dir. Magst Du es selbst Hand anzulegen und zu schrauben und drehst nicht gleich durch, wenn etwas nicht funktioniert? Dann baue selbst. Fühlst Du Dich dagegen unwohl bei dem Gedanken, mit Schraubenzieher und Wärmeleitpaste bewaffnet die verschiedenen Komponenten zusammenzubasteln, dann greife besser zu einem Komplett-PC.&nbsp;&nbsp;&nbsp;
<h2>Nicht am Netzteil sparen&nbsp;</h2>
Das Netzteil gehört zu den Bauteilen, die gerne vernachlässigt werden. Schließlich fragt Dich keiner deiner Freunde als erstes nach der Stromversorgung, sondern was für eine Kombination aus Prozessor und Grafikkarte im PC steckt. Auch viele PC-Hersteller vernachlässigen das Thema und rücken beleuchtete Gehäuse und hohe Taktraten in den Vordergrund. Ein günstiges Netzteil mag auch vordergründig ein guter Bereich zum Geld sparen sein, damit Du Dir eine bessere Grafikkarte oder eine schnellere CPU leisten kannst – aber das ist ein Fehler.&nbsp;&nbsp;
Denn wenn der Prozessor das Hirn eines PCs darstellt, dann ist das Netzteil das Herz. Ist es zu schwach, gerät das gesamte System aus dem Takt. Dabei ist nicht allein die Wattzahl die entscheidende Größe, sondern die Qualität. Minderwertige Netzteile sind etwa nicht in der Lage Leistungsspitzen abzufangen und / oder geben schneller den Geist auf. Wichtig deshalb: Setze auf ein starkes Netzteil von Markenherstellern wie Bequiet, Corsair oder Seasonic. Wichtig ist ein Wirkungsgrad von mindestens „80+ Bronze“ (besser „Gold“) dass von der Wattzahl zu deiner Konfiguration passt.&nbsp;
<h2>Faktor Kühlung&nbsp;</h2>
Ähnliches wie für das Netzteil gilt fürs Gehäuse und Kühlelemente. Auch bei diesen Teilen solltest Du nicht zu viel sparen. Das gilt insbesondere für den Fall, wenn Du den Gaming-PCs selbst zusammenschrauben willst. Ein einfaches PC-Gehäuse, das nicht viel Platz bietet, lässt sich meist schlechter handeln, der Zusammenbau wird zur Tortur. Billige Materialien und schlechte Lüftungskonzepte können sogar die Leistung des PCs schmälern. Und zwar dann, wenn Prozessor und Grafikkarte heiß werden und folglich heruntertakten. Von dem Krach, den billige Lüfter in Kombination mit billigen Gehäusen erzeugen, ganz zu schweigen.&nbsp;&nbsp;&nbsp;

<img src="/api/static/05fe9a4a60e22bdf56646e10bd2baabe.png" alt="Lüfter" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Frage Hardware-Experten um Rat&nbsp;</h2>
Sobald Du Dich für eine Konfiguration entschieden hast, veröffentliche eine vollständige Liste samt aller Komponenten in einem Hardware-Forum (etwa <a href="https://www.computerbase.de/forum/forums/desktop-computer-diskussionen.74/" target="_blank">Computerbase</a> ), in dem viele PC-Experten mitlesen. In der Regel bekommst Du interessante Rückmeldungen und vielleicht auch Tipps zu Alternativen oder anderen Konfigurationen, die unter Umständen besser funktionieren.&nbsp;&nbsp;

PC bauen

Gaming PC zusammenstellen:  5 wichtige Tipps 

Nach The Walking Dead und Fear the Walking Dead startet am 2. Oktober bei Amazon Prime The Walking Dead: World Beyond. Wie gut ist die?

Die Hauptserie The Walking Dead endet - wenn auch mit sehr langer Vorlaufzeit. Staffel 10 bekommt nach dem eigentlichen FInale im Oktober noch sechs weitere Folgen im Frühjahr 2021, bevor insgesamt 24 Episoden der elften Staffel ab Herbst 2021 bis ins Jahr 2022 laufen wird. Doch zu Ende sind die Geschichten aus dem untoten Amerika damit nicht. Eine Spin-Off-Serie mit Daryl und Carol ist ebenso angekündigt wie Tales of The Walking Dead - eine Anthologie-Serie mit wechselnden Hauptfiguren. Vorher aber kommen die zwei Staffeln The Walking Dead World Beyond, die den bislang weitesten Sprung in die Zukunft macht. Ist das sehenswert?
<h2>Die Handlung</h2>
Zehn Jahre sind nach dem Ausbruch des Untoten-Virus vergangen. Iris (Aliyah Royale) und ihre Schwester Hope (Alexa Mansour) gehören zur ersten Generation, die noch Kinder waren, als die Zivilisation unterging. Und für die ein Leben hinter Mauern alles ist, was sie kennen. Zwischen der rebellischen Hope und der ehrgzeizigen Iris steht aber nicht nur ein schreckliches Ereignis aus ihrer Kindheit, sondern auch unterschiedliche Ansichten über die aktuelle politische Situation. Denn der Bund aus der Stadt Omaha, wo die beiden Schwestern leben und Portland wird von einer dritten Kraft geführt, der Civic Republic. Und die hüllt sich über Herkunft und Ziele in Schweigen.
Auch der Besuch der hochrangigen Civic-Anfüherin Elizabeth (Julia Ormond) ändert an diesen Geheimnissen nichts. Für die Schwestern doppelt hart, denn ihr Vater ist seit Monaten im Gebiet der Republic, um sein Wissen über das Virus weiterzugeben. Und steht nur verbotenerweise über eine Art Fax mit seinen Töchtern in kurzen, einseitigen Textkontakten. Nach einem bierseligen Gespräch mit Elizabeth entschließen sich die Schwestern daher, den Weg zu ihrem Vater anzutreten, durch 1100 Meilen Untotenland, Mit zwei Freunden, dem klugen Elton (Nicolas Cantu) und dem schweigsamen Silas (Hal Cumpston), nachen sich Hope und Iris auf den Weg. Doch sie werden verfolgt ...


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<h2>Coming of Age - mit Zombies</h2>
TWD: World Beyond beleuchtet in den ersten zwei Folgen, die Amazon Prime vorab zur Verfügung stellte, in erster Linie das Verhältnis zwischen Hope und Iris, sowie mit ihrem Beschützer Felix (Nico Tortorella), der gemeinsam mit einer Freundin dem Teenager-Quartett ins Ungewisse folgt. Zwar haben die anderen Serien auch immer wieder einmal von Teenie-Problemen in der Apokalypse erzählt, so zentralen Raum wie hier hat das Thema allerdings bisher nicht bekommen. Denn das Finden der eigenen Persönlichkeit ist in der Serie ebenso wichtig wie der Überlebenskampf gegen die "Empties", wie sie hier in der englischen Version genannt werden.&nbsp;
Für seine Generation prägt Elton hingegen das Wort "Endling", denn sie sind seiner Meinung nach die letzten ihrer Art, steht die Menschheit kurz vor der Vernichtung. Doch während die vier Teens in der Theorie ganz groß sind und alles zu wissen glauben, versagen sie in der Praxis kläglich. Die ersten Versuche, einen einzelnen Emptie zu töten, enden fast tödlich - obwohl alle ein jahrelanges Training im Kampf absolviert haben und über entsprechende Waffen verfügen. Diese Unfähigkeit, die in den ersten beiden Folgen mehrfach geradezu zelebriert wird, ist das größte Ärgernis der neuen Serie - das einzige ist es nicht.
<h2>Wenig Licht, viel Schatten</h2>
Denn die neue Serie hat zumindest zu Beginn nichts Neues zu sagen, beinahe jeder Dialog ist bereits aus zehn Jahren TWD bekannt. Alle Figuren, alle Situationen, hat der Fan so oder ganz ähnlich bereits gesehen. Showrunner Matthew Negrete, der die Serie mit Langzeit-TWD-Producer Scott Gimple schrieb, hat trotz des Zeitsprungs in den beiden ersten Folgen keine neue Idee gefunden oder der Story einen Dreh verliehen, der auf eine wirklich frische Zombie-Serie hoffen ließe. Unerfahrene Überlebende auf einem Trip durch die lebensbedrohliche, hier nicht mehr ganz so neue Wirklichkeit der herunstreunernden Untoten. Das ist kalter Kaffee.


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Zudem klärt Negrete auch im Finale der ersten Folge schon, wer in der Serie der Bösewicht ist, und verschenkt damit eine weitere Möglichkeit, Spannung zu erzeugen. Und davon hat die Serie zum Start ohnehin nicht sehr viel. Dennoch ist es zu früh, um über TWD World Beyond den Stab zu brechen. Denn neben bekannten Schwächen der Serien verfügt die neue auch über bekannte Stärken. So machen die Maskenbildner weiterhin einen guten bis herausragenden Job, wenn sie sich immer neue Untote ausdenken und zu gruseligem Leben erwecken. Und auch die Schauspieler bieten sehenswerte Auftritte, allerdings sind die guten Frauenrollen bislang noch in der Überzahl.
Alexa Mansour und Aliyah Royale setzen als ungleiche Schwestern ein Highlight, dazu gibt Julia Ormond ihre undurchsichtige Figur gewohnt kühl. Nico Tortorellas Charakter, der in Folge zwei durch Backflashs eine Hintergrundstory bekommt, hat dagegen nur wenig zu tun. Und Nicolas Cantu darf in nur einer Szene beweisen, dass sein Charakter das Potenzial für einen Schurken mitbringt. Das größte mögliche Plus der Serie ist aber ihr Ende. TWD World Beyond ist als Mini-Serie mit nur zwei Staffeln geplant, könnte also eine weitaus interessantere Dramaturgie entwickeln als die anderen. Selbst wenn davon bisher noch nicht viel zu sehen ist.&nbsp;
<h2>Fazit:</h2>
Nach zwei Folgen hat sich The Walking Dead: World Beyond noch nicht mit Ruhm bekleckert, bietet aber immerhin ein paar interessante Figuren im typischen Überlebenskampf-Allerlei des TWD-Universums. Wenn die Autoren in den kommenden Episoden noch zulegen, könnte sich die Serie, die nur 20 Episoden bekommen wird, also durchaus noch zum Must-See entwickeln, Potenzial wäre vorhanden.


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The Walking Dead World Beyond

Aller guten Dinge sind drei? The Walking Dead: World Beyond

Shakespeare, Agatha Christie und Dante Alighieri, voll verentet: Eine Sammleredition des „Lustigen Taschenbuchs“ scherzt sich durch die Weltliteratur.

Wenn Romeo seine Julia anquackt, Micky und Minni Maus mit dem Orient-Express unterwegs sind und Goofy zum Kampf gegen Windmühlen antritt, dann ist es schon wieder passiert: Entenhausen ist mit den Klassikern der Weltliteratur kollidiert. Comics, in denen Donald Duck, sein gieriger Onkel Dagobert, der findige Mäuserich Micky und Konsorten entweder in Rollen aus großen Dramen, Abenteuerromanen und Theaterstücken schlüpfen, oder aber als sie selbst in Storys stolpern, die frappierend an große Literatur erinnern, gehören seit vielen Jahrzehnten zum Stammrepertoire des „Lustigen Taschenbuchs“. Diesen Herbst zelebriert der Ehapa Verlag diese Tradition mit einer vierteiligen Sonderedition: „Literatur aus Entenhausen“.

Die vier Sammelbände umfassen Nachdrucke einiger der unter Disney-Fans beliebtesten Comics mit Literaturbezug aus der über 50 Jahre langen Geschichte des „Lustigen Taschenbuchs“ sowie exklusive deutsche Erstveröffentlichungen. „Von Goethe zu Defoe, von Stevenson zu Hugo, von Dickens zu Shakespeare, das LTB hat sämtliche Klassiker der Weltliteratur – nur halt in lustig“, preist der Comicverlag die in edlem Rot gehaltene Edition an.

Unter diesen neuen Storys befindet sich eine disneyfizierte Nacherzählung von Shakespeares „Hamlet“ mit Donald Duck in der Titelrolle des „Ducklet“ und „Die fantastischen Abenteuer des Don Quigoof de la Bilanca“ mit Tollpatsch Goofy als Junker Don Quijote.&nbsp;

<img src="/api/static/e211a5a3131aa34d16242e26505a6f8f.png" alt="© Disney / Egmont Ehapa" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Besonders beliebte Disney-Comicschätze</h2>
Unter anderem erscheint innerhalb der „LTB Sonderedition – Literatur aus Entenhausen“ erneut die gefeierte Geschichte „Mickys Inferno“, die in Deutschland bisher nur einmal abgedruckt wurde – und zwar im mittlerweile meist nur zu völlig überhöhten Preisen erhältlichen Paperback-Band „Die göttliche Entenkomödie“ aus dem Jahr 2001. Die Geschichte selbst, eine Parodie auf Dante Alighieris durch die Hölle und das Fegefeuer ins Paradies führende „Göttliche Komödie“, ist aber deutlich älter: Sie wurde 1949 von Disney-Autor und Phantomias-Miterfinder Guido Martina und Zeichner Angelo Bioletto umgesetzt. Damals waren die italienischen Disney-Comics noch nicht in einer Art stilistischen Findungsphase – was „Mickys Inferno“ anzumerken ist. Denn dieser 69-seitige Streifzug durch ein Mammutwerk der italienischen Dichtkunst ist eine überaus disney-untypische, unangepasste Erzählung voller makaberem Humor.

Im Inducks, dem Disney-Comic-Pendant zur Internet Movie Database, wurde „Mickys Inferno“ von den Fans auf Platz 57 von derzeit 38.395 gelisteten Geschichten gewählt. Damit befindet sich der Comic direkt hinter „Doktor Duckenfaust“, einer Donald-Duck-Persiflage auf Goethes „Faust“. Der 70-Seiter aus dem Jahr 1958 gehört ebenfalls zu den in der Litaratur-Sammleredition des „Lustigen Taschenbuchs“ gesammelten Geschichten. Auch eine sehr atmosphärisch gezeichnete „Moby Dick“-Parodie (Rang 376 im Inducks), „Donald von Münchhausen“ (Rang 581) und das Dinosaurierabenteuer „Die verlorene Welt“ (Rang 676) machen diese vierteilige Edition zu einem regelrechten Best-of der Disney-Literaturparodien.


<img src="/api/static/24b7655b46b9bc1ffbfe89af26af2e18.png" alt="© Disney / Egmont Ehapa" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Ungeduld wird belohnt</h2>
Der Ehapa Verlag veröffentlicht die „Lustiges Taschenbuch“-Sonderedition „Literatur aus Entenhausen“ einzeln oder optional in einem Sammelschuber. Die einzelnen Bände erscheinen am 14. Oktober, 28. Oktober, 11. November und 25. November 2020. Der Sammelschuber mit allen vier Bänden kommt bereits am 14. Oktober 2020 in den Handel.

Shakespeare, Agatha Christie und Dante Alighieri, voll verentet: Eine neue Sammleredition des „Lustigen Taschenbuchs“ scherzt sich durch die Weltliteratur.

Literatur mit Ente: Donald und Co. parodieren sich durch beliebte Klassiker

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Disney+ gibt Gas in Sachen Marvel: Mit neuen Abenteuern des SHIELD-Bosses Nick Fury hat der Medien-Konzern eine weitere TV-Serie angekündigt

Samuel L. Jackson ist seit Beginn des MCU mit dabei, kein anderer Schauspieler hat seine Rolle so häufig gespielt wie der bald 72-jährige Star. Ein eigener Kinofilm stand dabei allerdings nie zur Debatte. Doch nun soll der beinharte Chef des Superhelden-Geheimdienstes doch noch zu Solo-Ehren kommen - bei Disney+. Das Entertainment-Portal Variety meldet unter Berufung auf seriöse Insider-Quellen, dass eine Serie mit Jackson geplant ist, in der die Figur weitaus mehr Platz bekommt als in den bisherigen Film- und Serienauftritten. Worum es dabei genau gehen könnte, darüber hat bereits ein fröhliches Spekulieren im Internet eingesetzt.


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<h2>Abenteuer im All?</h2>
Zuletzt haben die Fans Fury in Spider-Man: Far From Home auf einer Raumstation gesehen, die für Comic-Kenner der "Peak" ist, die Basis der Organisation "SWORD". HInter SWORD verbirgt sich eine SHIELD-Abteilung, die sich um Bedrohungen für die Erde kümmern soll, die aus den Tiefen des Weltraums kommen. MIt den SKrull wird der Peak bereits von einer freundlich gesinnten Alien-Rasse bewohnt und die Serie könnte davon erzählen, wie Fury mit deren Hilfe Attacken aus dem All abwehrt. Da mittlerwweile MCU-Chef Kevin Feige auch über das TV-Serien-Universum herrscht, dürfte die Serie aber auch enge Verflechtungen mit mindestens einem Marvel-Kinofilm aufweisen. Die wahrscheinlichste Wahl ist da natürlich Captain Marvel 2. Der Film ist momentan für Juli 2022 geplant (Corona könnte da aber noch für Verschiebungen sorgen) und gehört bereits zu Marvels Phase Fünf.
Vor 2022 darf man die Serie auf Disney+ allerdings auch nicht erwarten, denn vorher dürften noch Wandavision, The Falcon and the Winter Soldier, Loki, Hawkeye, What If?, She-Hulk, Ms Marvel und Moon Knight starten. Ein zusätzliches Problem könnte auch Jacksons enger Drehplan sein, denn der Schauspieler ist nach wie vor extrem gut im Geschäft und dreht fleißig Filme. Spiele.de hält dich auf dem Laufenden, was News aus dem MCU angeht.

Nick Fury

Marvel: Nick Fury-Serie kommt zu Disney+

Schnarchen adé! Das verspricht Philips geplagten Partnern mit dem neuen SmartSleep Snoring Relief Band. Was steckt dahinter?

<h2>Hör auf zu schnarchen!</h2>
Es gibt im Bett fast nichts Schlimmeres als nicht schlafen zu können, weil neben dir jemand unaufhörlich Wälder abholzt. Nicht wenige Paare verteilen sich deshalb schon im frühen Beziehungsverlauf auf verschiedene Schlafräume. Das ist aber nicht immer möglich, sodass sich einer zwangsweise Ohrstöpsel zulegt. Das Risiko den Wecker zu überhören nimmt man für ein paar Stunden Schlaf einfach in Kauf. Philips will jetzt mit dem neuen SmartSleep Snoring Relief Band Abhilfe schaffen.
<h2>Warum schnarcht man?</h2>
59 % der Deutschen schnarchen sich des nachts eine Schneise durch die Nerven des Partners oder der Partnerin. Zumindest, wenn dieser nicht schon auf der Couch liegt. Das liegt zum Großteil daran, dass ein Drittel der Menschen in Deutschland passionierte Rückenschläfer sind. Schnarchen durch Rückenlage betrifft Mann und Frau. Da macht die nächtliche Schwerkraft keine Ausnahmen. Denn liegst du erstmal auf dem Rücken, erliegt dein Körper der Erdanziehung und du kannst nichts dagegen tun, dass automatisch auch Druck auf den Rachenbereich ausgeübt wird. Und schon kann munter losgeschnarcht werden. Philips will diesen Rückschläfern beziehungsweise deren Partnern nun helfen.

<img src="/api/static/609b16c34e040aea1abc745c8a6dd071.png" alt="Philips SmartSleep Snoring Relief Band" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Wie soll das funktionieren?</h2>
Das graue SmartSleep Snoring Relief Band wird einfach vorm Schlafengehen um die untere Brust gelegt. Damit der Gurt den Schlaf nicht stört, ist er besonders weich und anschmiegsam. Ein Sensor garantiert nun nachts, dass das Band jeden Positionswechsel auf den Rücken registriert. Mit sanften Vibrationen sorgt es dann dafür, dass sich der Träger wieder auf die Seite zurückdreht. Sollte die erste Vibration keinen Erfolg bringen, steigt die Intensität, bis die Seitenlage wieder eingenommen ist. Im Sensor ist zudem ein selbstlernender Algorithmus integriert. Dieser überwacht und misst Schlafverhalten und Bewegungsmuster über mehrere Nächte. Einem Gewöhnungseffekt wird vorgebeugt, indem das Vibrationsmuster in einem Fünf-Tages-Rhythmus eigenständig wechselt. Das Display des Bandes zeigt drei individuelle Daten an: Die Häufigkeit der Drehungen durch die Vibration, die Dauer des Schlafs und die Gesamtzahl der Stunden, die auf dem Rücken geschlafen wurde. Von Philips beauftragte interne Tests haben gezeigt, dass sich bei 85 % der Schlaf verbessert hat.
Gegen Schnarchen aufgrund einer schiefen Nasenscheidewand oder anderer gesundheitlicher Faktoren hilft das Band allerdings nicht.

Quelle: Philips

SmartSleep Snoring Relief Band

Schnarchen: Angriff auf den Beziehungskiller

Es hatte sich schon länger angedeutet, nun hat Marvels Mutterkonzern Disney offiziell verkündet: 2020 kommt kein Marvel-Film mehr in die Kinos!

Es sollte der Schwanengesang für Scarlett Johansson als Black Widow werden: Eine Story, die lange vor ihrem Tod in Avengers Endgame spielt, sollte ihr nicht nur den lange überfälligen Solo-Film im MCU bescheren, sondern auch Marvels Phase Vier im Kino beginnen. Das wird wohl immer noch passieren, allerdings erst am 6. Mai 2021, denn auf diesen Termin hat Disney den Film nun geschoben. Das hat auch Auswirkungen auf andere Marvel-Filme.
Shang-Shi rutscht jetzt zwei Monate nach hinten auf den 8. Juli 2021, die Eternals werden erst am 4. November 2021 die Leinwand sehen. Beginnen wird die Phase vier nun also bei Disney+, denn Wandavision, dessen brandneuen Trailer du <a href="https://spiele.de/entertainment/filme-serien/wandavision-erster-trailer-der-disneyserie" target="_self">hier </a> findest, startet im Dezember 2020 und bildet damit den Auftakt. Gerüchteweise soll die von August verschobene Serie The Falcon and the Winter Soldier nur Wochen nach Wandavision starten und so ebenfalls noch vor Black Widow kommen.&nbsp;


<img src="/api/static/5a94498be3a544a9ae40022613c0edaf.png" alt="Black Widow" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Worum geht's in Black Widow?</h2>
Der Film, der nun auch mehr als ein Jahr verschoben wurde, wird die Entstehungsgeschichte von Natasha Romanoff alias Black Widow erzählen, allerdings nur in Rückblenden, der Hauptplot spielt nur einige Jahre vor Natashas Tod. Vom sowjetischen Geheimdienst als Killerin ausgebildet, kehrt sie zu ihrer Ersatzfamilie zurück, um alte Rechnungen zu begleichen. Im Film wird auch Yelena Belova auftauchen, die in den Comics ebenfalls eine Black Widow ist und von Florence Pugh verkörpert wird. Sie soll angeblich auch die neue Black Widow im MCU werden, auch wenn das noch nciht bestätigt ist. Und der Gegner der Widows und ihres Ziehvaters Red Patriot (David Harbour) wird der Taskmaster sein, ein Superschurke, der alle Fähigkeiten seiner Gegner erlernen und gegen sie einsetzen kann. Wer mehr wissen will: Im neuen<a href="https://spiele.de/entertainment/videospiele/superhelden-satt-marvels-avengers-im-test" target="_self"> Videospiel Marvel's Avengers</a> spielt der Taskmaster ebenfalls eine Rolle.

Marvel: Black Widow auf 2021 verschoben

Heißer Herbst oder laues Lüftchen? Wir werfen für euch einen Blick auf die Neuheiten der vier beliebtesten Hersteller.  

Während Huawei weiterhin zu kämpfen hat, weil die Google-Software fehlt, plant Apple etwa mit einer Mini-Variante seines iPhone. Samsung hat es mit dem nächsten Falt-Handy in die Schlagzeilen geschafft.
Für die großen Technologie-Hersteller weltweit beginnt derzeit wieder eine wichtige Phase im Geschäftsjahr: Mit dem Start des Herbstes geht es in die umsatzträchtige Zeit und nicht zuletzt deshalb auch schon direkt in Richtung des lukrativen Weihnachtsgeschäfts. Nicht umsonst stellen zahlreiche große Technik-Unternehmen nun die neuesten Modelle vor. Hier findet ihr einen Überblick über die spannendsten Entwicklungen und heißtesten Gerüchte der Handy-Branche.
Der Smartphone-Markt, der vor rund eineinhalb Jahrzehnten durch die damals bahnbrechende Erfindung des iPhone an Fahrt aufnahm, wird derzeit von mehreren großen Playern regiert – vier davon sind der Konkurrenz ein bisschen voraus.
<h2>Huawei bietet ein Fotowunder mit Makel</h2>
In der Tat ist die Firma Huawei mit ihren zahlreichen Smartphone-Modellen inzwischen globaler Marktführer. Im zweiten Quartal 2020 kamen 20 Prozent der gekauften Smartphones von diesem Hersteller. Damit wurde auch eine Delle ausgebügelt, die entstand, weil die Firma seit 2019 ohne Google-Dienste auskommen muss. Sie wurde in den USA auf die schwarze Liste gesetzt, weshalb neue Geräte jetzt nicht mehr auf die Software des US-Riesen setzen können. Entsprechend wurden die Modelle der neuen P40-Serie von Technik-Experten mit besonderer Aufmerksamkeit beobachtet, letztlich aber als eine sinnige und konsequente Weiterentwicklung der Modelle aus der P30-Serie eingestuft.
Huaweis Kirin 990-Chip ist auch Teil der neuesten Handys, 5G wurde von Huawei mit großer Freude als Standard deklariert. Die Firma selbst sieht sich als weltweiter Vorreiter der Technologie, die letztlich auch Deutschland erobern soll, aber eben noch in den Kinderschuhen steckt. Besonders viel Lob bekommt Huawei – übrigens nicht erst seit der P40-Reihe – für die verbauten Kameras. Sensoren für hohe Lichtaufnahme und einen großen Dynamikfarbraum sind verbaut und sorgen vor allem bei trübem Licht für verhältnismäßig gute Aufnahmen. Zudem sind Videoaufnahmen in 4K möglich.&nbsp;
Für den Herbst hat der Konzern nun das Modell Mate 40 angekündigt, das erneut mit seiner Kamera von sich reden macht: Es soll sich dabei um eine Quadkamera handeln, die mit vier Sensoren ausgestattet ist. Beim Mate 40 Pro ist angeblich ein 6,4 Zoll großes Display verbaut. Die Mate-Modelle starten bei Verkaufspreisen von gut 1000 Euro.
Weitere neue Modelle der Firma werden erst 2021 erwartet. Huawei hat angekündigt, dass diese dann mit einem eigenen Betriebssystem, nämlich Harmony OS 2.0, ausgestattet sind. Großes Problem für Huawei könnte eher der verbaute Chip werden: Im Sommer 2020 verhängte die US-Regierung ein Embargo gegen die Firma, das erreichen soll, dass Huawei der Zugang zu Chips verwehrt wird, die auf US-Technologien basieren. Das Modell Mate 40 könnte somit das zunächst letzte mit halbwegs aktuellem Chip sein. Berichte, wonach die Huawei-Führung mit einem Rückgang der Produktion rechnet, wurden vom Unternehmen nicht bestätigt.
spiele.de-Empfehlung: Eine gewisse Vorsicht ist geboten – die US-Regierung macht Huawei ernsthaft zu schaffen; wie gut das neue und eigene Betriebssystem sein wird, lässt sich kaum abschätzen. Huawei käme es in jedem Fall gelegen, würde die Trump-Administration die US-Wahlen im November 2020 nicht gewinnen. 
<h2>Einmal falten, bitte! Samsungs „neue“ Idee</h2>
Erst diese Woche hat Samsung ein neues Modell auf den Markt gebracht. Das Samsung S20 FE ist das neueste, recht farbenfrohe Mitglied der Galaxy-Familie und kann ab sofort vorbestellt werden. Der Zusatz „FE“ weißt laut Hersteller darauf hin, dass Samsung das Handy nach dem Feedback der Fans optimiert hat. Erhältlich ist es sowohl in einer 4G- als auch in einer 5G-Variante und soll im Vergleich zum „normalen“ S20 unter anderem durch starke Akkuleistung und einen etwas größeres Display bestechen. Doch nicht nur mit diesem Modell will sich Samsung die Marktführung sichern (mit rund 19 Prozent im zweiten Quartal lag der Konzern weltweit knapp hinter Huawei).&nbsp;

<img src="/api/static/dc2e3af480413964fac7031f2da56a22.png" alt="Bildquelle: Samsung" style="height: auto;width: auto"/>

Für Wirbel sorgt derzeit zudem das neue Falt-Handy von Samsung, Z Fold 2 5G. Von Samsung selbst vollmundig als „das nächste Kapital der Galaxy Smartphones“ beworben. Als wesentlicher Vorteil gegenüber der ersten Version des Falt-Handys wird die Abschaffung der dicken Ränder des vorderen Displays gesehen. Somit vergrößerte sich das Display im zugeklappten Zustand von vormals 4,6 auf nun 6,2 Zoll. Das Display im Innern, das im aufgeklappten Zustand zu Tragen kommt, misst ganze 7,6 Zoll. Bemängelt wird die HD+-Auflösung des vorderen Bildschirms. Samsung kündigte vor allem an, dass das neue Gerät sein Potential auch bei der Software ausschöpfen solle und wolle. Das Modell kommt mit 256GB Speicherplatz daher, was in Zeiten von Cloudlösungen für die meisten Nutzer absolut ausreichend sein dürfte. Während der Hersteller verspricht, dass die im Vergleich zum Vorgänger überarbeiteten Scharniere des Geräts 200.000 Faltvorgänge unbeschadet überstehen, bleibt die Frage, ob das Falten eines Mobiltelefons wirklich der neueste Trend wird. Zwar verwies Samsung immer wieder darauf, dass es praktisch sei, sein Handy mittels Ausklappen auf Tablet-Größe zu erweitern, in welchen exakten Alltagsituationen das genau helfen soll, blieb aber zumeist unbeantwortet. Der Preis ist zudem happig – angeboten wird es für knapp 2000 Euro.
Der Hersteller richtet derweil eineinhalb Augen schon auf das erste Quartal 2021; im Februar oder März soll das S21 (das eventuell auch S30) heißen wird, erscheinen. Sämtliche dazu vorliegende Leaks, unter anderem aus China, sind aber noch mit Vorsicht zu genießen, da sich die Vorhersagen teils selbst widersprechen.
spiele.de-Empfehlung: Wer Trendsetter sein will oder schlicht gern Neues ausprobiert, dem dürfte das neue Z Fold 2 5G gut zu Gesicht stehen. Wirklich nutzen dürfte es aber nur Konsumenten, die über das Smartphone viel streamen und daher den vergrößerbaren Bildschirm sinnvoll nutzen. 
<h2>Das alljährliche Warten auf das neue iPhone</h2>
Es ist inzwischen fast schon Tradition geworden: Jedes Jahr im Herbst stellt Apple-Chef Tim Cook die neue iPhone-Modell-Reihe vor und in den Wochen davor überschlagen sich die angeblichen Informationen, die auf Leaks basieren. 2020 sollte dem Apfelkonzern ein Coup gelingen, denn mit nur noch 13,5 Prozent Marktanteil im zweiten Quartal ist die Firma klar auf Rang drei der Global Player zurückgefallen. Mehr und mehr Gerüchte sagen, dass das neue iPhone 12 die ‚Größer und Größer‘-Strategie nicht fortsetzt, sondern diesmal mit einer besonders kleinen Version punkten will.
Die Miniversion kommt angeblich mit einer Bildschirmgröße von 5,4 Zoll aus, drei weitere Varianten bis hin zum Modell Max (6,7 Zoll) sollen ebenfalls vorgestellt werden. Spekulationen zufolge soll sich die Optik der neuen Modelle nur unwesentlich verändern. So werden Fans sich auch diesmal wieder auf das dominante Kameradesign einstellen können.&nbsp;

<img src="/api/static/506c3b6059fe4b530f56be9160f84ebb.png" alt="Das Apple Iphone 11 Pro. Bildquelle: Apple" style="height: auto;width: auto"/>

Und: Wer ein neues Apple-Gerät kauft, bekommt den Streamingdienst AppleTV+ für ein Jahr „for free“. Der Zugang zu zahlreichen kommenden Apple-Originals mit namhaften Stars oder schon bestehenden Serien wie „Ted Lasso“ und „The Morning Show“ kostet sonst rund fünf Euro im Monat.
spiele.de-Empfehlung: Die bahnbrechende Innovation aus dem Hause Apple ist nicht zu erwarten. Aber es ist wie immer: Wer seit Jahren auf neue Apple-Modelle hinfiebert, der wird auch diesmal zuschlagen. In Fankreisen hat Apple seinen festen Platz – neue Kundenschichten dürften schwer zu erschließen sein.
<h2>In Lauerstellung: Xiaomi</h2>
Der breiten Masse vielleicht gar nicht so bekannt, aber immerhin mit rund 10 Prozent Marktanteil vierte Kraft auf dem Smartphone-Markt ist die Marke Xiaomi, letztlich auch bekannt als Anbieter für Modelle zu etwas erschwinglicheren Preisen. Zuletzt wurde das Mi10 Ultra vorgestellt, das letztlich auch wieder mit sogenannten Under-Display-Kameras versehen ist – die Technik ermöglicht es, dass der Bildschirm wirklich von ganz unten bis ganz oben reicht. Die Hauptkamera auf der Rückseite wird von der Fachpresse als „beeindruckend“ beschrieben. Digital macht es die Kamera möglich, 120-fach zu vergrößern. Mit einem 6,67-Zoll-großen AMOLED-Display (120Hz) bekommen Nutzer ebenfalls starke Bilder zu sehen. Nach Herstellerangaben ebenfalls stark: Ein sich binnen 23 Minuten von null auf 100 Prozent aufladender Akku. Während das Gerät seit August in chinesischen Läden steht, soll es hierzulande im vierten Quartal 2020 verfügbar sein und vermutlich knapp 700 Euro kosten.
spiele.de-Empfehlung: Hier punktet nicht zuletzt der kontoschonende Preis. Bejubelt wird auch die Kamera, doch Xiaomi ist nicht der einzige Hersteller, dessen Gerät starke Bilder liefert. Wer das perfekte Gesamtpaket sucht und nicht auf jeden Euro schaut, ist bei Samsung besser beraten.
 Bildquellen: Pixabay / Hersteller

Handy-Trends: Was stellen Huawei, Samsung, Apple und Co. in die Läden?

Smartphone-Trends: Was stellen Huawei, Samsung, Apple und Co. in die Läden?

Geld anlegen und die Umwelt schützen? Immer mehr Anleger folgen dieser Idee. Aber es ist nicht ganz so einfach. 

Das Jahr 2020 avanciert zu einem der heißesten Jahre aller Zeit. Die Antarktis schmilzt. Und die Wälder brennen lichterloh im Amazonas-Gebiet, Kalifornien und Sibirien. Solche Meldungen lassen nicht nur Umweltschützer aufhorchen, auch Investoren sind besorgt. Die Auswirkungen des Klimawandels scheinen immer deutlicher. Die Folge sind nicht nur Katastrophen wie Waldbrände, auch Dürren, Überschwemmungen und Hitzewellen können die Wirtschaft aus dem Takt bringen. Und sie rücken Unternehmen immer mehr in den Fokus, die sich Nachhaltigkeit und Umweltschutz auf die Fahnen schreiben.&nbsp;&nbsp;
<h2>Börse: Öko ist in</h2>
Öko liegt auch an der Börse im Trend. Laut den Analysten von <a href="https://www.morningstar.com/articles/961765/sustainable-fund-flows-in-2019-smash-previous-records" target="_blank">Morningstar </a>investierten Anleger schon 2019 rund 20,6 Milliarden US-Dollar in Fonds, die sich auf Umwelt-, Sozial- und Governance-Themen konzentrieren. Das bedeutet nahezu eine Vervierfachung gegenüber 2018. Laut der <a href="http://www.gsi-alliance.org/wp-content/uploads/2019/12/Global-Sustainable-Investment-Alliance-TCFD-Poll.pdf" target="_blank">Global Sustainable Investment Alliance</a> machen in den USA die mit nachhaltigen Anlagestrategien verwalteten Gelder inzwischen mehr als ein Viertel des gesamten verwalteten Anlagevermögens aus. Und die <a href="https://www.bofaml.com/content/dam/boamlimages/documents/articles/ID19_1119/esg_matters.pdf" target="_blank">Bank of America</a> erwartet, dass in den nächsten zwei Jahrzehnten über 20 Billionen Dollar in Fonds mit dem Thema Klimawandel fließen. Vor allem die jüngere Generation fahre auf das Thema ab, bei ihr ständen Themen wie Klimawandel, Ressourcenverbrauch, Umwelt- und Sozialaspekte ganz oben auf dem Zettel. Für die Zielgruppe gibt es sogenannte Öko-Fonds oder -ETFs, die versprechen, ausschließlich „saubere“ Unternehmen abzubilden. Das Angebot wächst stetig, fundierte Aussage lassen sich aber nur zu Produkten machen, die schon länger am Markt sind.&nbsp;&nbsp;&nbsp;


<img src="/api/static/66745289095d917d5283090041190383.png" alt="iIt Öko reich werden" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Öko-ETFS: Nicht unbedingt grün&nbsp;</h2>
Zu dieser Gruppe zählt etwa der UBS MSCI World Socially Responsible (Isin LU 062 945 974 3), der auf dem Index MSCI World Socially-Responsible-Investing (SRI)-Index basiert. Der Index enthält rund 390 Aktien aus 23 Ländern. Das entspricht zwar nur rund einem Viertel des „großen“ MSCI, die Streuung ist immer noch breit. Dabei sind laut eigenen Angaben nur die nachhaltigsten Unternehmen einer Branche und nur solche, die „sozial verantwortlich investieren“. Tabu sind dagegen Waffenproduzenten ebenso wie Unternehmen mit umstrittenen Geschäftspraktiken, die unter anderem mit Themen wie Kinderarbeit und Menschenrechtsverletzungen in Zusammenhang stehen. Aus diesem Grund wurden zum Beispiel der Ölkonzern Exxon, Apple (wegen mangelnden Engagements gegen Kinderarbeit) und Facebook aufgrund von Datenschutzproblemen nicht dabei. Zu den derzeit größten Positionen zählen Microsoft, Tesla, Procter &amp; Gamble sowie nVidia.&nbsp;&nbsp;
Es sind aber auch fragwürdige Aktien von Konzernen im Index vertreten, wenn man den aktuellen Halbjahresbericht genauer unter die Lupe nimmt. Etwa das französische Mineralölunternehmen Total S.A., das nicht nur Öl- und Gasförderung betreibt, sondern auch Kohle und Uran zur Energiegewinnung nutzt und zu den größten Wasser- und Luftverschmutzern der Welt zählt. Zudem sind viele Unternehmen aus den Bereichen Pipeline, Bergbau, -Unternehmen dabei, genau wie viele Pharma- Biotech, sowie weitere Vertreter aus dem Öl- und Gassektor.&nbsp;
Auch der ETF iShares Dow Jones Global Sustainability Screened (IE 00B 57X 3V8 4), der auf dem iShares Dow Jones Global Sustainability-Index aufbaut, ermöglicht seit mehreren Jahren grünes Investieren. Der Index, auf dem der Form basiert, besteht aus rund 500 Titeln aus 36 Ländern. Laut Prospekt nimmt der Index nur Werte auf, die auf ihre wirtschaftlichen, umweltbezogenen und sozialen Merkmale getestet wurden. Außen vor sind aber obendrein Firmen, die ihr Geld mit Waffen und Rüstung, Alkohol, Tabak, Glücksspiel und Pornografie erwirtschaften. Atomkraft ist zulässig und auch Menschenrechtsverletzungen sind nicht ausdrücklich verboten. Da zudem auf den Ausschluss von fossilen Brennstoffen verzichtet wird, bleibt Klimaschutz auf der Strecke. Zu den Positionen zählt unter anderem Nestle, das speziell aufgrund von fragwürdigen Wasserunternehmungen in Afrika, Abholzung des Regenwaldes für Palmöl und Tierversuchen oft kritisiert wird. Auch das Bergbauunternehmen Rio Tinto ist vertreten, dessen Chef unlängst nach der Sprengung heiliger Stätten australischer Ureinwohner den Hut nehmen musste.&nbsp;
<h2>Öko: Die Rendite stimmt&nbsp;</h2>
Und was ist mit der Rendite? Steigen die Kurse von nachhaltigen Unternehmen vielleicht langsamer? <a href="https://www.uni-salzburg.at/fileadmin/oracle_file_imports/1759214.PDF" target="_blank">Studien </a> von aktiven gemanagten Nachhaltigkeitsfonds zeigen, dass im Vergleich zu anderen ähnlich konzipierten Fonds mit unsauberen Wert praktisch kein Unterschied zu beobachten war. Es spricht einiges dafür, dass sich diese Erfahrungen auch auf ETFs übertragen lassen. Zu einem noch besseren Ergebnis kommt die Fondsgesellschaft DWS. Gute Governance zahle sich aus, auch beim Aktienkurs, so eine <a href="https://www.dws.de/informieren/maerkte/aktien/gute-unternehmensfuehrung-zahlt-sich-aus/" target="_blank">Studie</a>. Vergleiche man den Spezialindex MSCI World Governance-Quality Index mit dem breiter gefassten MSCI World, komme der auf nachhaltige Unternehmensführung fokussierte Index auf eine jährliche Performance von 12,15 Prozent, der MSCI World dagegen „nur“ auf 9,72 Prozent. Sprich: Nachhaltige Unternehmensführung scheint die Kursentwicklung positiv zu beeinflussen.&nbsp;

&nbsp;
<img src="/api/static/9148567f533536ef7d1938f0b4df9cfb.png" alt="ds" style="height: auto;width: auto"/>
<h2>Fazit&nbsp;</h2>
Nachhaltig investieren liegt definitiv im Trend und verspricht überdurchschnittliche Renditen. Wer aber mit grünem Daumen investieren will, muss genau hinschauen. Viele Fondsgesellschaften versuchen sich derzeit einen grünen Anstrich zu verpassen. So richtig „grün“ sind entsprechend viele auf Nachhaltigkeit getrimmten Fonds und ETFs eher nicht.&nbsp;&nbsp;&nbsp;

Öko etf

Geld: Wie du mit Öko reich werden kannst

Eine Interpretation der "Drei ???"-Geschichten wirft einen Blick in die Zukunft der drei Detektive Justus Jonas, Peter Shaw und Bob Andrews.

Seit nunmehr über vier Jahrzehnten gehen Millionen Deutsche – ganz gleich ob Männlein oder Weiblein – Nacht für Nacht mit den immer gleichen Typen ins Bett. Die Rede ist von Justus Jonas, Peter Shaw und Bob Andrews, drei Heranwachsenden aus dem (fiktiven) kalifornischen Küstenstädtchen Rocky Beach. Wenn Du trotz der enormen Prominenz dieses Trios bislang nur Bahnhof verstehst, gehörst Du vermutlich nicht zu all jenen, die mit den Stimmen von Oliver Rohrbeck, Jens Wawrczeck und Andreas Fröhlich aufwuchsen und denen die Wirkungskraft des guten alten Hörspiels als Einschlafhilfe wie auch Kopfkino zur Genüge bekannt ist. 

<img src="/api/static/fc4d463aadec08a102f67fcce566e04f.png" alt="Drei ???" style="height: auto;width: auto"/>

<h2 style="text-align:start;">Die drei ??? - Eine Erfolgsstory</h2>
Justus, Peter und Bob sind die Hauptakteure der erfolgreichsten Hörspielserie der Welt: „Die drei ???“. Hervorgegangen aus den 1964 in den Vereinigten Staaten erstmals veröffentlichten Romanen des US-amerikanischen Schriftstellers und Journalisten Robert Arthur und mit Schützenhilfe von dessen privatem Bekannten und Freund Alfred Hitchcock vermarktet, fallen die weltberühmten und vielfach adaptierten Detektivgeschichten längst nicht mehr in die Rubrik „Kinderkram“. Mit über 45 Millionen verkauften Tonträgern allein in Deutschland, daraus resultierenden 83 Gold- und 17 Platin-Schallplatten, mehreren Live-Lesungen, einer Free-TV-Ausstrahlung ihres Programmes "Phonophobia" bei RTL und einer durchschnittlich männlichen, Mitte 30 Jahre alten Hörerschaft, können die jugendlichen Kult-Ermittler auf eine erstaunlich beständige Fanbase zurückblicken, der das Erscheinen von durchschnittlich sechs neuen Folgen pro Jahr noch immer Herzklopfen bereitet. 
<h2 style="text-align:start;">"Rocky Beach" - Die drei ??? als Erwachsene</h2>
Mit der Graphic Novel "Rocky Beach" legen die beiden Autoren Christopher Tauber und Hanna Wenzel nun ein ganz besonderes Schmankerl für alle (erwachsenen!) Fans der weltberühmten Detektive vor. Die rund 200 Seiten starke Interpretation wirft in eleganten Schwarz-Weiß-Comicstrips einen wagemutigen Blick in die Zukunft und verrät uns, was Justus, Peter und Bob als Erwachsene umtreibt. Nachdem sich die drei Freunde einst aus den Augen verloren und Rocky Beach den Rücken gekehrt haben, kehren sie für einen letzten Fall zurück in die Straßen ihrer Kindheit, um noch einmal zusammen zu ermitteln. 

<img src="/api/static/c762d473026789ab6a1e81ea00a3d3ba.png" alt="Rocky Beach" style="height: auto;width: auto"/>
 Die auf der Rückseite des im Kosmos-Verlag erschienenen Hardcover-Buchs vermerkte Altersempfehlung "ab 16 Jahren" kommt dabei nicht von ungefähr. Explizite Sexszenen haben in der Geschichte ebenso ihren Platz wie Aufnahmen von brachialen Schlägereien oder sogar einem Erhängten. Das ist definitiv nichts für schwache Nerven!
"Rocky Beach" ist ab sofort im Buchhandel erhältlich. &nbsp;

Rocky Beach

Nur (!) für Erwachsene: "Rocky Beach"

Die kultige Edgar-Wallace-Parodie „Der Wixxer“ ist endlich in HD erhältlich – mit jeder Menge Extras!

Gewehrschüsse hallen durch das Kino. Die Leinwand blutet. Eine ominöse Stimme meldet sich zu Wort: „Hallo! Hier spricht Edgar Wallace … sein Nachbar!“ Über 1,8 Millionen Menschen ließen sich 2004 von diesen Worten zum Kinospaß namens „Der Wixxer“ begrüßen. TV-Chefzyniker Oliver Kalkofe, Comedy-Schauspielstar Bastian Pastekwa und Sportmoderator (sowie späterer „heute-show“-Gastgeber) Oliver Welke ulkten sich in dieser Krimi-Persiflage unter anderem durch die gegenwärtige Medienlandschaft. Doch vor allem verneigten sie sich mit viel Humor vor den Edgar-Wallace-Krimifilmen der 1950er- und 1960er-Jahre.

Da die „Der Wixxer“-Crew aber auf enormes Gagtempo setzte, voller skurriler Dialoge, kreativem Slapstick und knalliger Situationskomik, musste man die Vorlagen gar nicht kennen, um seine Freude daran zu haben, wie Inspector Very Long und Chief Inspector Even Longer einem Killer hinterherjagen, der mit Totenkopfmaske, Zylinder und Cape einen Mord nach dem nächsten begeht. Hinzu kamen schräge Nebenfiguren, beispielsweise gespielt von Thomas Fritsch (unter anderem die deutsche Synchronstimme des fiesen Scar in „Der König der Löwen“) oder solchen TV-Größen wie Anke Engelke, Olli Dittrich oder Günther Jauch (in einer wahrlich schockierenden Rolle!) …

Dieser Mix aus sehr speziellen Referenzen und einer breit zugänglichen, quirligen Art wurde 2007 in der Fortsetzung „Neues vom Wixxer“ perfektioniert – so sticht die Krimifarce mit einem gewollt-haarsträubenden Fechtduell hervor, dessen Ausgang durch eine TV-Werbe-Parodie mit Feuilletonliebling Roger Willemsen hinausgezögert wird. Und unvergessen bleibt natürlich noch Christoph Maria Herbst, der in beiden Filmen einen hitleresken Butler spielt.

Ein dritter Teil wurde im Abspann von „Neues vom Wixxer“ angekündigt, doch der blieb bisher reine Träumerei. Ob noch weiter gewixxt wird, ist unklar. Aber ganz gleich, ob das „Wixxer“-Universum nun fortgeführt wird oder nicht: Ein neues Blu-ray-Set dürfte alle Fans der Comedyhits, und jene, die es werden wollen, ein gutes Stück weit trösten.

<img src="/api/static/3e0000a87455b86d1a7b02b400a7777c.png" alt="© Turbine Medien" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Bonusmaterial zum abwixxen, ähm, abwinken</h2>
Während die „Wixxer“-Fangemeinde weiterhin gebannt wartet, wie/ob es mit dem Totenkopfmaske tragenden Schurken weiter geht, hat Turbine ihr ein gigantisches Paket geschnürt, um Trost für all die Ungewissheiten zu spenden: Das Heimkinolabel bringt diesen September eine limitierte Sammlerbox heraus, mit der „Der Wixxer“ seine Blu-ray-Premiere feiert. Obendrein enthält dieses Megaset eine Blu-ray-Neuauflage von „Neues vom Wixxer“ – und acht weitere Discs!

Im Set befinden sich neben den beiden Filmen auf je einer Blu-ray je eine Soundtrack-CD zu jeder der zwei Komödien, zwei Hörspiel-CDs mit „Der Wixxer“-Audiogeschichten, zwei Blu-rays, die randvoll mit Bonusmaterial sind, sowie (für alle nostalgisch veranlagten Seelen) zwei DVDs mit den „Wixxer“-Filmen. Außerdem liegen zwei Poster bei und ein 76-seitiges Booklet über die Entstehungsgeschichte der Filme. Zu den Extras auf den Bonus-Blu-rays zählen Musikvideos, Pannen vom Set, Deleted Scenes, eine Set-Tour, Probeaufnahmen und vieles mehr …

Und, was alle Fans der schrägen Original-DVDs der Filme freuen wird: Die exklusiven Sketche mit dem gesamten Cast, die auf den DVDs während der Bedienmenüs abgespielt wurden, sind nun in HD auf den neuen Blu-rays zu finden.

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<h2>Schon jetzt ein Verkaufsschlager</h2>
Die „Wixxer“-Filme sind nicht nur beliebt genug, um solch eine Sammleredition zu rechtfertigen. Sie genießen sogar eine derart große, anhaltende Popularität, dass die Verantwortlichen hinter der Deluxe-Box davon überrascht wurden: Ursprünglich war das 10-Disc-Megaset auf eine Auflage von 1.500 Exemplaren angelegt. Doch aufgrund eines gigantischen Ansturms an Vorbestellungen drohte das Set, allein schon nach drei Tagen ausverkauft zu werden.

Darum hat das Label Turbine beschlossen, die Auflage auf 2.500 Stück zu erhöhen. Gegenüber den Fans gab Turbine zu verstehen: "So sollen alle, die die Edition gern haben möchten, auch die Chance bekommen, sie zum handelsüblichen Preis zu erhalten."

Für den Filmverlag aus Münster ist die „Wixxer“-Box übrigens längst nicht die erste XXL-Sammleredition. Das von engagierten Filmfans geleitete Label brachte unter anderem schon eine ähnlich umfangreiche Box zu Alfred Hitchcocks „Psycho“ heraus und machte sich international einen Namen, indem es solche Kulthits wie „Blues Brothers“ oder „Die Braut des Prinzen“ liebevoll restauriert hat.

Darüber hinaus pflegt es eine jahrelange Beziehung zum „Wixxer“-Ko-Schöpfer Oliver Kalkofe: Turbine brachte beispielsweise schon ausgewählte Folgen von Kalkofes und Peter Rüttens Tele-5-Trashfest „Die schlechtesten Filme aller Zeiten“ alias „SchleFaZ“ fürs Heimkino heraus – darunter natürlich alle „Sharknado“-Teile. Des Weiteren sind DVDs und Blu-rays sowie gar CDs rund um „Kalkofes Mattscheibe“ fester Bestandteil des Turbine-Katalogs.

Da war diese 10-Disc-Edition rund um Kalkofes große Kinohits einfach eine Frage der Zeit. Und die Zeit der „Wixxer“ hat jetzt geschlagen!

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<h2>The Next Return of the Ghost Faced Killer?</h2>
Aber wann wird denn nun endlich die Zeit für einen dritten „Wixxer“-Film schlagen? Dahingehend gibt es leider keine so freudigen Informationen: Der im Abspann von „Neues vom Wixxer“ angekündigte dritte Teil ist aller Wahrscheinlichkeit nach tot. Nach langen Jahren, in denen Kalkofe, Welke und Pastewka ihre Fans vertröstet haben, kam es 2015 nämlich zum großen Schock: Oliver Kalkofe verkündete auf seiner Facebook-Seite, dass es keinen dritten Teil geben wird. Grund sei ein unüberwindbarer Streit mit seinem langjährigen Kollegen und Freund Bastian Pastewka.

2018 deutete Kalkofe jedoch gegenüber dem 'Tagesspiegel' an, es gäbe Pläne, wie „man das 'Wixxer'-Universum rebooten und weiterführen kann“, nämlich als Streaming-Serie, die zahlreiche Vorbilder aus der Popkultur aufs Korn nimmt. Als Arbeitstitel wurde „Die Wixx-Akten“ in Aussicht gestellt, möglicher Abnehmer der Serie sei Netflix, hieß es damals.

Auf Pastewka müsste man den damaligen Aussagen zufolge in der Serie verzichten, doch der Rest des altbekannten Casts sei erneut dabei – wie etwa Christian Tramitz als erfolgreicher Bruder Kalkofes oder Christoph Maria Herbst als Butler, Seitenscheitelträger und begeisterter Karaoke-Sänger von Liedern über Egomanie und Kriegstreiber. Traurig bloß, dass es um die Serienpläne seither wieder sehr still geworden ist. Aber: Pastewka bewarb kürzlich die anstehende Veröffentlichung der „Wixxer“-Komplettbox. Vielleicht wird wenigstens das Kriegsbeil zwischen ihm und Kalkofe im Zuge dieser feierlichen Sammleredition begraben ..?&nbsp;

„Der Wixxer“ als Sammlerset: Kalkofe, Pastewka und Welke in HD

Der Wixxer als Sammlerset: Kalkofe, Pastewka und Welke in HD

Kein Durchblick im Notebook-Dschungel? Der 5 Punkte-Check hilft.

<h2>&nbsp;Check 1: Das passende Format&nbsp;</h2>
Bevor du einen Blick auf Komponenten oder Preise wirfst, solltest du dich für eine Größe entscheiden. Die wichtigste Kennzahl hierfür ist die Bildschirmdiagonale, angegeben in Zoll (1 Zoll = 2,54 cm).&nbsp;&nbsp;
<ul>
<li>13- bis 14-Zoll: Der beste Kompromiss aus Mobilität und Benutzerfreundlichkeit.&nbsp;&nbsp;</li>
<li>15 bis 16 Zoll: Diese Größe ist ideal, wenn du das Notebook meist zuhause nutzt und Wert auf einen größeren Bildschirm legst.&nbsp;&nbsp;</li>
<li>17 bis 18 Zoll: Inzwischen selten. Nur empfehlenswert, wenn du das Notebook vorrangig zum Spielen und für Foto-/Videobearbeitung nutzt.&nbsp;&nbsp;&nbsp;</li>
</ul>
<h2>Check 2: Das Innenleben: Prozessoren und Speicher&nbsp;</h2>
<ul>
<li>Prozessor / CPU: Die Geschwindigkeit des Prozessors hat maßgeblichen Einfluss auf die Geschwindigkeit bei der Bearbeitung von Aufgaben. Neuere Modelle arbeiten in der Regel stromsparender und können mehr Daten gleichzeitig verarbeiten. Die neusten Intel-Prozessoren erkennst du an der „10“ in den ersten beiden Ziffern (etwa Intel Core i5-10210U), „9“ oder „8“ bezeichnen dagegen etwas ältere Modelle (etwa Intel Core i7-8665U). i3, i5, i7 und i9 signalisieren die jeweiligen Leistungsstufen – je höher, desto schneller. Für die meisten Aufgaben reichen Core i5 und selbst Core i3-Prozessoren abhängig von den anderen Bauteilen für gängige Aufgaben wie Internet und Office vollkommen aus. Auch AMD ist wieder interessant: Die Ryzen-Prozessoren vom Typ Ryzen 4, Ryzen 5, Ryzen 7 und Ryzen 9 übertrumpfen ihre Intel-Pendants zum Teil sogar.&nbsp;</li>
<li>Grafik: Bei fast allen Notebooks ist der Grafikchip Teil der Hauptplatine (etwa Intel UHD, Intel Iris Plus). Damit wirst du glücklich, wenn du keine grafisch anspruchsvollen Spiele starten oder viel Videobearbeitungen durchführen willst. Ansonsten braucht das Notebook eine spezielle Grafikeinheit, etwa vom Typ GeForce RTX 2050- oder RTX 2060. Was du aber wissen musst: Starke Grafikchips werden heiß und steigern den Stromverbrauch. Spieletauglich und gleichzeitig leise und kompakt ist nicht möglich.&nbsp;&nbsp;</li>
<li>Arbeitsspeicher: Dein Laptop sollte mindesten 8 Gigabyte RAM an Bord haben. Stehen Spiele und Foto- und Videoschnittbearbeiter auf deinem Zettel, sollten es dagegen besser 16 oder sogar 32 GB sein.&nbsp;&nbsp;&nbsp;</li>
<li>Festplatte: Inzwischen verbauen alle Hersteller Solid-State-Laufwerke (SSDs). Im Vergleich zu den früher üblichen, magnetischen Festplatten, arbeiten sie schneller, sind robuster und arbeiten vollkommen lautlos. 256 Gigabyte sollte eine SSD mindestens mitbringen, wenn du viel mit deinem Notebook arbeitest, besser 512 Gigabyte oder 1 Terabyte.&nbsp;</li>
</ul>
<h2>Check 3: Der Bildschirm&nbsp;&nbsp;</h2>
Um preisgünstige Modelle mit einer Auflösung von 1366 x 768 Pixeln oder weniger solltest du einen Bogen machen, sie erzeugen matschige Bilder. Empfehlenswert ist mindestens ein Display mit einer Auflösung von 1920 x 1080 Bildpunkten (Full HD bzw. 1080p). Bildschirm mit noch höheren Auflösungen produzieren zwar noch schärfere Bilder, verbrauchen aber auch deutlich mehr Strom, was wiederum auf Kosten der Akkulaufzeit geht.&nbsp;&nbsp;
<h2>Check 4: Akku – 8 Stunden sollten im Tank sein&nbsp;</h2>
Mindestens acht Stunden – also einen Arbeitstag - sollte ein gutes Notebook ohne Aufladung durchhalten. Auf die Herstellerangaben darfst du dich dabei aber nicht verlassen. Generell gilt: Notebooks mit großen, besonders scharfen Bildschirmen und leistungsstarken Grafikchips halten nicht lange durch. Schließlich gilt das Display als größter Stromverbraucher.&nbsp;&nbsp;
<h2>Check 5: Am besten leicht und stabil&nbsp;</h2>
<ul>
<li style="margin-left:53.55pt;">Kunststoff: Preiswertere Notebooks setzen meist Kunststoff. Das ist zwar leicht und günstig, fühlt sich aber billig an und sieht auch so aus. Außerdem ist das Material anfällig für Brüche.&nbsp;</li>
<li style="margin-left:53.55pt;">Aluminium/Metall: Brüche oder Risse treten bei Aluminium-Chassis nahezu nie auf, allerdings steigt das Risiko auf Dellen oder Kratzer. Dafür sieht Metall schick aus und fühlt sich gut an.&nbsp;&nbsp;</li>
<li style="margin-left:53.55pt;">Magnesium: Leichter und härter als Aluminium, dafür bruchanfälliger.&nbsp;&nbsp;</li>
<li style="margin-left:53.55pt;">Kohlefaser: Kohlefaser gilt als sehr leicht und robust, ist allerdings teuer.&nbsp;&nbsp;</li>
</ul>
<h2>Vier Notebook-Empfehlungen für jeden Geldbeutel&nbsp;</h2>
 HP Spectre x360 13-aw0030ng 
Schickes Business-Convertible, das hohe Leistung, Top-Ausstattung und erstklassige Bildqualität vereint. Allein die Akkulaufzeit genügt nicht dem Premium-Anspruch.&nbsp;
+ Edel, kompakt und leicht&nbsp;
- Unterdurchschnittliche Akkulaufzeit&nbsp;
Preis:<a href="https://www.idealo.de/preisvergleich/OffersOfProduct/6867467_-spectre-x360-13-aw0030ng-hp.html" target="_blank"> ab 1.800 Euro</a>&nbsp;
&nbsp;
<img src="/api/static/f1cfcde4a190344a3ac8f152e5ee8a09.png" alt="HP Spectre" style="height: auto;width: auto"/>
Asus ZenBook Flip 15 UX562FA-AC091T 
Ansprechend verarbeitetes Convertible mit guter Leistung und Ausdauer. Nur der Bildschirm fällt im Vergleich zur sonstigen Ausstattung etwas ab.&nbsp;
+ Ansprechende Leistung&nbsp;
- Bildschirm nur durchschnittlich&nbsp;
Preis: <a href="https://www.idealo.de/preisvergleich/OffersOfProduct/6824186_-zenbook-flip-15-ux562fa-ac091t-asus.html" target="_blank">ab 935 Euro </a>&nbsp;
&nbsp;
<img src="/api/static/e9031940d0fd991981e67faf20087575.png" alt="Zenbook" style="height: auto;width: auto"/>

Acer Swift 3 SF313-52-52AS 
Das ordentlich verarbeitete Swift 3 läuft flott, bietet eine gute Akkulaufzeit und punktet mit einem sehr guten Bildschirm. Obendrein passt das Preis/Leistungsverhältnis.&nbsp;&nbsp;
+ Viel Notebook fürs Geld&nbsp;
- Schwache Lautsprecher&nbsp;
Preis: <a href="https://www.idealo.de/preisvergleich/OffersOfProduct/200023145_-swift-3-sf313-52-52as-acer.html" target="_blank">ab 750 Euro </a>&nbsp;
&nbsp;
<img src="/api/static/98228e092061ad642fa09e9bb122c656.png" alt="Acer" style="height: auto;width: auto"/>

Huawei MateBook D 14 53010TVS 
Der Star der unteren Mittelklasse: Viel Leistung, gute Akkulaufzeit und Topverarbeitung. Nur der Bildschirm ist weder besonders hell noch farbenroh.&nbsp;
+ Viel Notebook fürs Geld&nbsp;
- Ungünstige Webcam-Position&nbsp;
Preis: <a href="https://www.idealo.de/preisvergleich/OffersOfProduct/200086066_-matebook-d-14-2020-huawei.html" target="_blank">ab 600 Euro </a>&nbsp;

<img src="/api/static/044da98a8a64e2ea46337cd4aae83ba8.png" alt="Huawei" style="height: auto;width: auto"/>

Du liebäugelst mit dem Kauf eines neuen Notebooks, weißt aber nicht, welches Modell es sein soll und wie viel Geld du ausgeben musst? Dann bist du nicht allein. Der Notebook-Markt ist unübersichtlicher denn je, für jeden Anspruch gibt es das passende Modell. Mit dem 5-Punkte-Check findest du das richtige Modell für deinen Anspruch.&nbsp;&nbsp;

NBHead

So findest du das passende Notebook

ETFs sind derzeit in aller Munde. Aktiv gemanagte Fonds haben aber durchaus Vorteile gegenüber anderen Anlageformen.

Breit streuen ist bei der Geldanlage eine gute Idee. Denn um das Risiko gering zu halten, solltest du nicht alles auf eine Karte setzen, sondern „diversifizieren“, wie es im Fachjargon so schön heißt. ETFs und Investmentfonds sind dafür ideal, schließlich bündeln diese Anlageformen hunderte Wertpapiere in einem Produkt. Aber wo liegen die Unterschiede? Und welche Anlageform verspricht die bessere Rendite? Spiele.de klärt auf.&nbsp;&nbsp;
<h2>ETF &amp; Investmentfonds: Berührungspunkte&nbsp;</h2>
Tatsächlich weisen ETFs und Investment-Fonds einige Gemeinsamkeiten auf. So bestehen beide Anlageformen aus einer Ansammlung von verschiedenen Vermögenswerten bestehen wie Aktien, Futures oder Anleihen. Zudem gibt es ganz nach Geschmack verschiedene Produkte mit bestimmten Schwerpunkten und Risikoklassen. Weitere Gemeinsamkeiten:&nbsp;
<ul>
<li>Ein Fondsmanager verwaltet das Vermögen.&nbsp;</li>
<li>Für die Verwaltung zahlst du als Anleger Gebühren.&nbsp;</li>
<li>Sie orientieren sich oft einem sogenannten Index nach, etwa den deutschen Leitindex DAX oder den globalen MSCI World.&nbsp;</li>
<li>Steuerlich werden beide Anlageformen ähnlich behandelt.&nbsp;&nbsp;</li>
</ul>
<h2>Das unterscheidet ETF &amp; Investmentfonds&nbsp;</h2>
Der entscheidende Unterschied zwischen Investmentfonds und ETFs: Investmentfonds werden im Gegensatz zum ETF meist aktiv verwaltet. Diese Aufgabe übernehmen (hoffentlich) versierte Experten, die sogenannten Fondsmanager. Sie versuchen Chancen, Risiken und Trends zu erkennen und entsprechend das Portfolio des Fonds anzupassen, getreu dem Aschenputtel-Motto „die Guten ins Töpfchen, die Schlechten ins Kröpfchen“. Ihr Ziel: Den Markt zu schlagen, also besser als vergleichsbare Indizes und andere Fonds abzuschneiden. Der Manager eines ETFs bildet dagegen meist stur einen Index ab – beispielsweise den DAX. Dafür gibt es bei ETFs auch meist keine großen Überraschungen: Sinkt der Index, fällt auch der ETF entsprechend, genauso verhält es sich bei Kursgewinnen. Darüber hinaus gibt es weitere Unterschiede.&nbsp;
<ul>
<li>Gebühren: „Aktive“ Fondsmanager und Ihre Berater wollen bezahlt werden, und das in der Regel fürstlich. Die Personalkosten fallen bei ETFs dagegen geringer aus, das Gleiche gilt für die Gebühren, die du zahlen musst. Obendrauf kommt bei den meisten Investmentfonds oft noch ein Ausgabeaufschlag, also eine Art Kaufgebühr. Die entscheidende Kennzahl sowohl bei ETFs und Investmentfonds stellt die „Total Expense Ratio“ dar, kurz TER, frei übersetzt „Gesamtkostenquote“. Ein Beispiel: Du legst 10.000 Euro in einem Fonds an mit einer TER von 1 Prozent an. In diesem Fall fallen 100 Euro Gebühren pro Jahr an. Liegt der TER bei einem ETF dagegen nur bei 0,3 Prozent, zahlst du nur 30 Euro Gebühren pro Jahr. Das sieht auf den ersten Blick nicht nach einer gigantischen Differenz aus. Aber betrachte es einmal so: Nach zehn Jahren würde die Differenz (bei unverändertem Kurs) zwischen ETF und Investmentfonds schon satte 700 Euro betragen. Dazu kommt: Steigen sowohl ETF und Investmentfonds in einem Jahr um 10 Prozent, bleiben dir bei dem Fonds vom Kursgewinn nur 9 Prozent (im Beispiel 900 Euro), beim ETF dagegen 9,7 Prozent (im Beispiel 970 Euro). Entsprechend hat die Höhe der Gebühren mittel- bis langfristig also sehr großen Einfluss auf die Rendite.&nbsp;&nbsp;</li>
<li>Kontrolle: Welche Titel ein Investmentfonds enthält, entscheiden allein der Manager und sein Team. Du hast keinen Einfluss, welche Papiere er kauft und welche er verkauft. Zudem weißt du nicht genau, was er vorhat, denn die rosigen Erläuterungen im Fondsprospekt, enthalten meist nur grobe Informationen, wo es langgeht. Allein regelmäßig erscheinende Berichte klären auf, was bereits passiert ist. Sprich: Demnach hast du also eine geringe Kontrolle über dein Geld und musst dem Fondsmanager vertrauen, dass er das Richtige tut. Bei ETFs gibt es dagegen keine großen Aufreger. Da sie meist blind einem Index folgen, weißt du genau, wo die Reise hingeht. Denn ETFs enthalten stets den gleichen Anteil an Wertpapieren wie im Index vorgegeben.&nbsp;&nbsp;&nbsp;</li>
<li>Wertentwicklung: Fondsmanager versuchen, aufgrund ihres Wissens und ihrer Erfahrung mit ihren herausgepickten Wertpapieren besser als der Markt abzuschneiden. Sprich: Ein Aktienfonds, der große europäische Aktien beinhaltet, schreibt sich meist auf die Fahnen, besser als die Referenz EuroStoxx 50 abzuschneiden – dafür zahlst du letztendlich die höheren Gebühren. Allerdings schaffen das nicht alle Fondsmanager, nüchtern betrachtet sogar die wenigsten.&nbsp;&nbsp;</li>
<li>Handel: ETFs ähneln in diesem Punkt Aktien. Ihr Preis schwankt kann minütlich schwanken und du kannst sie zu jedem Zeitpunkt während eines Handelstages kaufen und verkaufen. Im Gegensatz dazu wird der Preis von Investmentfonds einmal alle 24 Stunden am Ende eines jeden Handelstages festgelegt.&nbsp;&nbsp;</li>
</ul>


<img src="/api/static/c47017faac5293a07340aaeaccebbd36.png" alt="Vergleichen lohnt auf jeden Fall. Viele ETFs entwickeln sich besser als vergleichbare Fonds." style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Das spricht für Investmentfonds&nbsp;</h2>
Investmentfonds sind eine großartige Möglichkeit für dich, zu überschaubaren Kosten Zugang zu professionell verwalteten Fonds zu erhalten. Sie sind meist weniger riskant sein als einzelne Aktien, da dein Geld auf Hunderte (wenn nicht Tausende) verschiedener Aktien und/oder Anleihen verteilt ist. Das Angebot an Investmentfonds ist zudem gigantisch, für jeden Anlagetyp gibt es den richtigen.&nbsp;
<h2>Das spricht für ETFs&nbsp;&nbsp;</h2>
ETFs weisen die gleichen Vorteile von Investmentfonds auf, wie professionelles Management, Diversifizierung und große Auswahl. Dafür sind sie in der Regel billiger als Investmentfonds. Auf lange Sicht versprechen Sie daher bei vergleichbaren Produkten eine bessere Rendite.&nbsp;
<h2>Fazit&nbsp;&nbsp;</h2>
Ein Sparplan auf Basis eines stabilen Fonds oder ETF ist per se eine gute Idee. Unterm Strich bleibt es dabei ein wenig Geschmackssache, ob dir aktive gemangte Investmentfonds oder die passiven ETFs eher zusagen.Nüchtern betrachtet sind ETFs in der Regel die vernünftigere Wahl, denn nur in Ausnahmefällen gelingt es Investmentfonds ihren Vergleichsindex zu schlagen.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;

Sparschwein

 Finanztipp: Besser in ETFs oder Investmentfonds investieren?  

Von allen bei Disney+ angekündigten Marvel-Serien ist Wandavision wohl die ungewöhnlichste. Das beweist auch der erste Trailer.

Was ist denn das bitte? So oder ähnlich wirst du vielleicht reagieren, wenn du den Trailer zur Serie Wandavision gesehen hast. Spiele.de bringt hier etwas Licht ins Dunkel. Denn Stand heute ist ja nach wie vor: Vision (Paul Bettany), der Android, für den Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) Gefühle entwickelt hat, ist tot, zerstört von Thanos in Avengers Infinity War. Während Wanda im MCU bislang starke telekinetische Fähigkeiten beseitzt, kann sie in den Comics weitaus mehr - nämlich neue Realitäten schaffen. Und exakt danach sieht es im Trailer aus aus. Warum Wandas neue Realität allerdings aussieht wie eine 50er Jahre Comedy-Serie, das wissen bislang wohl nur die Macher.
Bekannt ist hingegen schon, dass einige Figuren mitspielen werden, die Marvel-Fans schon kennen. So ist Kat Dennings dabei, die ihre Rolle als Jane Fosters Assistentin Darcy aus den ersten beiden Thor-Filmen übernehmen wird. Ebenfalls dabei ist Monica Rambeau, die ihren ersten Auftritt in Captain Marvel hatte und in den Comics später auch die Kräfte der Figur erhielt und in den Marvel-Comics momentan als Spectrum unterwegs ist. Und aus Ant Man and the Wasp stößt noch Randall Park dazu, der dort einen FBI-Agenten spielte.

<img src="/api/static/68bec93391fe8e597c052363f3a7de5f.png" alt="Wandavision" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Serienstart im Dezember</h2>
Und lange musst du auf die Serie, deren Folgen Disney+-typisch wöchentlich gezeigt werden, auch nicht mehr warten. Ein spezielles Datum gibt es zwar nocht nicht, 2020 wurde von Disney aber bereits bestätigt. Da die konkreten Ankündigungen momentan bis November reichen, dürfte Wanadvision also zum Jahresende starten. Und das ist deutlich konkreter als Falcon and the Winter Soldier, die nach dem Streichen des August-Termins noch gar keine neuen Startinformationen bekommen hat.
Somit ist Wanadvision die erste Serie aus Marvels Phase Vier und soll vor allem mit dem nächsten Dr. Strange-Kinoabenteuer in Verbindung stehen. Die Serie soll aus sechs Folgen bestehen.

Wandavision

Wandavision: Erster Trailer der Disney+-Serie

Wandavision Trailer

Wandavision S1 Trailer

Lange nur geschnitten erhältlich: Die Adaption von Jack Ketchums „Beutegier“ erscheint uncut & restauriert im Mediabook, gemeinsam mit ihren Sequels.

Das Elend hat endlich ein Ende: Wer in Deutschland die Verfilmung von Jack Ketchums Romanschocker „Beutegier“ in voller Länge sehen wollte, blickte bislang in die Röhre. Der 2009 gestartete, knackige 79 Minuten lange Horrorfilm über Polizisten, die einem Kannibalenkult auf der Spur sind, wurde hierzulande ursprünglich nur geschnitten veröffentlicht – es entstanden eine um fünf Minuten gestutzte FSK-ab-18-Fassung und eine etwa zwei Minuten kürzere SPIO/JK-Version. Das volle Grauen bekamen Ketchum-Fans jahrelang nur als Import aus den USA oder Österreich zu sehen.

Die Fortsetzungen von „Beutegier“ kamen deutlich glimpflicher davon: „The Woman“ von 2011 lief hierzulande unzensiert ohne Jugendfreigabe, der dritte Teil „Darlin'“ aus dem Jahr 2019 bekam sogar das blaue „ab 16“-Siegel. Jetzt, ein Jahr nach Abschluss der von Fans letztlich als „The Woman“-Trilogie titulierten Reihe, hat Capelight Pictures aber eine richtig schöne Überraschung parat: Alle drei Teile erscheinen in einem Mediabook gesammelt – uncut und in UHD.

<img src="/api/static/d4aee2b9c1ebe2b7b659707082e14f05.png" alt="© Capelight" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Neu geprüft und mit 4K-Transfer</h2>
Anlässlich der Beendigung der „The Woman“-Trilogie legte das Label Capelight Pictures den Auftraktfilm der FSK erneut vor – und wieder einmal bekam das Studio eine Abfuhr verpasst. Aber anders als noch 2009 konnte Capelight „Beutegier“ immerhin das Spio-Gutachten sichern, ungekürzt keine schwere Jugendgefährdung darzustellen. Somit wurde der Weg für eine ungeschnittene Neuveröffentlichung in der Bundesrepublik frei gemacht.
 Für die Wiederveröffentlichung verpasste Capelight Pictures dem Film zudem einen neuen 4K-Transfer, womit er im Mediabook zusammen mit seinen Fortsetzungen seine UHD-Premiere feiert. Alternativ zum 3-Disc-UHD-Mediabook bringt Capelight auch ein (ebenfalls ungeschnittenes) 3-Disc-Blu-ray-Mediabook heraus. Beide sind mit dem identischen, ausführlichen Bonusmaterial bestückt.&nbsp;
 Unter anderem blickt ein 24-seitiges Booklet tief in die Entstehungsgeschichte der Filmreihe und ein Bildvergleich führt die Bemühungen bei der Filmrestauration vor. Es gibt darüber hinaus jede Menge Audiokommentare, einen Bonus-Kurzfilm und eine 75-minütige Behind-the-Scenes-Dokumentation zu entdecken.
<h2></h2>
<img src="/api/static/c04450420c93241f04e7eb577f415ed2.png" alt="© Capelight" style="height: auto;width: auto"/>
<h2> Darum geht’s</h2>
In „Beutegier“ (nun unter dem Originaltitel „Offspring“ aufgelegt) suchen grauenvolle Morde den unheilvoll benannten Ort Dead River heim. Die Opfer werden zerstückelt, es fehlen stets Körperteile. Als die Gesetzeshüter nicht mehr weiterwissen, wenden sie sich an den pensionierten Sherrif George Peters. Immerhin nahm er sich bereits vor zehn Jahren ähnlichen Vorfällen an. Damals hat ein Kannibalenclan sein Unwesen getrieben – Peters dachte, ihn ausgelöscht zu haben, aber offenbar irrt er …&nbsp;
 In „The Woman“ geht es um einen Bilderbuchvater, der bei einem Jagdausflug auf eine verwahrloste Frau trifft. Er fängt sie – mit der Absicht, sie zu einem nützlichen Mitglied der Gesellschaft zu erziehen. Aber er hat diese Frau (und ihren unstillbaren Antrieb, auf Menschen Jagd zu machen) gewaltig unterschätzt …&nbsp;
 „Darlin'“ führt die Geschichte aus „The Woman“ einige Jahre später fort. Erneut will ein naiver Mann eine wilde Frau (dieses Mal eine Nebenfigur aus dem Vorgängerfilm) zu einem respektablen Mitglied der Gesellschaft machen. Was der naive Geistliche aber nicht weiß: Ihre Mentorin ist bereits auf dem Weg – und sie kennt keinerlei Erbarmen …&nbsp;&nbsp;

Das UHD- und das Blu-ray-Mediabook erscheinen voraussichtlich am 25. September 2020.

Lange nur geschnitten erhältlich, nun ungekürzt und in neuer Bildqualität: Die Verfilmung von Jack Ketchums „Beutegier“ erscheint zusammen mit ihren Sequels im Mediabook.

Uncut und UHD: Die „The Woman“-Trilogie, endlich vereint

Uncut und UHD: Die „The Woman“-Trilogie erscheint im Mediabook

Millie Bobby Brown ist durch die Netflix-Serie Stranger Things zum Star geworden. Nun spielt sie im neuen Netflix-Film die Titelheldin Enola Holmes.

Zwar ist die Rechtelage in jedem Land ein wenig anders, doch grundsätzlich gilt: Irgendwann ist ein Copyright auf eine Figur oder Geschichte ausgelaufen und wird zum öffentlichen Gut. Das ist bei Musik so - und auch bei Literatur. 2014 fällte ein US-Gericht beispielsweise das Urteil, dass der unsterbliche Detektiv nun nicht länger geschützt sei. Die Autorin Nancy Springer schrieb ihre sechs Enola Holmes-Romans allerdings schon zwischen 2006 und 2010 - und stellte Sherlocks kleine Schwester als aufstrebende Detektivin in die Männerwelt des späten 19. Jahrhunderts. Netflix hat nun den ersten Roman der Reihe verfilmt - wie gut ist das Ergebnis?


<img src="/api/static/e456b8bf6faac9dc20fc7eebd61ce40e.png" alt="Enola Holmes" style="height: auto;width: auto"/>

<h2>Die Handlung</h2>
Der Vater schon lange gestorben, die deutlich älteren Brüder früh aus dem Haus: Enola Holmes (Millie Bobby Brown) wächst allein mit ihrer Mutter Eudoria (Helena Bonham-Carter) auf. Als sie deshalb ausgerechnet am Morgen ihres 16. Geburtstags feststellen muss, dass ihre Mutter verschwunden ist, bricht für Enola eine Welt zusammen. Dem Abschiedsgeschenk von Eudoria misst sie zuerst keine große Bedeutung zu und ruft ihre Brüder zur Hilfe. Doch während der berühmte Detektiv Sherlock (Henry Cavill) hauptsächlich mit ihr über Kindheitserinnerungen sprechen möchte, plant der ältere Mycroft (Sam Claflin) Schlimmeres: Er will Enola in ein Erziehungsheim stecken!
Weil der 16-jährigen diese Idee überhaupt nicht gefällt, schleicht sie sich aus dem Haus, um in Verkleidung nach London zu reisen, wohin die Spur ihrer Mutter führt. Denn deren Geschenk entpuppte sich bei genauerem Hinsehen als Rätsel mit dem Ergebnis London. Im Zug lernt sie nicht nur den flüchtigen Adligen-Sohn Tewksbury (Louis Partridge) kennen, sondern muss dem Jungen auch gleich das Leben retten. Und so schlittert sie, eigentlich nur auf der Suche nach ihrer Mutter, gleich in ihren ersten großen Fall als Detektivin: Wer will den Jungen tot sehen - und warum? Während Enola ihre Ermittlungen beginnt, setzt sich ihr genialer Bruder Sherlock auf ihre Fährte ...
<h2>Kein Film für Sherlock-Fans</h2>
Wer darauf hofft, hier einen mit junger Frau garnierten Sherlock Holmes-Film zu sehen, dürfte enttäuscht sein. Cavills Figur spielt tatsächlich nur eine eher kleine Nebenrolle. Unumstrittener Star ist Millie Bobby Brown als Enola Holmes, die in so gut wieder jeder Szene des Films vorkommt. Und ständig mit dem Zuschauer spricht. Das Durchbrechen der vierten Wand, so explizit zuletzt in "Deadpool" zu erleben, ist ein netter Einfall, der die Figur schnell transparent und liebenswert macht, ohne deshalb Dialog zu benötigen. Enola lässt das Publikum an ihren Gedanken und Überlegungen teilhaben und bringt so auch die leider sehr sprunghafte Handlung voran.
Dass auch in Enola eine brillante Ermittlerin schlummert, zeigt der Film hingegen erst nach einer Stunde Laufzeit, wenn klar wird, dass die junge Frau über ein fotografisches Gedächtnis verfügt und sich jederzeit an winzige Einzelheiten erinnern kann. Das ist filmisch immerhin schön umgesetzt, kommt aber etwas plötzlich und unerwartet. Dennoch ist das eine der wenigen Szenen, die etwas an Benedict Cumberbatch als Sherlock erinnern. Regisseur Harry Bradbeer, ein erfahrener TV-Macher; kann sich lange nicht entscheiden, ob der das Drehbuch von Jack Thorne nun als Detektiv-Geschichte oder Emanzipationsdrama einer jungen Frau Ende des 19. Jahrhunderts inszenieren will.


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<h2>Feminismus light</h2>
Zwar erzählt der Film immer wieder vom Kampf der damaligen Frauen um das Wahlrecht, letztlich dient dieser Umstand aber lediglich als Aufhänger, um Teile der Geschichte in Gang zu bringen - ein klassischer MacGuffin. Eindringlicher und besser macht es Bradbeer bei der persönlichen Story von Enola, die sich ständig von anderen bevormundet sieht, obwohl ihre Mutter sie seit Jahren dazu trainiert hat, selbständig und ohne Hilfe zurechtzukommen. Dass gerade ihr eigener Bruder ihr dieses Recht beschneiden will, gehört zu den traurigsten Momenten im Film, allerdings auch zu denen, in denen Brown am meisten glänzen und ihr Talent zeigen kann.&nbsp;
Mit zwei Stunden ist Enola Holmes allerdings nicht nur deutlich zu lang, Bradbeer kann sich auch während der ganzen Laufzeit nicht für einen einheitlichen Ton entscheiden, in dem er den Film erzählt. Mal scheint er eine recht junge Zielgruppe unterhalten zu wollen, streut aber immer wieder auch recht düstere Momente ein, die für Kinder nicht so recht passen wollen. Das mag daran liegen, dass er neben der Entwicklung seiner Heldin gleich noch zwei Kriminalfälle erzählen muss: die verschwundene Mutter und das Rätsel um den jungen Adligen. Das gelingt ihm trotz der zwei Stunden Zeit nicht. Die Suche nach Eudoria kommt daher auch irgendwann zum Erliegen und wird wenig befriedigend aufgelöst.
Der Film basiert auf einer Vorlage aus sechs Romanen und ursprünglich sollte Enola Holmes auch in die Kinos kommen. bevor Netflix den Film kaufte. Ob es trotz des recht offenen Schlusses noch weitere Filme geben wird, muss der Erfolg zeigen. Und der könnte dank der Stars und der aufwendigen Inszenierung mit tollen Kulissen und Kostümen durchaus eintreten. Zwar ist Enola Holmes kein wirklich guter Film, aber ein stets unterhaltsamer. Mit ein wenig Straffung und mehr Fokus auf einem Handlungsstrang wäre der Film sicher auch deutlich spannender gewesen. So bleibt ein akzeptabler Anfang einer möglichen Filmreihe.


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<h2>Fazit:</h2>
Gute Schauspieler, eine tolle Millie Bobby Brown - und doch springt der Funke nicht so richtig über. Regisseur Harry Bardbeer will in zwei Stunden Laufzeit so viele Storys und Aspekte erzählen, dass so mancher davon deutlich zu kurz kommt und den Film ausbremst. Charmant ist es immer dann, wenn Enola das Publikum an ihren Gedanken teilhaben lässt und auch optisch enttäuscht der Film nicht. Mit erster Liebe, zwei Kriminalfällen und dem Kampf um die Freiheit sind aber schlicht zu viele Themen im Topf, um allen den Platz zu geben, den sie gebraucht hätten. Das ist dennoch unterhaltsam, hätte aber spürbar besser werden können, als es ist.
Enola Holmes startet am 23. September 2020 bei Netflix.

Enola Holmes

Stranger Things-Star als Enola Holmes

Die Geschichte ist so unglaublich, dass du es kaum glauben wirst, aber The Outpost beruht auf Tatsachen. Wie gut ist der neue Kriegsfilm?

Heroisches Sterben und unbeirrter Heldenmut angesichts einer Übermacht: Nicht immer sind Kriegsfilme so realistisch, wie sie se gern wären. Zahlreiche Versuche aus den USA zeigen die Supermacht entweder als beste Kämpder unter der Sonne oder selbstlose Soldaten, die ohne zu zögern für ihr Land sterben. Weniger verbreitet sind hingegen Dramen, die auch den Menschen hinter der Waffe ausloten. Und denen es gelingt, neben Explosionen und Maschinengewehr-Feuer auch leisere Töne erklingen zu lassen. Zu welcher Kategorie gehört The Outpost, der auf wahren Ereignissen während des Afghanistan-Einsatzes der US-Armee im Jahr 2009 basiert?
<h2>Die Handlung</h2>
Das Camp nahe der pakistanischen Grenze ist eigentlich ein Witz. Das sieht auch Sergeant Clint Romesha (Scott Eastwood) so, als er mit seinen Männern dort ankommt. Denn es liegt am Fuß mehrerer Bergketten und kann somit von drei Seiten aus erhöhter Position attackiert werden - ein schlechterer Platz lässt sich kaum finden. Und doch befiehlt die Armee Captain Keating (Orlando Bloom), dem Befehlshaber dort, das Lager zu halten. Mit gut 50 Soldaten unter seinem Kommando versucht Keating, so gut es geht, den Frieden mit den Einheimischzen aus den umliegenden Dörfern zu erhalten. Doch immer wieder warnt ein Dolmetscher vor nahenden Taliban. So oft, dass ihm schließlich niemand mehr zuhört.
Ein Fehler, wie sich herausstellt. Denn am 3. Oktober 2009 früh morgens überfällt eine gewaltige Übermacht das Lager und feuert aus allen Rohren. Die Soldaten, darunter auch der junge Ty Carter (Caleb Landry Jones), wissen kaum, wie ihnen geschieht und haben Mühe, den Gegner überhaupt zu lokalisieren, da die Schüsse von allen Seiten kommen. Carter hat dazu noch den schlimmsten Job, den man sich vostellen kann: Er muss die MG-Nester und Panzerfahrzeuge mit Munitionsnachschub versorgen und somit ständig durch den Kugelhagel sprinten. Und die angeforderte Luftunterstützugn braucht fast eine Stunde zum Lager. Romesha ist nicht sicher, dass die Männer dann noch leben ...&nbsp;

The Outpost

Harte Kerle: The Outpost jetzt im Kino

<h2 style="text-align:start;">Kein reines Helden-Epos</h2>
Regisseur Rod Lurie, dessen bekanntestes Werk der 2001 gedrehte "Die letzte Festung" mit Robert Redfors sein dürfte, verfilmt mit The Outpost ein Sachbuch über den Vorfall und zeigt dabei die Ereignisse ausschließlich aus denBlickwinkeln der im Lager stationierten US-Soldaten. Zwar kommen EInheimische vor, mit denen Keating über Frieden und Unterstützung verhandelt, die Talbin aber bleiben eine namen- und gesichtlose Masse, über deren Motive - und deren Sterben - sich der Film keine Gedanken macht. Wer also eine ausgewogen erzälhte Story sucht, ist hier falsch. Wer allerdings nach kugelsicheren US-Superhelden sucht, die frein von Angst ihre Gegner niedermetzeln, wird auch nicht fündig.
Denn Lurie fängt den Alltag der GIs überraschend gut und komplex ein. Die ständige Angst, beschossen zu werden, kompensieren die Männer in Form von Testosteron-geschwängerten Gesprächen und Frotzeleien, während ihnen im Telefonat mit den Lieben daheim fast die Tränen kommen. Bevor in der zweiten Stunde des Films komplett die Waffen sprechen, lässt Lurie die Gesichter seiner Protagonisten von der allgegenwärtigen Bedrohung erzählen, der sie ausgesetzt sind. Bezeichnenderweise ist es Scott Eastwood, der nicht nur einen Soldaten namens Clint spielt, sondern auch am ehesten den stereotypen Helden gibt, den sein Vater in den 70ern verkörperte. Er bleibt der einzige.


<img src="/api/static/efd354edf243a74cf0cd34e3ece47756.png" alt="The Outpost" style="height: auto;width: auto"/>

<h2 style="text-align:start;">Gebrochene Männer und tote Freunde</h2>
Caleb Henry Jones hingegen ist es, der den interessanteren Charakter spielt. Sein gelegentlich aufmüpfiger und Befehlen gegenüber eher resistenter Ty Carter wird zur tragisch-heldenhaften Figur des Films und der Schauspieler darf dabei eine umfassende Bandbreite seines Könnens zeigen. Er ist es auch, neben dem Lurie seinen Kameramann am häufigsten durchs Lager hetzt und der Carter dabei umrundet wie ein Schwarm Hornissen. Ein guter Teil der fesselnden Action, die ohne ganz große Brutalitäten auskommt, ist denn auch dem quirligen Lorenzo Senatore zu verdanken, der den Taliban-Überfall auf das Lager, das die Soldaten bezeichnenderweise Alamo nennen, in packende Bilder kleidet.
Dass Lurie dabei zwar Fragen nach der SInnhaftlgkeit des Lagers stelt, aber keine nach der Sinnhaftigkeit des ganzen Krieges, kann man dem Film vorwerfen, wenn man will. Doch letztlich scheint der Regisseur wesentlich mehr an den einzelnen Schicksalen der Soldaten interessiert als am großen Ganzen. Und das macht auch die vergleichsweise ruhige, erste Stunde des Films interessant. Einziges Manko dabei: In seinem Bemühen, möglichst viele der 53 Männer des Lagers im Film unterzubringen, übertreibt es Lurie eindeutig. In den ersten Minuten schwirren so viele Namen durchs Bild, dass nur ein Gedächtniskünstler alle behalten könnte. Hier wäre ein stärkerer Fokus wohl die bessere Wahl gewesen.
Stark hingegen ist das Ende. Während bei anderen Filmen nach wahren Geschichten Videos und Fotos der echten Personen oft einen Fremdschäm-Refelx auslösen, gehen die Interviews mit den Überlebenden des Überfalls unter die Haut. Denn sie haben die Ereignisse auch mehr als zehn Jahre danach noch immer nicht gänzlich verdaut. Ob dagegen die Informationen, wer welchen Orden dafür erhalten hat, der Geschichte dienen, darf getrost bezweifelt werden. 


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<h2 style="text-align:start;">Fazit:</h2>
The Outpost ist ein Kriegsfilm, der seine Story deutlich facettenreicher und emotionaler erzählt, als das martialische Plakat erwarten lässt. Gerde weil sich Regisseur Rod Lurie nicht um das große Ganze schert, sondern seine wahre Geschichte konsequent aus der Sicht der Soldaten erzählt, die sie erlebt haben, gelingt ihm ein Film weitab der typischen Helden-Epen vom tapferen, harten Kerl, der seine Feinde niedermäht. Das macht The Outpost sicher noch nicht zum Antikriegs-Film. Aber zumindest zu einem Werk, das weder an Kritik an der US-Taktik spart, noch das Sterben in irgendeiner Weise heroisiert oder schönredet. Wer seine Action ein wenig differenzierter mag, ist hier richtig.&nbsp;

Heroisches Sterben und unbeirrter Heldenmut angesichts einer Übermacht: Nicht immer sind Kriegsfilme so realistisch, wie sie sie gern wären. Zahlreiche Versuche aus den USA zeigen die Supermacht entweder als beste Kämpfer unter der Sonne oder selbstlose Soldaten, die ohne zu zögern für ihr Land sterben. Weniger verbreitet sind hingegen Dramen, die auch den Menschen hinter der Waffe ausloten. Und denen es gelingt, neben Explosionen und Maschinengewehr-Feuer auch leisere Töne erklingen zu lassen. Zu welcher Kategorie gehört The Outpost, der auf wahren Ereignissen während des Afghanistan-Einsatzes der US-Armee im Jahr 2009 basiert?
<h2>Die Handlung</h2>
Das Camp nahe der pakistanischen Grenze ist eigentlich ein Witz. Das sieht auch Sergeant Clint Romesha (Scott Eastwood) so, als er mit seinen Männern dort ankommt. Denn es liegt am Fuß mehrerer Bergketten und kann somit von drei Seiten aus erhöhter Position attackiert werden - ein schlechterer Platz lässt sich kaum finden. Und doch befiehlt die Armee Captain Keating (Orlando Bloom), dem Befehlshaber dort, das Lager zu halten. Mit gut 50 Soldaten unter seinem Kommando versucht Keating, so gut es geht, den Frieden mit den Einheimischen aus den umliegenden Dörfern zu erhalten. Doch immer wieder warnt ein Dolmetscher vor nahenden Taliban. So oft, dass ihm schließlich niemand mehr zuhört.
Ein Fehler, wie sich herausstellt. Denn am 3. Oktober 2009 früh morgens überfällt eine gewaltige Übermacht das Lager und feuert aus allen Rohren. Die Soldaten, darunter auch der junge Ty Carter (Caleb Landry Jones), wissen kaum, wie ihnen geschieht und haben Mühe, den Gegner überhaupt zu lokalisieren, da die Schüsse von allen Seiten kommen. Carter hat dazu noch den schlimmsten Job, den man sich vostellen kann: Er muss die MG-Nester und Panzerfahrzeuge mit Munitionsnachschub versorgen und somit ständig durch den Kugelhagel sprinten. Und die angeforderte Luftunterstützung braucht fast eine Stunde zum Lager. Romesha ist nicht sicher, dass die Männer dann noch leben ...&nbsp;

Donald Duck mal ganz anders: In der Saga rund um „den neuen Phantomias“ teilt der Matrosenmützenträger gegen Aliens und Zeitreisende aus.

Ein Zeitreisender will eine viele Tote nach sich ziehende Explosion abwenden, doch die Polizisten der Zeitbehörde möchten nicht, dass dieses vorbestimmte Ereignis verhindert wird. Egal, wie schrecklich es ist. Ein idealistischer, aber kompromissfeindlicher Wissenschaftler will die zugebaute Westküste eines Kontinents zerstören, um unberührtes Land freizulegen und der Menschheit einen ökologischen Neustart zu schenken. Selbst, wenn es Millionen von Leben kostet … Wer setzt sich mit diesen Dilemmata auseinander? Donald Duck.
Eine Rasse Außerirdischer, die die Emotionen und Lebensenergie ihrer Opfer aussaugt, nimmt die Erde als nächstes Ziel ins Visier – und das Militär kooperiert willentlich mit ihnen. Zu den wenigen Widerstandskämpfern gehört … Donald Duck. Eine Androidin verliert den Lebenswillen und stürzt sich in den Tod. Als sich Techniker anschicken, sie zu reparieren, redet es ihnen jemand aus. Nämlich … Donald Duck.
Das klingt für Uneingeweihte womöglich wie die Zusammenfassung finsterer Fanfiction, die nichts mit echten Disney-Comics zu tun hat. Aber wer in den späten 1990ern ein bestimmtes, in Deutschland sehr nischiges monatliches Disney-Magazin gekauft hat, oder jetzt zur treuen Leserschaft des edel aufgemachten „LTB Premium“ gehört, weiß, was Sache ist. Diese dramatischen, moralisch komplexen Disney-Comicgeschichten existieren. Und sie sind außerordentlich gut. Die Rede ist von der in Italien erfundenen Comicsaga „Paperinik New Adventures“, oder wie sie hierzulande getauft wurde: „Der neue Phantomias“.

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<h2>Vom Pechvogel zum Rächer zum sanften Helden zum „neuen Phantomias“</h2>
Dass sich Donald Duck in Maske und Umhang kleidet, um als Teilzeiträcher und Superheld Phantomias durch die Nacht zu springen, ist seit 1969 Teil des Disney-Comic-Kanons aus Italien. Erdacht wurde das Alter Ego des zornigen Erpels, weil vielfach der Wunsch geäußert wurde, Donald doch mal auf der Siegerseite zu sehen. Also bekam er eine Geheimidentität, die ihm half, sich an Peinigern zu rächen oder Diebe in die Flucht zu schlagen. Phantomias erfreute sich großer Beliebtheit – bis diese Popularität in den frühen 1990er-Jahren kurzzeitig abnahm.
Bei Disney Italia erkannte man, dass die einst sehr forsche Figur zuletzt zu zahm wurde – und dachte sich daher, dass es an der Zeit sei, Phantomias endlich in eine Superwelt zu hieven, die sich neben die an Jugendliche und junge Erwachsene orientierenden Marvel- und DC-Reihen gesellen kann.

Eine Truppe von italienischen Disney-Comicschaffenden, die damals als junge Wilde den Status quo hinterfragten, nahm sich diesem Gedanken an. Und so erschufen Claudio Sciarrone, Alessandro Barbucci und Silvia Ziche sowie die Autoren Tito Faraci und Francesco Artibani ein futuristisch angehauchtes Entenhausen, in dem fortlaufende Geschichten mit immensen Bedrohungen und fahrigen moralischen Dilemmata erzählt werden.

Donalds Alter Ego Phantomias tauscht in „Paperinik New Adventures“ seine wie kindische Wasserpistolen gestalteten Waffen und seine Sprungfeder-Stiefel gegen einen Transformerschild und berät sich nicht weiter mit dem kauzigen Erfinder Daniel Düsentrieb, sondern mit der Künstlichen Intelligenz Eins, die im Laufe der Saga erst noch Empathie lernen muss. Die Comics sind reich an Action, die teils ordentliche Blessuren beim Titelhelden hinterlassen, und Donald alias Phantomias ackert sich mit großem Sarkasmus und viel Galgenhumor durch die vielen Situationen, die weit schwerwiegender sind als alles, was er von früher gewohnt ist.

Dieser Humor ist sehr schnippisch geschrieben – und lässt zugleich weiter durchschimmern, dass sich hier ein Pechvogel und Faulpelz in Kämpfe stürzt, die er lieber Anderen überlassen würde. Würden sich doch nur Andere finden, die diese Kämpfe zu schlagen wüssten. Doch weil es halt sonst niemand übernimmt, löffelt halt Donald Duck ebenso emsig wie augenrollend für uns alle die Suppe aus.

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<h2>Anfangs ordentlich am Markt vorbei gebrettert</h2>
In Deutschland startete der Verlag Ehapa 1996, nur kurze Zeit nach dem Debüt in Italien, den ersten Versuch, diese Comicreihe ans Publikum heranzutragen. Als monatliche Heftreihe in etwas edlerer Aufmachung, aber ähnlichem Format wie das altbekannte „Micky Maus Magazin“, bekam es eine Aufmachung verpasst, die wie ein Hybrid aus klassischen Disney-Heftchen und den Superheldenheften von DC und Marvel anmutete. So weit, so gut. Aber die Saga startete in Deutschland direkt mit einem gigantischen Problem:

Die allererste Geschichte, die erklärt, weshalb Donald Duck nun in einem 151 Stockwerke hohen Wolkenkratzer lebt, mit einer Künstlichen Intelligenz befreundet ist, keinen Kontakt mehr zu seinen Neffen und alten Weggefährten hat, und in der Gestalt von Phantomias nicht etwa Diebe, sondern Killer-Aliens und Diebe aus der Zukunft jagt, wurde ausgelassen. Anspielungen auf „kürzliche Ereignisse“ wirkten nicht wie ausgereifte, innere Kontinuität, sondern wie schlechtes Geschichtenerzählen.

Jahre später wurden „lizenzrechtliche Schwierigkeiten“ als Grund dafür öffentlich gemacht, der Schaden ließ sich aber nicht rückgängig machen: Im deutschen Disney-Comicmarkt, der sich Mitte der 1990er-Jahre noch weniger um Erwachsene bemühte als heute, und für den „PkNA“ somit eh ein schwer zu positionierendes Projekt darstellte, wurde diese Reihe so gestartet, dass sich beim Publikum die Fragezeichen nur so stapelten. Nach bloß neun Heften gab der Verlag die Reihe auf. Vorerst.

1999 folgte ein zweiter Anlauf – mit weniger Inhalt pro Ausgabe, aber zu einem höheren Preis. Die Ursprungsgeschichte der Saga wurde streng limitiert nachgereicht. In Schwarz und Weiß. Und nicht etwa zu Beginn dieses erneuten Versuchs, sondern zu einem späteren Zeitpunkt. Wer braucht schon eine chronologische Veröffentlichung bei einer kontinuierlich erzählten, eng verwobenen Geschichte? Mehr Leute, als dem Verlag damals wohl lieb war: Erneut spielten nur wenige Menschen dieses Spiel mit – nach insgesamt 15 Bänden war mangels Erfolg Schluss.

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<h2>Das Taschenbuchformat eilt zur Rettung</h2>
Am 1. März 2012 gelang es dem futuristischen, verwegenen Phantomias endlich, seine Pechsträhne in Deutschland zu überwinden: Unter dem Titel „Der neue Phantomias“ wurde ihm der zweite Band der hochpreisigen, gezielt an ältere Disney-Fans vermarkteten Reihe „LTB Premium“ gewidmet. Darin wurden erneut die Geschichten abgedruckt, die den Grundstein dieser Saga darstellen und die relevantesten Gegner sowie Unterstützer des Helden im Cape einführen – inklusive des zuvor so sagenumwobenen, erst ausgelassenen, dann limitierten „Band 0“. Dieses Mal sogar in Farbe!

Seither sind die „PkNA“-Chroniken fester Bestandteil der Premium-Reihe unter dem „Lustiges Taschenbuch“-Banner. Die Bände vier und sieben folgten mit einer Kombination aus chronologischen Nachdrucken bereits veröffentlichter Hauptgeschichten und deutschen Erstveröffentlichungen pointierter Kurzgeschichten, die die Nebenfiguren der Saga vertiefen. „LTB Premium 9“ belohnte im Oktober 2015 geduldige Fans des neuen Phantomias endlich mit seit vielen Jahren herbei ersehnten, deutschen Erstveröffentlichungen langer Geschichten aus dem zentralen Handlungsstrang.

In den „LTB Premium“-Ausgaben elf, 14, 16, 18, 20, 23 und 25 ging die Saga auf zunehmend komplexere Weise weiter, mit lang im Voraus geleistetem Foreshadowing, weit zurückreichenden Kontinuitätsrückgriffen und einer steigenden Schlagzahl an Comics, die entweder sehr actionreich sind oder sehr dramatische, verschachtelte Plots erzählen. Donald alias Phantomias stellt sich Robo-Auftragskillern, begegnet Aliensöldnern und entwickelt ein ihn immens beißendes, schlechtes Gewissen für Dinge, die er seit Jahrzehnten in seinen klassischen Spaßgeschichten tut. Die Zeitreisegeschichten werden immer verzahnter – und nach dem tragischen Ausgang der Reise einer peppigen Nebenfigur sowie nach einer „Predator“-Parodie findet die Sage in Band 25 einen esoterischen Quasi-Abschluss.

Quasi-Abschluss daher, weil „PkNA“ in Italien so beliebt und erfolgreich war, dass die dortige Disney-Dependence die Reihe fortführte – erst mit einer 18-teiligen Comicsaga, die unmittelbar nach den „PkNA“-Comics spielt, aber zunehmend auf Mystery, charakterbezogene Dramatik und grau-graue Moralität, statt auf Action setzt. Diese Sequel-Saga feierte in Deutschland im August 2020 in „LTB Premium 27“, 19 Jahre nach ihrem Debüt in Italien, ihre Premiere.&nbsp;

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<h2>Es ist noch lange nicht Schluss!</h2>
Mit Witz, Emotion, Action und Dramatik sind die „PkNA“-Geschichte richtige Juwelen im Disney-Comictresor, und da die Ursprungssaga in Deutschland endlich komplett erschienen ist, ist nun der perfekte Zeitpunkt gekommen, sich in sie hineinzustürzen. Beim „Binge Reading“ entwickelt die Reihe eine noch größere Sogkraft als bei einer über viele, viele Monate hinweg erfolgten Veröffentlichung, werden so durch die Charakterbögen erst richtig deutlich.

Und es ist schon für viel, viel Nachschub gesorgt. In Italien wurde vor wenigen Jahren ein neuer Handlungsstrang rund um den schnippische Sprüche klopfenden, sich durch explosive Auseinandersetzungen wuselnden Erpel mit Maske aufgenommen. Während Comic-Deutschland sich also gerade in die dramatische Zwischenphase des neuen Phantomias begeben hat, arbeitet Italien munter weiter an der Zukunft des futuristischen Phantomias.

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